Dont stop the Music

Sympathy For The Devil

2011-05-05T17:48:00.000-07:00

En el transcurso de la historia, ha habido momentos o eventos clave que actualmente vinculamos con alguna canción o género musical. Sin embargo muy pocos están tan relacionados con un género musical (o con canciones en especifico) como lo está la guerra de Vietnam; la cual duró toda la década de los 60 y mitad de los 70.

A pesar de estar asociado con la música “Rock” en general, hay canciones específicas que nos vienen a la memoria al hablar de esta guerra; y una de las más emblemáticas es “Sympathy For The Devil” de “The Rolling Stones”

En el año 1968, prácticamente recién terminada la “Ofensiva Tet” efectuada por los comunistas vietnamitas, “The Rolling Stones” grababan este tema en la ciudad de Londres. Actualmente es uno de los temas más conocidos de esta legendaria agrupación.

El álbum “Beggars Banquet” (álbum que figura el tema en cuestión) fue catalogado como “controversial” por contener líricas sexuales y un supuesto “culto satánico” que demostraban en el tema “Sympathy For The Devil”, cuya melodía, composición y lírica, crean un ambiente oscuro y misterioso.

Comenzaremos por el ámbito musical del tema, que en comparación con la lírica, es menos profundo. El inicio de esta canción quizás sea una de las introducciones más conocidas en el mundo de la música. Se dice que fue idea de Richards (guitarrista de la agrupación) el introducir instrumentos adicionales de percusión y crear una fusión entre el “Rock” y la “Samba”.

Por segundos escuchamos únicamente un ritmo que usualmente no relacionaríamos con “Rock n´ Roll” efectuado únicamente por instrumentos de percusión y gemidos de Mick Jagger. Es cuando Jagger comienza a cantar en verdad, momento en el que también aparecen el resto de los instrumentos, que la canción comienza a reconocerse como un tema “Rock”.

Quizás sea por el tema que la canción trata, que la melodía vocal pareciera no estar tan elaborada, en cambio sus cambios en velocidad y fuerza crean la ilusión que el cantante nos llama y que todo esta ocurriendo en un ambiente oscuro y misterioso.

Sin embargo, el logro melódico del tema no estaría completo sin una lírica que fuese igualmente fuerte, impactante y misteriosa.

Durante todo el tema, el cantante actúa como un personaje que nos invita a conocerlo, que nos reta a adivinar su nombre. Para ayudarnos a adivinarlo, nos da una serie de pistas, las cuales (en conjunto con el nombre de la canción, y el hecho que al final del tema el mismo se revela) nos deja bien claro que se trata del mismísimo diablo.

El personaje da como pistas lugares y momentos en los que ha estado presente, todos momentos que han pasado a la historia como oscuros y trágicos.

Para empezar explica como estuvo en el momento en que Pilatos lavo sus manos y condeno a Jesús a la cruz (Made damn sure that pilate - Washed his hands and sealed his fate).

También relata sus apariciones durante la edad media y todas las acciones bélicas religiosas (I watched with glee -While your kings and queens - Fought for ten decades - For the gods they made) así como durante la revolución rusa y el asesinato al Zar Nicolás (I stuck around St. Petersburg - when I saw it was a time for a change - killed the Tsar and his ministers - Anastasia screamed in vain) y durante la segunda guerra mundial (I rode a tank, held a general's rank - when the Blitzkrieg raged - and the bodies stank).

Después de dar todas las pistas, finalmente se desenmascara invitándonos a llamarlo Lucifer. Igualmente, nos advierte que si llegamos a conocerlo lo tratemos con el respeto y la cortesía que merece su titulo, de lo contrario, se deshará de nuestra alma.

Luego de escuchar el tema podemos entender por qué se pudo haber pensado que “The Rolling Stones” tenían una especie de pacto con el diablo. No obstante el mismo Mick Jagger desmintió estas acusaciones a inicio de los años 70, declarando que se trataba de una simple canción.

Es bastante difícil escuchar este tema sin idearnos imágenes de la guerra de Vietnam, de hecho tanto películas como juegos de video que tratan sobre este hecho histórico utilizan el tema como soundtrack.

Quizás una de las razones por las que este tema se relaciona tanto con la guerra de Vietnam (además del obvio hecho de la fecha y el género) es su tema oscuro, que encaja facilmente con la guerra.

En el 2004 este tema fue ubicado como número 32 en la lista de las 500 mejores canciones en la historia.

Me atrevo a asegurar que todas las personas que topen con este post han escuchado la canción. Igualmente me atrevo a asegurar que a la gran mayoría, esta les parece de su agrado. Sin embargo nunca esta de más recordarles que es un tema excelente y altamente recomendado.

Tema: Sympathy For The Devil
Artista: The Rolling Stones
Album: Beggars Banquet
Género: Rock
Año: 1968

Winter Winds

2011-04-21T20:52:00.000-07:00

En lo que conocemos como música comercial, el 90% las bandas en el 90% de sus temas cuentan con los instrumentos esenciales y característicos de la música “Pop” o “Rock”. Es decir una guitarra, una batería y un bajo eléctrico; con la ocasional añadidura de un teclado o un sintetizador.

Sin embargo en la última década, con el auge de la llamada música “Indy”, la inclusión de instrumentos no convencionales en la música comercial ha crecido. (No con esto quiero decir que no se utilizaran dichos instrumentos antes del auge de este estilo).

Instrumentos utilizados en música folklórica de diferentes países (especialmente el Bluegrass de los Estados Unidos) han encontrado puesto en las bandas de “Pop” y “Rock” actuales.

Instrumentos como la mandolina, el dobro y el banjo son utilizados como instrumentos principales en algunas bandas que ya entran en la categoría de música comercial.

Una de las cosas que más me llaman la atención en la escena musical actual, es como instrumentos autóctonos americanos como lo son el banjo y el dobro, son utilizados con tanta propiedad y maestría por agrupaciones inglesas.

Una de las agrupaciones que cuenta con las características anteriormente mencionadas (inglesa, de la movida “Indy”, empleadores de instrumentos “no convencionales”) es “Mumford And Sons”.

Creada en el 2007 y con solo un álbum en el mercado (Sigh No More), esta banda ha crecido en popularidad rapidamente en tan solo cuatro años. Su segundo single y uno de sus temas más conocidos es “Winter Winds”.

Cuando escuchamos “Winter winds” podemos notar, inmediatamente, el estilo “no convencional” de esta banda y su interés por experimentar con otros instrumentos. Los primeros instrumentos que logramos distinguir son instrumentos de viento junto con la guitarra, en una inmediata explosión de sonido en los primeros segundos de la canción.

Para el momento en que Marcus Mumford (vocalista) entra a cantar, solo queda sonando la guitarra, quitándole un poco de energía a la música y dándole un aire melancólico y triste. La totalidad de los instrumentos vuelven a encontrarse en los coros, de la misma manera explosiva que comienza la canción.

Entre coros podemos escuchar los arpegios del banjo, lo que le dan a la canción ese aire de “fronteerland” o de “bluegrass” que escuchamos en la mayoría de las piezas de la banda.

Es interesante acotar las siguientes curiosidades. El tema es un “Waltz”, es decir esta construido en compases de 3/4 en vez de 4/4 (normalmente utilizado para el “Rock” y “Pop”). El bajo en el tema no es eléctrico, sino acústico; elemento que añade al ambiente “Country” folklorico de la canción. Y por último, el tema no cuenta con una batería, la percusión que existe es únicamente golpes de bombo, efectuados por el mismo cantante de la banda.

Ahora, líricamente el tema es una mezcla de amor y desolación. Los fríos vientos de invierno en la ciudad de Londres impulsaron a dos personas a unirse en una noche de amor, sin embargo esta relación no prosperaría; quedaría como un buen recuerdo pero nada más.

El cantante explica que, a pesar que su cabeza quería continuar, su corazón le decía que no. De la misma manera le dice a su pareja que, si se siente triste, solo tiene que recordar que la primavera derrite la nieve y despierta a las plantas.

En mi opinión “Mumford And Sons” presenta una de las propuestas más interesantes de la música comercial actual, y “Winter Winds” es uno de sus mejores temas.

Tema: Winter Winds
Artista: Mumford And Sons
Album: Sigh No More
Género: Indy/Folk
Año: 2009

Thula Mama

2011-03-06T20:36:00.000-08:00

Bela Fleck dijo una vez que uno de los mejores lugares en los que se escucha música acústica es en el continente africano. Luego de escuchar al surafricano Vusi Sidney Mahlasela Ka Zwane, estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación.

Mejor conocido como Vusi Mahlasela, o simplemente como “The Voice”, este artista presenta una propuesta musical realmente interesante, mezclando ritmos e intereses africanos con ritmos y melodías occidentales y modernas.

Sus líricas, como cabe esperar de un surafricano de color, son totalmente en contra del racismo y a favor de paz y unión entre enemigos; sus temas sirvieron de inspiración para todos aquellos surafricanos que lucharon contra el apartheid.

El tema “Thula Mama”, en cambio, trata sobre un tema que afecta a toda la sociedad africana e incluso al mundo entero. No dejemos que su alegre melodía nos engañe, esta canción es básicamente una de queja, es un tema que refleja la preocupación que presenta el cantante sobre el mundo decadente en el que vivimos actualmente.

Al cantarla Vusi cuenta una historia. Recuerda de pequeño ver a su madre (Thula) llorando, y aunque era muy ignorante para comprenderlo, ahora entiende que su madre lloraba por el futuro que le esperaba a este mundo. Entonces Vusi hace una serie de preguntas sobre la injusticia en el mundo, preguntas que, a pesar de tener una respuesta obvia, deben ser preguntadas por todos.

Muchas personas coinciden en que el tema principal de la canción es la injusticia contra la mujer; sin embargo es mi opinión personal que esta canción trata sobre mucho más que eso. Trata sobre la injusticia en general que presenta una sociedad decadente corrupta, la sociedad del mundo actual.

A pesar de todo esto, Vusi insiste en que el día de mañana será un día mejor. Quizas por esta razón la melodía jovial.

Entonces, por otro lado vemos a “Thula Mama” como una canción musicalmente alegre. Los únicos instrumentos presentes son una guitarra acústica y la voz de Vusi. Comienza todo con una melodía realmente alegre por parte de la guitarra, a la que se une la voz seca de Vusi imitando sus notas y acordes.

Es realmente interesante escuchar a Vusi Mahlasela cantando simultáneamente con su guitarra y de pronto romper en los versos de una manera suave y fina. Además, se puede decir que el acento africano que presenta el cantante, le da al tema un extra realmente interesante.

No es lo más usual escuchar a un cantante oriundo de África, de hecho muy pocos cantantes africanos que mantengan raíces africanas en su música (entre ellos K’naan y Oumou Sangaré) han tenido éxito en el mundo occidental. Sin embargo Vusi Mahlasela ha compartido escenario con grandes artistas como por ejemplo Bela Fleck y, el también surafricano, Dave Matthews.

“Thula Mama” es un tema realmente interesante, a pesar de tratar un tema fuerte, la melodía no se deja afectar por este y nos presenta una canción musicalmente alegre y agradable al oído.

Tema: Thula Mama
Artista: Vusi Mahlasela
Album: Naledi Ya Tsela (Guiding Star)
Género: African Folk
Año: 2007

PD: Me disculpo por la publicidad indeseada al comienzo del video; no habia ningun otro que se apegara más a la canción.

Redemption Song

2011-03-03T17:35:00.000-08:00

En el año 1937 una personalidad jamaiquina de nombre Marcus Garvey pronunció un apasionado discurso en contra del racismo en Nueva Escocia, Canadá.
A pesar de no ser un personaje mundialmente conocido, y que su discurso prácticamente se haya perdido con el paso del tiempo; el mensaje principal de éste vive en dos frases que perdurarán indefinidamente:

“Emancipate yourself from mental slavery… None but ourselves can free our minds” o “Emancípate de la esclavitud mental… Nadie sino nosotros mismos puede liberar nuestras mentes”.

Estas frases fueron tomadas por el altamente conocido Bob Marley, quien las inmortalizó, en el año 1980, con su tema “Redemption Song”.

Musicalmente este tema no presenta ninguna de las características de la música habitualmente tocada por Marley. Todos los elementos de la música “Reggae” quedan apartados y son, únicamente, una guitarra y la voz de Marley los elementos que constituyen una de las baladas más conocidas en la historia musical.

Líricamente la canción presenta mucha más profundidad. Se podría decir que varios elementos se suman y crean este excelente tema. Podríamos comenzar con el elemento musical, que nos llevara poco a poco sobre los otros elementos hasta que eventualmente los tendremos todos a la vista.

Por éste elemento tenemos la principal rama musical a la que se apega el cantante Bob Marley: el “Reggae”. Este género musical presenta, originalmente, además de melodías simpáticas y agradables, letras con mensajes de amor, paz y libertad. La razón de esto es que la cuna del “Reggae” es la religión Rastafari.

El movimiento Rastafari tiene entre sus doctrinas principales el “afrocentrismo”, el cual reconoce a África como la cuna de la vida y a Haile Selassie I de Etiopía (emperador de dicho país desde 1930 a 1974) como el segundo Mesías, o Dios reencarnado. Además de eso, lógicamente, esta religión esta en contra de la esclavitud y a favor de la unión de todas las razas bajo un manto de paz y libertad.
Por estas razones el tema de la esclavitud y la libertad es de suma importancia para todos los Rastafari (o Rastas) y por ende, para la mayoría de los jamaiquinos.

Al escuchar la letra del tema podemos entender que comienza como una historia de una persona que fue atrapada por unos mercaderes de esclavos. Sin embargo esta persona fue fortalecida por Dios quien le ayuda a encontrar la libertad.

Además de la historia, la letra nos insta a que nos unamos todos bajo el canto de la canción de libertad y que llevemos a cabo lo que dice El Libro. Estos mensajes denotan el peso idealista y religioso que, no encontramos únicamente en este tema, sino en la gran mayoría de las canciones de Bob Marley.

El tema “Redemption Song” fue reconocido por la revista “Rolling Stone” como el número 66 de las 500 mejores canciones de la historia. Además, el tema original de Bob Marley ha sido versionado más de 20 veces por artistas entre los que se incluyen Chriss Cornell, Sinead O’Connor y Rihanna.

Quizás no sea lo que esperamos escuchar cuando se nos dice que escucharemos una canción de Bob Marley. Sin embargo su mensaje, su simple melodía y el sentimiento que le imprime el cantante la han convertido en una de sus canciones más famosas.

Tema: Redeption Song
Artista: Bob Marley and The Wailers
Album: Uprising
Género: Balada/Folk/Reggae
Año: 1980

When Your Heart Stops Beating

2010-09-21T19:02:00.000-07:00

En el pasado, figuró en este blog una entrada que consistía en un conteo de las 15 mejores bandas que incluyen miembros de alguna banda ya existente. En este conteo de bandas “spinoffs” (http://dntstoptmusic.blogspot.com/2010/02/top-15-spinoffs.html) figuraba la agrupación “+44”, creada por Mark Hoppus y Travis Barker, miembros de la conocida banda “Blink-182”

De esta banda extraemos el tema “When Your Heart Stops Beating”, que, como es de esperar, muestra características similares, o mejor dicho, prácticamente exactas a lo que es la música de “Blink-182”. Sin dejar de añadir, no obstante, un acercamiento diferente al género que engloba a ambas bandas.

Para explicarme mejor entraremos en lo que es la descripción musical de este tema. La diferencia más obvia, aunque de mucha importancia, entre las dos bandas; es que “+44” utiliza dos guitarras mientras que “Blink” utilizaba solo una. Esto genera un ambiente musical mas lleno en la nueva banda, aprovechando ambas guitarras para jugar con la armonía en un mismo acorde o para mezclar acordes y punteos.

Tanto Mark (bajo) como Travis (batería) mantienen una forma de uso básica en sus instrumentos (aunque en esta canción la batería se luce con repiqueteos en los platillos). Esto no los diferencia mucho de sus papeles en su antigua agrupación.

Sin embargo, a pesar de todas las similitudes que puedan mostrar ambas bandas, “+44” muestra un tempo y una dinámica diferente a todo lo que fue “Blink-182”. Es más fluido y menos marcado el “Punk Rock” de los principios de “Blink”, y es más movido y alegre que el “Rock Melancólico” de su último álbum.

Igualmente, es prácticamente imposible hacer la asociación de ambas bandas debido a la reconocible voz de Mark Hoppus, cantante principal de “+44” igualmente que de “Blink-182” (cargo que compartía con Tom Delonge)

Entrando en lo que se refiere a la letra de la canción, ésta no es, realmente, muy profunda o complicada. Es una simple canción de amor, en la cual Mark profesa amor por una persona, alegando que no importa lo que piensen los demás y que estará junto a ella hasta que mueran.

De todas maneras la canción contiene algunas frases bastante sentimentales (recordando siempre que estamos hablando de una canción de “Rock”) y algunas bastante interesantes. De hecho, como dato curioso, el nombre de la canción “When Your Heart Stops Beating” es también el nombre del álbum; y en el arte del mismo la frase aparece escrita de esta manera: ill be there when your heART stops beating…

Este tema es simple y agradable de escuchar, sin embargo al hacerlo no dejara a nadie arrepentido.

Tema: When Your Heart Stops Beating
Artista: +44
Album: When Your Heart Stops Beating
Género: Punk Rock progresivo
Año: 2006

Amos Moses

2010-07-24T17:51:00.000-07:00

Miles de canciones se han escrito para elogiar y esparcir la historia de miles de hombres. Sean reales o ficticios muchos nombres se han dado a conocer y deben su fama a canciones interpretadas por grandes del mundo de la música. Uno de estos nombres, quizás no tan conocido en el presente, (pero sí que lo fue en los años 70) es el de Amos Moses.

Jerry Reed, conocido actor y compositor de música “Country”, da a conocer en el año 1970 a un peculiar personaje que lleva por nombre Amos Moses. Este jocoso y curioso hombre da vida a la canción homónima, que dio a conocer un lado diferente al ya conocido de este popular género musical.

Me cuesta decidir si este tema me es más interesante musical o líricamente. Ambas partes se unen y crean una canción excepcional que, a pesar de no ser la música country realmente de mi agrado, me parece excelente.

Antes de “Amos Moses” Jerry Reed se había caracterizado por temas jocosos y cuya letra estaba cargada de historias alegres y cómicas. Este tema viene a ser una de estas canciones que es recordada por muchas personas por su ingeniosa lírica.

“Amos Moses” habla sobre un personaje que vive en los pantanos de Louisiana, y caza cocodrilos con un mazo para sobrevivir. La caza y venta de piel de cocodrilos es ilegal en el estado de Louisiana, sin embargo, los policías que se adentran en el pantano para buscar a Amos, nunca regresan. La manera de ser de este personaje, se debe a su padre, quien usaba al pequeño Amos como carnada para cazar cocodrilos.

Realmente se puede ver que la canción cuenta con una lírica realmente ingeniosa y divertida sin embargo habría que leerse entera para disfrutarse. Por esta razón añado el link donde se puede leer la letra completa: http://www.lyrics-top.com/51956-11087/Amos-Moses/Jerry-Reed.html

Musicalmente la canción es una real joya. Originalmente se cataloga como música “country”. Pero en realidad es una mezcla de géneros que incluye “Rock”, “Cajun” y “Funk”. Lo realmente asombroso de esta canción es que logra tan singular mezcla de géneros utilizando únicamente una guitarra (que cuenta como el instrumento primordial), una batería y un bajo. Y es el ritmo y la vibra que Reed le da a la guitarra lo que logra este explosivo “crossover hit”.

Este grandioso tema, parte del álbum “Georgia Sunshine” y ha aparecido en películas y en juegos como "Grand Theft Auto", fue aclamado por el público durante la primera mitad de la década de los 70. Y hoy día merece ser recordado.

Tema: Amos Moses
Artista: Jerry Reed
Album: Georgia Sunshine
Génro: Country
Año: 1970

PD: por problemas tecnicos no hay video en este post.

I Don't Feel Like Dancing

2010-05-18T18:55:00.000-07:00

En contraste con la canción protagonista del último post, el tema que se presenta a continuación no habla sobre el baile y sobre lo indispensable que es bailar; en cambio trata sobre una persona a la que no le apetece bailar en absoluto.

En el año 2004 la agrupación americana “Scissor Sister” libera al mercado su primer álbum de estudio, y con este su primer single y gran éxito a nivel mundial: “I Don’t Feel Like Dancing”

Al escuchar esta canción podríamos confundirnos y sentirnos transportados a los años setenta y principio de los ochenta, cuando los sintetizadores y la voz en falsetto eran novedad y moda en la música. Sin embargo Scissor Sister y más específico aún, el tema en cuestión no cuenta ni con 10 años de su creación.

El uso del teclado como instrumento principal durante todo el tema, y la utilización de efectos de sintetizador sobre la guitarra y el bajo, son las cualidades de esta canción que dan el efecto de pertenecer a otra época. De hecho estas características son algunas de las que delimitan la música “Disco”.

Otro aporte verdaderamente importante en esta canción y, me atrevería a decir, el instrumento más importante de la misma, es la voz de Jake Shears. Ésta durante toda la canción se mantiene en falsetto, muy parecido a lo que hacían los “B Gs” y Leo Sayer en los años 70.

La vocalización de Shears mantiene la canción unida y envuelve el resto de los instrumentos. Fantásticamente ejecutada es, la voz, el instrumento que da forma a la canción.

La letra del tema juega con una indecisión que tiene el personaje de la canción sobre bailar o no bailar. Disputa que finalmente gana el “no bailar”.
Lo hace dudar el hecho que esta con una mujer. Su corazón desea bailar con ella, sin embargo sus pies opinan de manera distinta. Finalmente el personaje decide que es preferible quedarse con su compañera, en la cama hasta el amanecer en vez de bailar.

El tema “I Don’t Feel Like Dancing” estuvo posicionado de número uno en las listas de Australia, Austria, Argentina, Bélgica, Estonia, Alemania, Noruega, Suiza, Suecia e Inglaterra. En Estados Unidos, Eslovaquia, Irlanda, Finlandia y Holanda; el tema figuro en la segunda posición.

“I Don’t Feel Like Dancing” es un tema interesante, divertido y original. Excelente ejemplo de la canción que, después de escucharla, se mantendrá en tu cabeza por un buen tiempo.

Tema: I Don't Feel Like Dancing
Artista: Scissor Sisters
Album: Scissor Sisters
Género: Disco
Año: 2004

PD: la versión del Playlist es la versión de estudio con el video oficial. El video en el post es una versión en vivo excelente.

Safety Dance

2010-04-18T17:50:00.000-07:00

En los años 60, debido a la guerra de Vietnam, ocurrió un auge en las canciones de protesta. Y aunque esa fue la época dorada de ese tipo de temas, hasta nuestros días esa ha sido una temática bastante utilizada al momento de escribir canciones.

En los años 80 el grupo canadiense “Men Without Hats” da a conocer su éxito más grande, que resulta ser una canción de protesta. Ésta lleva por título “Safety Dance”.
Al ver el nombre del tema podríamos pensar que tiene algo que ver con la seguridad de una nación o de las personas. Sin embargo el mismo Ivan Doroschuk (cantante de la agrupación y compositor de la canción) desmiente dos mitos sobre este éxito: “…no se trata de una canción que llama al sexo seguro, ni es una canción contra la guerra…”

Y es que esta canción de protesta, se queja sobre un tópico mucho más superficial: El baile.

Para entender la queja veamos un poco de historia: Este tema fue creado en el año 83. Para este momento la música líder de los 70, Disco, todavía tenía una gran influencia, y los locales nocturnos se especializaban más que todo en este tipo de música. Sin embargo, entrando ya en la nueva década, comienzan a entrar las nuevas influencias musicales que se explotarán más adentrados los 80. Una de estas influencias era una nueva forma de baile, conocida como “Poggoing”. A diferencia del Disco de los 70, esta modalidad no se bailaba en pareja, si no que, en cambio, se bailaba individualmente saltando y moviendo los brazos y el cuerpo violentamente.
Por ser tan violento este baile, muchos locales nocturnos la prohibían, y si alguien comenzaba a bailar de esta manera, era expulsado del recinto.

“Safety Dance” simplemente se queja de este hecho. Se puede escuchar en la primera frase de la canción, cuando Doroschuk dice “We can dance if we want to” o “Podemos bailar si queremos.”

La letra de la canción es básicamente el cantante diciendo que si les da la gana, pueden hacer lo que les de la gana. El tema principal, por su puesto, es el baile. El cantante asegura que se puede ir a donde se quiera, actuar de la manera en que se quiera actuar y bailar lo que uno quiera. Mientras se baila, todo es perfecto, todo se sale de control (en una manera positiva) y todos son felices.

Musicalmente el tema es increíblemente alegre y movido. Esto es de esperar ya que quieren dar a entender que la música es algo divertido y mucho más aun lo es el baile.
De inmediato se pueden notar las características de la música de los 80: teclados, varios efectos en el mismo y melodías no comunes. Los instrumentos que mandan en la canción son el teclado, que aunque a veces bajo algún efecto, suene como un clavicordio o un órgano siga siendo el mismo; la guitarra, que acompaña al teclado con la misma melodía y la voz del cantante. Ésta última es bastante peculiar, ya que (en mi opinión) revela bastante la década de la canción por su timbre. Me explico, muchas canciones de los ochenta en la que la voz principal es un hombre, su timbre de voz es así de bajo y fuerte.

Esta canción ha sido tomada para una variada cantidad de remixes, muchos de los cuales son conocidos aun más que la versión original. Además de esto, su fama, título y ritmo pegajoso, la han hecho participe de varias parodias y/o apariciones en series de televisión como por ejemplo “Scrubs”, “The Simpsons” y “Family Guy”.
Esta es una excelente canción que realmente vale la pena escuchar, y es casi seguro que, luego de escucharla la primera vez, será escuchada de nuevo.

Tema: Safety Dance
Artista: Men Without Hats
Album: Rythm Of Youth
Género: New Wave
Año: 1983

PD: A pesar que se vea el video en el Playlist de la lista, vale la pena verlo en grande. Se cree que esta altamente influenciado por la droga LSD y... en verdad es realmente loco.

Keep Fishing

2010-04-11T19:17:00.000-07:00

En el año 2002 la banda americana “Weezer” libera al mercado su cuarto álbum de estudio titulado “Maladroit”.

El segundo single de este álbum, y canción principal de este post, lleva por nombre “Keep Fishing”.

Musicalmente “Keep Fishing” sigue el mismo esquema que la mayoría de las canciones de “Weezer”. Estas son bastante melodiosas, mostrándolas como canciones alegres. Además de eso su composición melodiosa le da a “Keep Fishing” (igual que algunas otras canciones de la agrupación) un aire de pertenecer a otra década.

Lo primero que escuchamos de la canción es la batería de Pat Wilson. Al escucharla y reconocer el tempo y ritmo de la misma, inmediatamente se puede notar el tono jovial existente en el tema. Este instrumento seguirá marcando el tempo durante toda la canción, manteniendo la alegría y el esqueleto sobre el que tocaran el resto de los instrumentos.

La guitarra y el bajo se añaden al tema siguiendo la estructura marcada por la batería, haciendo sonar los acordes en el momento de los golpes fuertes de los tambores.
Un dato curioso sobre la guitarra es que esta, a pesar de mantenerse en el ritmo y la melodía alegre de la canción, tiene un leve nivel de distorsión, haciendo que suene sucia y rasgada. Esta mezcla crea un efecto interesante que hace que la canción no sea un completo tema de dibujos animados.

Con respecto al bajo, este efectúa un papel similar al de la batería: mantiene el tempo de la canción ajustándose a la jovialidad del tema.

La voz de Rivers Cuomo se apega a la perfección a este tipo de música, ya que es alta y melodiosa. Además, el hecho de que frases de la canción sean repetidas por el resto de la banda en forma de coro, añade al efecto de jovialidad y diversión del tema.

Aunque los instrumentos se mantienen prácticamente en similitud de tempo y volumen durante toda la canción, en el momento del coro, estos ligeramente, explotan. Y en el sub-coro (“Oh girl when im in love with you…) estos se vuelven más melodiosos y ligeros.

Con respecto a la lírica de la canción, en mi opinión se podría dividir en dos secciones, casi como si fuesen la letra de dos canciones diferentes.

Por un lado tenemos la letra de las estrofas y de las primeras frases del coro. Estas hablan sobre lo importante que es avanzar en la vida si uno quiere ser independiente y útil. Es como una especie de consejo que Cuomo da a la persona que le canta.

Por otro lado durante los coros y sub-coro Cuomo le habla a una enamorada, diciéndole que no puede soportar pensar que ella este con otra persona y perdiendo su tiempo.

Si juntamos estos dos sub-temas, podríamos inferir que esta mujer dejo al cantante por otra persona, y este le recomienda que, nuevamente siga adelante con su vida.

Es una canción animada, se disfruta escuchándola. Y a pesar que la canción suene de fondo, vean el video, cuenta con la participación de “The Muppets” y es realmente cómico.

Tema: Keep Fishing
Artista: Weezer
Album: Maladroit
Género: Rock
Año: 2002

PD: La versión, tanto del video como la del playlist, es diferente a la versión del CD... Por lo tanto puede haber algunas diferencias entre el tema y la descripción.

The Feel Good Drag

2010-03-24T18:53:00.000-07:00

Como hemos visto anteriormente, muchas canciones (incluso se podría decir que la mayoría de las canciones comerciales) tratan o tocan el tema del amor. Ya sea un amor imposible, un amor real, un deseo o una declaración.

Sin embargo no son tantas las canciones que tratan sobre las aventuras, o los romances que algún miembro de la pareja pueda tener con alguna otra persona; y este es el tema principal de la canción “The Feel Good Drag”, autoría de la banda americana “Anberlin”.

Originalmente este tema aparece como parte del repertorio del segundo álbum de estudio de la agrupación, titulado “Never Take Friendship Personal”. Sin embargo el tema fue más trabajado y se convirtió, en el año 2008, en el tema principal del cuarto trabajo de estudio de la banda que lleva por nombre “New Surrender”.

Como se dijo anteriormente este tema trata sobre una “aventura”. Un romance o amorío que ocurre entre un hombre y una mujer, mientras ella esta en una relación con otra persona. Por lo que dice la canción se da a entender que estos dos personajes ya se conocían y habían compartido, en algún momento del pasado, una relación amorosa.

No obstante, a pesar de conocerse desde antes, el cantante retrata a la relación como una llena de mentiras, locura y sobre todo, lujuria. Tanto así que éste llega a catalogar a su pareja como el mayor error que le ha ocurrido.

Siendo su relación una basada totalmente en la lujuria y siendo esta totalmente de atracción física, además del hecho de que es un romance y técnicamente no puede seguir adelante, se cuestiona la existencia de la misma preguntando, constantemente, si todo el hecho hubo terminado incluso antes de haber comenzado.

Al parecer, a pesar de formar parte del amorío, el personaje masculino (cantante) no se encuentra muy contento con éste, confesando que no era la chica lo que le atraía, si no el “pecado” de formar parte de una relación prohibida.

Como es de esperar, musicalmente la canción es fuerte y violenta. Lo primero que se escucha es un punteo de guitarra distorsionado al que se le añaden después de poco tiempo el resto de los instrumentos de manera súbita y estrepitosa. Durante las estrofas los instrumentos mantienen un volumen relativamente bajo, principalmente un punteo de guitarra con el bajo y la batería como acompañante. Sin embargo al momento del coro los instrumentos, explosivamente, suben el volumen dando la sensación de un momento de molestia o ira.

La voz del cantante funciona de manera similar al resto de los instrumentos: se mantiene baja y calmada durante las estrofas y durante el coro sube de timbre y de volumen, añadiendo cuerpo a este momento que expresa el significado de la canción.

“Anberlin” es un grupo joven, solo 7 años de historia, y sin embargo con gran manejo musical y muy buenas canciones, siendo “The Feel Good Drag” un perfecto ejemplo.

Tema: The Feel Good Drag
Artista: Anberlin
Album: New Surrender
Género: Rock Pop
Año: 2008

Top 15 "Spinoffs"

2010-02-28T21:10:00.000-08:00

En el mundo de la televisión ocurre un fenómeno que consiste en el nacimiento de una nueva serie, derivada de una serie de éxito que ya ha llegado a su fin. Esta nueva serie es conocida como “Spinoff” (en español serie salpicadura). Algunas de estas series tienen gran fama (como el caso de “Frasier”, spinoff de la famosa “Cheers”) sin embargo muchas no logran superar sus primeros años (como el caso de “Joey”, spinoff de la excelente serie “Friends”).

En el mundo de la música ocurre algo bastante parecido a los spinoffs en la televisión.
Muchas veces después que una banda se separa, alguno de sus miembros forma o construye una nueva. O incluso sin que la banda necesariamente se desmantele alguno de sus miembros puede crear uno de los llamados “proyectos” o bandas experimentales. En el siguiente post trataremos todos estos casos como “spinoffs musicales” y contaremos los 15 mejores que existen o han existido en el mundo de la música.

Sin más que añadir el quinto “Top 15” de “Dont Stop The Music”

Top 15 “Spinoffs”

#15 The Raconteurs.
Este grupo de música, tambien conocido como “The Saboteurs” es de la creación del guitarrista y cantante de la banda americana “The White Stripes” Jack White.
Es relativamente nueva, del año 2006. A pesar de tener ya dos álbumes en el mercado, su banda madre “The White Stripes” sigue siendo más conocida.

#14 Them Crooked Vultures.
La primera “super-banda” del conteo, “Them Crooked Vultures” es una banda formada por tres monstruos del mundo de la música: John Paul Jones (Led Zeppelin), Dave Grohl (Nirvana & The Foo Fighters) y Josh Homme (Queens Of The Stone Age).
Solo tienen un álbum en el mercado lanzado el año pasado. Pero esta excelente mezcla de músicos y estilos es realmente excepcional.

#13 Scars On Broadway.
El ex guitarrista y ex baterista de la banda de “Rock” “System Of a Down”, Daron Malakian y John Dolmayan, formaron en el año 2007 la banda de rock pesado “Scars On Brodway”. Tienen un álbum en el mercado, pero a pesar de esto, su banda madre “System Of A Down” es mucho más conocida y me atrevería a decir, mucho mejor.

#12 Boxcar Racer.
En el año 2001 surge de mano de Tom Delonge y Travis Barker la banda “Boxcar Racer”, primer spinoff de la afamada “Blink 182”. Este proyecto duro poco tiempo en el mundo de la música, a pesar de haber logrado unas cuantas canciones exitosas.

#11 Audioslave.
Chris Cornell, ex vocalista de “Soundgarden” y la sección Instrumental de “Rage Against The Machine” formo en el año 2001 lo que podría ser considerada una de las primeras “super-banda”: “Audioslave”. Varios álbumes en el mercado, premios “Grammy” y un sinnúmero de conciertos caracterizan a esta banda.

#10 Dead By Sunrise.
“Dead By Sunrise” es el nombre del proyecto que lleva a cabo el vocalista de la famosa banda “Linkin Park” Chester Bennington. Fue creada en el año 2005, cuenta con un solo álbum de estudio y todavía no son tan conocidos, en especial como su banda madre.

#9 Chickenfoot.
La última “super-banda” de este conteo es “Chickenfoot”, la banda de “Hard Rock” integrada por: Sammy Hagar y Michael Anthony (Van Halen), el guitarrista Joe Satriani y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers). Cuenta con un solo álbum en el mercado, pero su fama fue inmediata y su música digna de escuchar.

#8 +44.
La última banda derivada de la ruptura de la excelente agrupación “Blink 182” lleva por nombre “+44”. Esta integrada por ex bajista y ex baterista de “Blink” Mark Hoppus y Travis Barker. Esta entre “Boxcar Racer” y “Angels & Airwaves” debido a su fama: es más famosa que la primera y menos que la última.

#7 Angels & Airwaves.
Tom Delonge, después de la ruptura de “Blink 182” creo la bastante conocida agrupación “Angels &Airwaves”. Esta es posiblemente la más conocida de todos los Spinoffs de la afamada “Blink 182”.

#6 Velvet Revolver.
Los ex miembros de la banda “Guns And Roses” Slash, Duff McKagan y Matt Sorum crean esta banda en el año 2002. Logran tener mucha fama debido a lo famoso que fue en su banda madre el guitarrista “Slash”. A pesar que no llegue a niveles de su banda madre, “Velvet revolver” es realmente una de las mejores de este conteo.

#5 Gorillaz.
El cantante de esta banda animada, 2-D, es en realidad Damon Albarn, Cantante de la agrupación de carne y hueso “Blur”. A pesar de tener menos trayectoria y menos trabajos de estudio, la banda “Gorillaz” es más conocida y famosa que su banda madre.

#4 Pearl Jam.
El guitarrista de esta banda, Stone Gossard, al igual que Jeff Ament (bajista) pertenecían previamente a la banda “Mother Love Bone”. Y desde su creación en los 80, esta banda ha hecho olvidar a la banda madre, y se ha convertido en una de las bandas más afamadas y conocidas de la movida musical actual.

#3 Cream.
Una de las mejores bandas de “Rock” de todos los tiempos, la banda “Cream” estuvo creada por un ex integrante de la banda “The Yardbirds” llamado Eric Clapton. Esta banda es conocida como una de las más grandes de todos los tiempos, sin embargo con el pasar de los años ha sido, lamentablemente, olvidada.

#2 The Foo Fighters.
Pocos saben que Dave Grohl, cantante de “The Foo Fighters”, fue en su momento, baterista de la mundialmente conocida banda “Nirvana”. El éxito cosechado por Grohl en “The Foo Fighters” no se aleja para nada del creado originalmente por su banda madre, convirtiéndola en uno de los spinoffs más exitosos del mundo de la música.

#1 Led Zeppelin.
Igual que la banda “The Yardbirds” dio vida a la gran banda “Cream”, también dio vida a una de las bandas más conocidas, famosas, premiadas y alabadas de todos los tiempos: “Led Zeppelin”
Esta banda de “rock”, “blues” y “country” cuenta con la participación del grandísimo Jimmy Page, quien perteneció, como se dijo anteriormente a la banda “The Yardbirds”.
Con más de 10 álbumes de estudio, “Led Zep” fue galardonada con un premio de logro de vida. Similar al recibido por Michael Jackson. “Led Zeppelin” es la razón por la que muchas personas no conocen a “The Yardbirds” y a diferencia de “Cream” esta banda no ha sido y no será olvidada en mucho tiempo.

The Best Is Yet To Come

2010-02-08T18:33:00.000-08:00

La canción que figura en este post forma parte del repertorio de uno de los artistas más grandes en la historia de los Estados Unidos. Icono de la ciudad de New York y sinónimo de estilo y clase, este barítono nos brindó canciones que hoy día son catalogadas de clásicos. Quizá no nos suenen sus sobrenombres “Ol’ Blue Eyes” o “The Voice”, pero definitivamente todos conocemos el nombre de “Frank Sinatra”.

En el año 1964, con la colaboración de “Count Basie”, Sinatra saco al mercado su álbum titulado “It Might As Well Be Swing”. En éste figuran algunas de las canciones más conocidas de este cantante, incluyendo la protagonista de este post: “The Best Is Yet To Come”.

Este tema fue escrito por Carolyn Leigh (escritora de teatro), compuesto por Cy Coleman (compositor de Brodway), dirigido por Quincy Jones (productor de temas como “Thriller” de Michael Jackson”) e interpretado por los famosos Frank Sinatra y Count Basie. Con un elenco como tal la canción estuvo destinada a ser un éxito desde el inicio.

“The Best Is Yet To Come” pertenece al género Jazz. Se puede notar que el tipo de instrumentos que predominan en el tema son principalmente de viento. Las trompetas llevan la melodía mientras que unos suaves golpes de batería marcan el tiempo.
Sin embargo, como en todas sus canciones, es la grave voz de Sinatra la que se hace notar y sentir.

En este tema en específico la voz del cantante no es tan melodiosa. Pareciera, en cambio, que estuviese hablando con ritmo y variaciones de tono sobre los instrumentos. Este estilo de cantar, mezclado con las explosiones causadas por los instrumentos, hacen de “The Best Is Yet To Come” un tema cargado de expectativa y variación en su volumen e intensidad.

Con respecto a la letra, como la mayoría de las canciones que interpretó Sinatra, esta trata sobre una mujer. Frank le explica a una mujer como lo mejor está por venir, cuando ella esté con él. Le explica que a pesar de que ella ha visto mucho, y piensa conocer sobre muchas cosas, no es nada comparado con lo que verá y conocerá cuando se junte con él.

Sinatra asegura que la mujer a la que le canta va a terminar estando con el, y mediante está canción le promete, simplemente, que lo mejor está por venir.

Este tema fue uno de los favoritos de Sinatra, tanto así, que las palabras “The best Is Yet To Come” se encuentran grabadas en la lapida que marca su lugar de descanso.

Simplemente fantástica “The best is Yet To Come” es un clásico que merece ser escuchado, y de esta manera enterarnos por qué fue uno de los favoritos del artista conocido como, simplemente, “The Voice”.

Tema: The Best Is Yet To Come
Artista: Frank Sinatra
Album: It Might As Well Be Swing
Género: Jazz
Año: 1964

Birds on a wire

2010-01-28T18:48:00.000-08:00

Soy, y estoy seguro que muchos de los que lean esto también lo son, de esas personas que piensan, o mejor dicho, temen pensar o imaginar qué sería de un mundo sin música.

Hay que estar conscientes de que en todo momento, la música nos acompaña, sea en la radio, en la televisión o en alguna canción que tengamos pegada en nuestra mente.

La música, lo es todo. Sin embargo, a pesar de estar al tanto de esto, y de saber que la música nos rodea en nuestro día a día, pocas personas son capaces de encontrar o ver música en los lugares más recónditos o impensables.
Jarbas Agnelli es un brasilero cuya vida gira alrededor del arte. Es director de cine y fotógrafo, y no estaría en este blog si no fuese también músico. Agnelli es el ejemplo perfecto para demostrar que la música nos rodea en todo momento, y que con un poco de imaginación, creatividad y visión musical, se puede encontrar melodías excelentes en los lugares más inesperados.

Luego de ver una foto en el periódico, Agnelli notó un patrón en un número de pájaros posando sobre unos cables eléctricos. Los cables fueron transformados en un pentagrama, y los pájaros en notas musicales. El resultado final: una canción inspirada en una melodía que, podríamos decir, no fue creada por el hombre.

No puedo decir más nada que lo que ya dije, entonces les dejo con el video.

PD: Los primeros minutos del video, están en portugués aunque después de leer lo anterior no hay mucho más que escuchar.
PD2: Si no han apagado el playlist del blog… apaguenlo…

Bennie and the jets

2009-12-20T20:37:00.000-08:00

Muchas bandas, debido a sus años de trayectoria o calidad de canciones (o ambas), han llegado a concentrar una gran cantidad de fans creando los conocidos “fanclubs” o incluso llegando a inspirar a otros artistas para componer canciones sobre ellos.

En el año 1973, Sir Elton John Saca al mercado su séptimo álbum de estudio que lleva por nombre “Goodbye Yellow Brick Road”, y en este une sus talentos con el escritor Bernie Taupin para componer una canción sobre una banda de los años 70 que lleva por nombre “Bennie And The Jets”.

Es realmente admirable y sorprendente que un cantante de la talla de Elton John, incluso en sus primeros años, haya compuesto una canción que es realmente un tributo a otra agrupación musical. Para todos aquellos lectores que hayan sentido ese asombro al enterarse de este hecho, les digo que la canción es realmente una sátira sobre la industria musical de los años 70, y que el hecho que se haya escogido a la banda “Bennie And The Jets” es totalmente indiferente, ya que esta banda es creación de Taupin y John.

En este tema, John habla sobre la mejor banda del momento, y en su canción el es uno de sus fans. John llama a la gente para que vaya a escuchar los conciertos y vaya a ver a la banda, se podría decir que le esta haciendo publicidad a la banda. Sin embargo, más a fondo se puede entender el verdadero sentido de la canción y la burla que se hace hacia la música de los años 70.

Prácticamente Taupin y John critican el hecho que la música se ha convertido en algo superficial y que todo lo que importa es el dinero. Que lo que realmente importa en una banda es como lucen y la cantidad de fanáticos que obtienen, y no realmente la música que producen.

Estrofas como: “We'll kill the fatted calf tonight, so stick around, you're gonna hear electric music, solid walls of sound.” (Esta noche mataremos al ternero gordo, así que quédense, escucharas música electrónica, sólidas paredes de sonido) muestran la importancia que le dan al dinero y al show y el desprecio que muestran por la música electrónica “moderna” al denominarla como una pared sólida.

También está la clara burla a Bennie (la cantante del grupo ficticio) y al hecho que importa más como se luce y la publicidad, que como se canta: “She's got electric boots, a mohair suit you know I read it in a magazine Ohh...” (Tiene botas eléctricas y un traje de pelo de cabra, saben, lo leí en una revista…)

Con respecto a la música, este tema es bastante sobrio, cuenta simplemente con un piano, tocado por Elton John, que realmente lleva toda la melodía de la canción, una batería que marca el tempo y la voz del cantante. Esto, obviamente es ideal, ya que en una canción que se burla de la “música eléctrica moderna” el piano (un instrumento clásico y estilizado) encaja a la perfección.

Una de las características más reconocidas de la canción, además de la cadencia en el piano, es la manera en que John dice el nombre de la banda. (B-B-B-Bennie And The Jets)

El álbum “Goodbye Yellow Brick Road” llegó al puesto número uno, en el año 1973, en el “UK Album Chart”, “Billboard Pop Album” y el “Australian Kent Music Report Album Chart”. Mientras que la canción “Bennie And The Jets” llego al puesto número uno en el “Billboard Hot 100”.

Además esta canción aparece en varias películas, como “27 Dresses”, “Running With Scissors” y “Sliding Doors” y en series como “The Ofice”, “The Simpsons” y “Futurama”.

“Bennie And The Jets” es una denominadas “clásicas” de Sir Elton John, y en la opinión de varios, una de las mejores. Realmente merece ser escuchada.

Tema: Bennie And The Jets
Artista: Elton John
Album: Goodbye Yellow Brick Road
Género: Soft Rock
Año: 1973

Banana boat song (Day-O)

2009-12-03T17:38:00.000-08:00

Cada lugar del mundo tiene un tipo de música que los caracteriza. Música que concentra la tradición, estilo de vida, e historia de algún lugar especifico. Este tipo de música es el que conocemos con el nombre de música folklorica.

La mezcla de influencias africanas, con las características indígenas y algunos rasgos de los colonizadores, crearon una rica mezcla en la zona caribeña. De las islas de esta zona, se puede extraer el estilo musical denominado “Calypso”; y de una isla en específico: Jamaica, se extrae el tema “Banana Boat Song”.

Como la mayoría de las canciones folkloricas, no se conoce el autor original de la misma. Sin embargo se toma la versión de uno de los intérpretes, sea el primero que la elaboro o sea la versión más famosa, y se le atribuye a este interprete la autoría de la canción. En el caso de “Banana Boat Song” este intérprete es el actor/cantante Harry Belafonte.

En el año 1956 Belafonte da a conocer un álbum de vinilo que lleva por título “Calypso” y que contiene la canción “Banana Boat Song” (también conocida como “Day-O”). Esta canción cuenta con todas las características de la música afrocaribeña. Las influencias africanas traen los tambores y todos los instrumentos de percusión. De hecho en la canción los únicos instrumentos que aparecen son la voz del cantante y varios instrumentos de percusión.

El ritmo de la canción es pausado, lento. Esto tiene una explicación. Esta canción fue ideada por trabajadores que se encargaban de embarcar mercancía en barcos encargados de transportar bananas. Los trabajadores cantaban diferentes canciones para marcar un ritmo y tiempo sobre el cual trabajar. Ya que su trabajo consistía en manejar cargas pesadas, necesitaban un tempo lento.

Una vez conocido el origen de este tema, es mucho más simple entender y comprender la letra de la misma. Por la misma razón que es una canción para cantar mientras se trabaja, consta de estribillos repetitivos, fáciles de recordar y que ayuden a marcar el tempo. Principalmente la canción narra la venida de un nuevo día, con el cual los obreros podrán dejar de trabajar e ir a casa. Por la misma razón que no se conoce su intérprete original, tampoco se conoce la letra original. Nadie puede asegurar en un 100% cual es la letra de la canción, probablemente se utilizaba un estribillo o coro común, y se improvisaban las diferentes estrofas. De esta manera no solo se marcaba el tiempo de trabajo, sino que también se entretenían los trabajadores.

En el tema de Belafonte, se escucha al supuesto trabajador cantar sobre como labora durante toda una noche con solo un trago de ron, o como se encuentra una tarántula entre las frutas, o como llama al “Tally-man” (capataz) para que cuente las bananas. Episodios que, imagino, eran comunes entre los trabajadores jamaiquinos metiendo mercancía en un barco.

El álbum “Calypso” de Belafonte estuvo 31 semanas consecutivas de número uno en la lista Billboard, mientras la canción “Banana Boat Song” llego al puesto 5 de las mismas listas.

Este tema ha sido utilizado en varias series como “Futurama” y “The Fresh Prince Of Bel-Air”, sin embargo se hizo realmente famosa por la película de Tim Burton del año 1988 titulada “Beetlejuice”. En esta película un par defantasmas poseen a un grupo de personas y les hacen cantar esta canción. (De hecho, el video que figura en el post es este extracto de la película, ya que realmente vale la pena verlo)

Tema: Banana Boat Song (Day-O)
Artista: Harry Belafonte
Album: Calypso
Género: Calypso
Año: 1956

Love like winter

2009-11-17T18:09:00.000-08:00

En el año 1991 se forma, en una pequeña ciudad de California, una banda que luego de 18 años de trayectoria, cuenta con una amplia discografía. Una banda que se pasea por el amplio género “Punk”, con canciones que van desde “Hardcore Punk” hasta “Horror Punk” hasta Rock alternativo. Una banda que lleva por nombre “A Fire Inside”, pero que sin embargo es conocida mundialmente como “A.F.I”.

Su séptimo trabajo de estudio, sale al mercado en el año 2006 y lleva por nombre “Decemberunderground”. De este álbum, se extrae el tema “Love Like Winter”.

La canción “Love Like Winter”, al igual que todas las canciones de esta agrupación, es oscura y sombría. Mezcla una harmonía con terminaciones bajas con la voz aguda y fría de Davey Havok, creando un ambiente de misterio. Este tema comienza con un sonido de pasos que rápidamente es sustituido por un efecto de guitarra que asemeja a un eco. La voz aguda de Havok entra, y luego de una estrofa cantada y un repique de batería entran en conjunto todos los instrumentos.

El cambio de estrofa a coro es violento, ya que de una estrofa relativamente calmada y tranquila, explota a un coro rudo y movido. En el coro, como en el resto de la canción, la guitarra es el instrumento que manda, una guitarra fuerte y excelentemente manejada por el guitarrista Jade Puget. Durante toda la canción este instrumento ejecuta una serie de punteos y solos en forma de corte, por ejemplo, en la mitad del coro, por unos segundos se escucha únicamente a la guitarra emitiendo un corte, ayudada por un sintetizador que provee un efecto de eco.

El bajo no es un instrumento notable en la canción, adoptando de esta manera una de las características del “Rock”, mientras que la batería es hábilmente maneada, emitiendo una serie de repiques y respaldando a la guitarra durante la mayor parte del tema.

“A.F.I” es a veces catalogada como una banda “emo”. Esto ocurre por la apariencia de sus integrantes (en especial el cantante Havok), por el estilo de música que ejecutan y por supuesto, por las letras de sus canciones. “Love Like Winter” habla sobre un amor. Sin embargo este amor ocurre en un lugar donde siempre es diciembre, siempre es invierno y por lo tanto, siempre hace frío.

La canción hace varías referencias a situaciones que suceden en temperaturas bajo cero y referencias a un amor que parece haber acabado y ahora solo puede ser recordado. Sin embargo se dice que la sangre puede devolver el calor, y mientras la pareja estaba junta, era la sangre lo que los mantenía calidos.

Claramente una letra sombría y triste, la cual es respaldada de manera eficiente por una música cien por ciento acorde con el tema.

Este tema apareció en los conteos “Billboard”, sin embargo su posición tope la consiguió en el “Chart” “Hot Modern Rock Tracks” en el que figuro de número cuatro. Además de esto, a partir del día de hoy (17/11/2009) esta canción podrá ser adquirida para el juego “Rock Band”.

A pesar de que “Love Like Winter” sea una canción oscura y melancólica, vale la pena escucharla, realmente es una buena ejecución de instrumentos para crear una gran pieza.

Tema: Love Like Winter
Artista: A Fire Inside (A.F.I)
Album: Decemberunderground
Género: Punk
Año: 2006

What you thought you need

2009-10-27T20:32:00.000-07:00

Muchas veces en las películas vemos historias que tratan sobre algún personaje, que luego de superar una tragedia, y de sobrepasar el mal tiempo que viene en consecuencia de la misma, encuentran refugio o mejoría en algún arte; y este le hace descubrir un lado desconocido de su vida y termina viviendo felizmente.

Personajes así no solo existen en las películas. El conocido músico Jack Johnson fue, por mucho tiempo, surfista profesional. Sin embargo a los 17 años de edad sufrió un accidente y después de este dejo de surfear profesionalmente para, eventualmente, convertirse en el músico que muchos conocemos hoy día.

Este accidente y su naturalidad hawaiana hicieron de Johnson una persona romántica y en contacto con el mundo, la naturaleza y el ambiente; De hecho, se considera a él mismo un “Tree hugger” (abraza árboles). Todas estas cualidades las podemos ver reflejadas en su música.

En el año 2008 lanza al mercado su cuarto álbum de estudio titulado “Sleep Through The Static” en el cual figura la canción “What You Thought You Need”.

Esta canción, como todas las de su autoría, presenta un ritmo y melodía suave y relajada, en el que los instrumentos involucrados son principalmente la guitarra y la batería. Este tema inicia únicamente con una guitarra, la cual es sustituida completamente por la batería, para luego dar paso a la unión de ambos instrumentos. Por ultimo tenemos la añadidura del bajo y de la voz del mismo Johnson. Esta voz influye mucho en el ambiente de la canción. Es una mezcla de ronco y suave que aporta un “feeling” de relax y tranquilidad.

Realmente se podría decir que es una canción musicalmente simple, pero la simplicidad y dulzura de su música tiene sentido cuando se le considera como acompañamiento de la letra.

La canción trata sobre una pareja, siendo Johnson un miembro de la misma. El cantante le dice a su pareja que el no le va a poder dar todo lo que ella quiera, pero sin embargo le va a poder dar lo que ella cree que necesite. Mediante ejemplos le dice que valore las cosas pequeñas y todos esos detalles que usualmente se pasan por alto. Le dice que incluso los errores los vea como oportunidades y los considere positivos. El mensaje final que le deja Johnson a su pareja es que todo lo que hagan y sea cual sea la manera en que lo hagan, todo es por el bien de llegar al mismo sitio juntos, es decir, todo lo que se haga esta bien, mientras lo puedan hacer juntos.

El álbum “Sleep Through The Static” tuvo un buen reconocimiento, adquiriendo disco de oro en Inglaterra y Japón, y disco de platino en Australia y Estados Unidos.

“What You Thought You Need” es una canción que se puede catalogar de simple, pero no necesariamente es este un adjetivo negativo, ya que en este caso se refiere a una canción hermosa y fácil de escuchar.

Tema: What You Thought You Need
Artista: Jack Johnson
Album: Sleep Through The Static
Género: Soft Rock
Año: 2008

Lemon Tree

2009-10-19T20:19:00.000-07:00

Muchas personas han escuchado el termino “One Hit Wonders” (maravillas de un hit), y los que no lo hayan hecho, seguramente conocen al menos un ejemplo. Este término se refiere a todas aquellas agrupaciones musicales que son conocidas únicamente por un gran éxito, y sus canciones posteriores no son realmente conocidas.

Un buen ejemplo de un “One hit wonder” es la agrupación alemana “Fool’s Garden” quienes en el año 1995 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, titulado “Dish Of The Day”, en el cual figura su más famoso tema que lleva por nombre “Lemon tree”.

Esta es una canción bastante interesante en el área musical, sin embargo comenzaremos hablando de su letra. El tema trata sobre una persona que esta sola, esta encerrada. Peter Freudenthaler (cantante de la banda) nos habla sobre un joven que se encuentra solo esperando por una persona. Este joven desea hacer muchas cosas, sin embargo lo único que logra hacer es quedarse en el mismo sitio y preguntarse. Se pregunta por qué y como después que la persona a la que espera le había prometido cielos azules, lo único que logra ver es un limonero amarillo.

Se podría decir que se juega con las metáforas, el cielo azul habla sobre la esperanza y todo lo bueno, mientras que el limonero representa la amargura. Existe una especie de mito urbano que cuenta la historia de una de las novias de Freudenthaler (aunque en algunas versiones se habla de una novia de Volker Hinkel, guitarrista) murió en un accidente automovilístico en el que su auto choco contra un limonero. De ser cierta esta historia, la canción tendría una razón de ser más obvia y comprensible.

Ahora sobre el aspecto musical. Después de entender la letra de la canción, y de saber que esta habla, principalmente, sobre emociones de alegría y de tristeza; se pueden extraer varias conexiones entre estos sentimientos y los instrumentos y melodías de la misma.

Al inicio de la canción lo único que se escucha es un teclado el cual marca la melodía principal del tema, la cual es bastante marcada y acentuada. Luego de un breve silencio y el sonido de un vidrio rompiéndose (de ser cierta la historia de la novia, podría ser una analogía) se unen al teclado el resto de los instrumentos, incluyendo la voz del cantante. Las estrofas de la canción muestran una melodía relativamente triste, en la cual se escuchan instrumentos de viento como el trombón y el clarinete. Estos dos instrumentos le añaden un extra de tristeza y melancolía a la canción. Durante el coro, sin embargo, a pesar de mantener el mismo tempo, la melodía cambia, y la canción se vuelve una más alegre.

Este juego de cambios de melodía entre estrofas y coro, va de la mano con el tema y la letra de la canción. Esto crea un buen balance mediante un buen manejo de los recursos disponibles.

Este tema figuró en el número uno en los siguientes países: Austria, Irlanda, Noruega, Suecia y por su puesto, Alemania. En el Billboard de los Estados Unidos, figuró en el número 13.

Una canción que parece tan simple, dio a conocer a esta banda alemana y quedó para siempre como su tema estrella. Un manejo excelente de combinación de letra y música, y un ritmo y una melodía altamente pegajosas, hacen de “Lemon Tree” una canción que cuesta mucho escucharla una sola vez.

Tema: Lemon tree
Artista: Fool's Garden
Album: Dish Of The Day
Género: Indie Pop
Año: 1995

Mad World

2009-10-10T20:31:00.000-07:00

En este blog se ha hablado de “covers”, se ha hablado de “soundtracks”, se ha hablado de artistas que se dan a conocer por simplemente una sola canción, y luego son prácticamente olvidados. El siguiente post es sobre una canción que agrupa todas las opciones anteriores.

En el año 1982 Roland Orzabal, el cantante de “Tears For Fears”, compone el tema “Mad World”. Este tema, uno de los más conocidos de esta agrupación, fue victima de un “cover” dos décadas después por el artista “Gary Jules”, quien en el año 2001, da a conocer su versión del tema en la película “Donnie Darko”.

Al escuchar la canción podemos notar un inmediato aire de melancolía y tristeza. En el inicio se escucha únicamente un piano, que marca la melodía de la canción. Casi inmediatamente se añade la voz del cantante, la que es ejecutada de manera ligera, dando la impresión que el cantante se encuentra realmente en un estado de sufrimiento. A estos dos instrumentos musicales (piano y voz), se le añade luego un violonchelo que marca la línea de bajo en la canción. Al contar únicamente con estos tres instrumentos se puede decir que esta es una canción musicalmente simple. El enganche de la misma y lo que llama la atención, es la manera en la que es ejecutada, la perfecta conexión que existe entre música y letra.

Líricamente la canción es igual o más triste que musicalmente. Trata sobre una persona que prácticamente se esta rindiendo en el mundo, que no ve felicidad. Esta persona ve todo como una rutina y en su visión del mundo la gente no va a ningún lado, todos se levantan en la mañana dispuestos a cumplir sus quehaceres del día, los cuales a la final no llevarán a ningún lado. El la única cosa en la que esta persona encuentra felicidad es en los niños. Los niños actúan felices, con nerviosismo y curiosidad, pero un nerviosismo y curiosidad honesta. Es la inocencia lo que les hace ser feliz, hasta que se convierten en adultos y caen en el espiral sin fin.

El personaje de esta canción se encuentra tan triste y tan desganado, que asegura que los mejores sueños que ha tenido en su vida, son aquellos en los que muere.

Roland Orzabal describe la letra de la canción como: “Lyrically the song is pretty loose. It throws together a lot of different images to paint a picture without saying anything specific about the world” o “Liricamente la canción es bastante suelta. Junta una gran cantidad de imagenes diferentes para componer una pintura que no termina de decir nada especifico del mundo”.
Esta falta de especificidad la da la mezcla de la tristeza del personaje de la canción más la alegría e inocencia de los niños. Mostrando un mundo que no es ni triste ni feliz.

Esta canción además de aparecer en la película “Donnie Darko” aparece en varias series de televisión como: “Cold Case”, “CSI”, “Dead Like Me”, “ER”, “Jericho”, “Las Vegas”, “Nip/Tuk”, “Smallville”, “The Cleaner”, “The L Word”, “The OC”, “Third Watch”, “Without a Trace” y “House MD.”. Tambien ganó popularidad cuando el “American Idol” Adam Lambert la interpreto en el programa.

Además, la versión de Gary Jules estuvo varias semanas en el primer puesto de Inglaterra.

Al leer esto se podrían preguntar: ¿Cómo pueden tantas series de televisión querer una canción inmensamente triste, con una línea musical extremadamente simple? Escuchen la canción y creen su propia respuesta.

Tema: Mad World
Artista: Gary Jules
Album: Donnie Darko Sountrack
Género: Rock Alternativo
Año: 2001

3's & 7's

2009-08-21T19:48:00.000-07:00

En el mundo de la música uno puede buscar diversos géneros y/o diversas agrupaciones para obtener un sonido específico. Diferentes géneros juegan de varias maneras con los diferentes instrumentos, y luego, las varias agrupaciones que existen dentro de un mismo género le dan un sonido diferente a su música. Si lo que se está buscando es un sonido agudo, donde mande una guitarra líder; uno de los mejores grupos para escuchar es “Queens Of The Stone Age”, y una de las mejores canciones “3’s & 7’s”.

Este tema es el segundo single del cuarto álbum de la banda, el cual lleva por título “Era Vulgaris”, que salió a la venta el año 2007. Al escuchar esta agrupación, oriunda de California, se pueden identificar unas características presentes en la mayoría de sus canciones. Una guitarra con un agudo bastante alto, un bajo que le da balance al audio (aunque queda a la sombra de la guitarra) y una batería pesada y fuerte.

Al comenzar la canción lo primero que escuchamos es la guitarra de Josh Homme con una especie de charrasqueo que marca la melodía y el tempo. A esto le sigue un silencio; luego del cual, de manera explosiva, entran todos los instrumentos a la vez. Aquí podemos notar la agudeza de las guitarras, el bajo y la fortaleza de la batería. Sobre la guitarra de Homme, suena un punteo de la segunda guitarra de la agrupación a manos de Van Leeuwen. Por último (deja de sonar el punteo) y suena la voz de Homme, la cual, a pesar de lo pesado de la letra, siempre parece cantar con calma.

Casi al final de la canción se escucha un segmento característico de esta agrupación, en la cual, por encima de la voz del cantante se escucha, en conjunto, todos los instrumentos en un tempo fuertemente marcado.

Con respecto a la letra, Homme nos habla de los bueno y conveniente que es mentir. Nos dice que si uno dice una mentira, conviene nunca decir la verdad y llevar la mentira a la tumba. Con las frases “Truth Hurst” (la verdad duele) y “Ignorance is bliss” (la ignorancia es maravillosa) Homme establece que es mejor no saber la verdad, ergo, es mejor mentir. Para Homme, la mentira es un regalo del diablo, y con ella uno será más santo que nunca.

Este tipo de letras, un tanto pesadas, negativas, y cercanas a un mal estilo de vida son características de esta agrupación.

El álbum “Era Vulgaris” se colocó en los primeros cinco puestos en: Australia, Austria, Bélgica, Canadá, Alemania, Nueva Zelanda, Noruega y Suecia. Y el tema “3’s & 7’s” llegó al primer lugar en el “UK Rock singles chart”.

El tema “3’s & 7’s” aparece en el juego de video “Madden 08” además de en “Rock Band” y “Guitar Hero III: Legends Of Rock”. Además el tema aparece en la serie de televisión “Reaper”.

Si se está de ánimos para escuchar una canción de “Rock” estilo clásico, que sea pesada y que tenga un excelente trabajo de guitarra, “3’s & 7’s” es la opción perfecta.

Tema:3's & 7's
Artista: Queens Of The Stone Age
Album: Era Vulgaris
Género: Rock
Año:2007

Top 15 "Featuring"

2009-08-10T22:15:00.000-07:00

No es nada escondido que en el mundo de la música existen grandes artistas. Están los que han mantenido una gran carrera con el pasar de las décadas, como existen aquellos que se inmortalizaron con un gran éxito. Y también los hay tan grandes, como para que otros artistas quieran compartir algún trabajo con ellos.

Ya sea por ayudar a otro artista, por recibir ayuda, o simplemente por trabajar juntos; muchos artistas han cantado canciones en conjunto, muchas de las cuales se han hecho famosas. Estas canciones son interpretadas por su autor original “presentando” al artista invitado. Esta presentación la conocemos como “Featuring” o su abreviatura “Ft”.

A continuación el cuarto “Top 15” de “Dont Stop The Music”:

Top 15 “Featuring”

#15- Getcha Groove On.
En el año 2000, en el álbum de “Limp Bizkit” “The Chocolate Starfish And The Hotdog Flavored Water”, la canción “Getcha Groove On” presenta como invitado al rapero “Xzibit”. El género “Rock/Rap” de “Limp Bizkit” encaja a la perfección con el rapero. El resultado es una canción poco conocida pero bastante buena.

#14- Lo Grande Que Es Perdonar.
En el año 2005 el portorriqueño Luis Armando Lozada Cruz, mejor conocido como “Vico C” presenta su álbum titulado “Desahogo”. Por esos años el “Reggaeton” paso a ser uno de los géneros más escuchados en Latinoamérica y el mundo. No es de extrañar que cualquier músico quisiera cantar este género para ser escuchado. El tema “Lo Grande Que Es Perdonar” es uno de estos ejemplos y “Vico C” lo canta junto al celebre salsero Gilberto Santa Rosa.

#13- Baila Morena.
El artista italiano Zucchero, en el año 2004 lanza su álbum “Zucchero & Co”, en el cual comparte sus temas más famosos con artistas de todo el mundo. Uno de estos temas es el conocido “Baila Morena”, interpretado junto a la agrupación mexicana “Maná”. Después de la participación de esta agrupación,“Baila Morena” logró ser uno de los temas más conocidos de Zucchero. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/07/baila-morena.html

#12- Non Me Lo So Spiegare.
En el año 2003, Tiziano Ferro saca al mercado el álbum “111” en sus versiones en italiano y en español. La canción “Non Me Lo So Spiegare” o “No Me Lo Puedo Explicar” la canto, también en ambos idiomas, con la también italiana Laura Pausini.

#11- Nobody Wants To Be Lonely.
Del Segundo álbum en ingles del cantautor Ricky Martin, se extrae el tema “Nobody Wants To Be Lonely” que canta junto a Christina Aguilera. Al cantar junto a Aguilera, este tema romántico llega a un nivel que no pudo haber sido alcanzado únicamente con Ricky Martin.

#10- Moskau.
En el álbum “Reise Reise” de la agrupación alemana “Rammstein” canta junto a Yulia Volkova (miembra de Tatu) la canción “Moskau”. La voz ronca de Lindemann contrasta con la dulce voz de Volkova, lo que tiene sentido, ya que la canción habla de la ciudad de Moscú, de sus características hermosas y horribles.

#9- Strength Of My Life.
En el año 2006 la agrupación californiana “P.O.D” saca al mercado su álbum “Testify”. En este comparte canción con el artista “Matisyahu”. El “rock/rap” de esta agrupación encaja a la perfección con el “Reggae” de “Matisyahu” y crea una canción relajada que realmente vale la pena escuchar.

#8- Fotografía.
El álbum de Juanes titulado “Un Día Normal” contiene la canción “Fotografía”. Esta canción la canta junto a la portuguesa Nelly Furtado. Este conjunto crea un tema realmente melodioso.

#7- 4 Minutes.
Esta canción de “Madonna” no solo tiene como invitado a Justin Timberlake sino también a “Timbaland”. Sin embargo es el primero el que realmente destaca. Esta unión de cantantes genera una verdadera “explosión” de música “Pop”. Este tema aparece en el álbum de “Madonna” titulado “Hard Candy”.

#6- Anxiety.
El grupo “Black Eyed Peas” se ha caracterizado por explotar y explorar diferentes géneros musicales y por tener como invitados a muchos grandes artistas. La canción “Anxiety” de su álbum “Elephunk” es una mezcla de su típico “Rap” y “R&B” y el “Rock” más pesado del grupo “Papa Roach”.

#5- Smooth.
Siendo Santana un guitarrista, y no un cantante, necesita de la participación de diferentes cantantes. Ha contado con la participación de “Maná”, “Dave Mathews Band” y muchos otros, sin embargo uno de los mejores temas, y más conocidos es el que cuenta con Rob Thomas. Este tema lleva por titulo “Smooth” y figura en el álbum “Supernatural”.

#4- Morena Mía.
Para conmemorar sus 30 años de carrera musical, en el año 2007 Miguel Bosé saca al mercado su álbum “Papito”. En este canta quince canciones en dueto con varios aristas. Muchas de las canciones que aparecen en este álbum son excelentes, sin embargo me sentí en la obligación de elegir únicamente una: “Morena Mía” con la mexicana Julieta Venegas. La versión original de esta canción aparece en nuestro primer conteo: ver http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html

#3- Vivo Por Ella.
Prácticamente cualquier dueto realizado con el italiano Andrea Bocelli va a resultar espectacular. Este es el caso de la canción “Vivo Por Ella” que canta a dúo con la española Marta Sánchez. Uno de los temas más conocidos de Bocelli cantado en varios idiomas.

#2- Under Presure.
Uno de los mayores éxitos de una de las “mega-bandas” de la historia de la música. La grandiosa banda inglesa “Queen” se junta con otro grande de la música “David Bowie” y nos trae el tema “Under Presure” un tema cargado de melodía, controversia y buena lírica. Es uno de los temas más conocidos de la banda y su melodía es una de las más conocidas en el mundo. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/under-pressure.html

#1- Stan.
Muchas agrupaciones conocidas se juntan con otras, también conocidas para hacer un trabajo. Muchos cantantes se ponen al día cantando con otro que este de moda en un momento específico. Sin embargo es pocas veces cuando una participación lanza a un artista totalmente desconocido directo al estrellato. En el año 2000 el rapero “Eminem” saca al mercado su álbum titulado “The Marshal Mathers L-P” en el cual figura“Stan”, una de las canciones más conocidas de este artista. “Stan” cuenta con la participación de una artista poco o nada conocida para ese momento: “Dido”. Después de que este tema se convirtió en uno de los más conocidos del mundo, la cantante encontró la fama y es ahora una artista con millones de ventas.
El hecho que este tema haya convertido a esta cantante en una de las más conocidas de Inglaterra y se haya convertido en uno de los temas más conocidos de ambos artistas, es lo que lo convierte en el número uno de nuestro conteo.

The Promise

2009-07-30T19:33:00.000-07:00

La década de los ochenta fue una época durante la cual hubo una gran proliferación de bandas. Estas experimentaban con diversos estilos musicales, y además del “Metal” más pesado uno de los estilos más explotados fue el “Rock-Pop” o “Dance-Pop”. Uno de los grupos menos conocidos de este último género llevó por nombre “When In Rome”.

En el año 1988 esta agrupación inglesa originaria de Manchester, lanza al mercado su primer y único trabajo de estudio que lleva como nombre, al igual que la banda, “When In Rome”. Entre las canciones que figuran en este álbum se encuentra su único éxito: “The Promise”.

Este tema es prácticamente una declaración de amor. Podría decirse que es una carta que le escribe el cantante a su enamorada, o más posiblemente un discurso de amor que le dedica. Después de escuchar bien la canción se puede deducir que los dos personajes ya se conocen, y que son amigos. Luego, el personaje que canta decide declarar su amor y lo hace de la siguiente manera: le dice que le tenga confianza, que en el siempre va a tener un amigo y una persona en quien confiar; le dice que le disculpe todas las cosas tontas que dice y los errores que comete.

La letra del coro es la que realmente le da el título a la canción y, en mi opinión, la mejor parte de la lírica. En el coro el cantante pide perdón por la manera en que dice las cosas y que no es realmente la manera en que tenía planeado decirlas, sin embargo, le asegura, mejor dicho, le promete a su amada que si esta le da la oportunidad, la va a enamorar.

Con respecto a la musicalización, a los pocos segundos de comenzada, podemos ubicar el tema en su década correspondiente. “The Promise” reune varias características de la música de los ochenta. Al empezar lo que escuchamos es un efecto electrónico que da la sensación de apertura, e inmediatamente se añade el teclado (instrumento bastante utilizado en esta década para iniciar los temas). El teclado marca la melodía principal de la canción, y durante la totalidad del tema, va a tomar el papel de instrumento principal.

Luego de establecer la melodía con el teclado entran la batería y el bajo, ambos marcando un ritmo y tempo “Dance-Pop” característico de este estilo. La voz del cantante durante las estrofas es baja y lenta, tiene un aire melancólico. Esto es por que en las estrofas el cantante se esta declarando. Durante el coro, cuando la letra se aviva, la voz alcanza un tono más alto y aumenta en velocidad, denotando la emoción del cantante en el momento en que pierde las palabras y pide perdón por su torpeza.

Durante el coro se escucha suavemente una guitarra, la cual a pesar de no tener un papel relevante, no queda fuera de la canción. La voz del cantante siempre va acompañada de ciertos efectos eléctricos que dan impresión de eco (además de que existen en realidad dos cantantes) bastante típico de la música de los 80.

Este tema llego a estar de número 19 en el “U.S. Billboard Hot Dance Music/Maxi Singles Sales”, de número 11 en el “U.S. Billboard Hot Dance Club Play” y de número 1 en “U.S. Billboard Hot 100”. Además de esto, el tema fue recordado recientemente en la película del año 2004 “Napoleon Dynamite”.

De su único álbum de estudio “When In Rome” nos trae un único gran éxito que realmente vale la pena escuchar.

Tema: The Promise
Artista: When In Rome
Album: When In Rome
Género: Dance-Pop
Año: 1988

Stars

2009-07-24T21:09:00.001-07:00

Muchas agrupaciones musicales, después de varios años de experiencia y un cierto número de trabajos de estudio, lanzan al mercado un álbum recopilatorio con sus mayores éxitos. Muchos de estos álbumes, además de contar con los mejores temas de dicha agrupación, cuentan con una o varias canciones inéditas (probablemente por motivos comerciales). Muchas de estas canciones llegan a ser grandes temas, inclusive algunos de los más conocidos de la agrupación.

Este caso ocurre en el año 2002, cuando la agrupación irlandesa “The Cranberries” saca al mercado su ultimo álbum “long play” titulado “Stars: The best of 1992-2002”. Además de grande éxitos de la agrupación como “Linger”, “Zombie”, “Dreams”, entre otros, este álbum nos trae el tema inédito “Stars”.

La agrupación “The Cranberries”, durante sus 10 años como grupo, se caracterizó por crear canciones del estilo “Rock”, específicamente “Rock Alternativo”. Este tipo de canciones se caracterizan por un papel principal de la guitarra, un bajo y una batería acompañante, y en algunos casos la añadidura de instrumentos como el teclado.

En el tema “Stars”, desde el inicio de la canción escuchamos todos lo instrumentos juntos. Un punteo de guitarra con un leve nivel de distorsión, un bajo que acompaña con, prácticamente, las mismas notas que la guitarra, y una batería que además de marcar el tempo, añade redobles y contratiempo a la canción.

Durante todo el transcurso de la canción los instrumentos permanecen prácticamente invariables: una fuerte guitarra líder y un excelente apoyo por parte del bajo y la batería. Sin embargo el instrumento más destacable de la canción (y de todas las canciones de esta agrupación), es la fantástica voz de Dolores O’Riodan. Esta cantante prácticamente hace que la banda suene de la manera excelente en que lo hace. Y no es que los instrumentos suenen mal, todo lo contrario; es solo que la voz de la cantante es realmente excepcional. En mi opinión, la voz es excelente porque es diferente a muchas otras voces de agrupaciones de “Rock”. Para empezar, es una voz femenina, las cuales no abundan en este género. Y luego, no se si es el timbre o el dejo de acento irlandés, pero al escuchar la canción lo más probable es que la voz les guste.

De más está decir que es la voz la que marca la melodía principal de la canción. Y, a pesar de ser simple, lo que esta voz dice constituye una buena lírica. Es una canción de amor. La cantante le habla a una persona y le dice que lo ama tal y como es. Le dice que lo toma, lo ama, y lo tiene tal como es, a pesar que no sea perfecto, esto demuestra todo el amor que siente la cantante por la persona a la que se refiere. El tema lleva por título “Stars” debido a que se hace la referencia a las estrellas para denotar la melancolía de la cantante. No sabemos si se encuentra sola o acompañada, pero aparentemente son las estrella las que le recuerdan todo el amor que tiene por la personas a la que le canta.

El tema “Stars” es el último tema que grabo la banda como agrupación. Después de lanzar al mercado el álbum “Stars: The Best of 1992-2002” la banda toma un descanso (vigente hoy día) para avanzar en sus carreras solistas.

Entonces tenemos aquí el último tema de la autoría de la agrupación “The Cranberries”, es un gran tema que definitivamente fue una buena despedida que nos dio la banda.

Tema: Stars
Artista: The Cranberries
Album: Stars: The Best Of 1992-2002
Género: Rock Alternativo
Año: 2002

PD: Lamentablemente no pude conseguir la canción para añadirla al playlist, y tampoco el video original. Sin embargo es una buena versión en concierto. Pongan pausa al playlist del blog y escuchen "Stars".

Kiss From A Rose

2009-07-18T20:28:00.000-07:00

En el año 1995 la tercera película de la serie “Batman”, “Batman Forever” se estrena en el cine; y Como tema principal para su banda sonora se escogió la canción “Kiss From A Rose”. Este tema figura tanto en el “CD soundtrack” de la película (1995) como en el álbum “Seal”, también conocido como “Seal II” (1994).

Seal Henry Olusegun Olumide Adeola Samuel, mejor conocido como “Seal”, es uno de los cantantes de “Soul” y “Rythm & Blues” más reconocidos del mundo. Este cantante es uno de los ejemplos de que la música puede lograr cosas maravillosas. Seal fue dado en adopción voluntariamente por sus padres debido a la carencia de recursos para su cuidado y educación. Fue criado por sus padres adoptivos en Inglaterra donde creció y vivió la mayor parte de su vida. Cuando adolescente Seal presentó síntomas de “DLE” o “Discoid lupus erythematosus”, una enfermedad que ataca los tejidos de la piel y que causaron las cicatrices en la cara del cantante. Seal se inició en el mundo de la música en el año 1980 con la banda inglesa de “punk”: “Push”. Sin embargo su fama como solista inició en el año 1990.

Cinco años después su canción “Kiss From A Rose” llegó a formar parte de la banda sonora de la película “Batman Forever” y llegó al puesto número uno en el “US Billboard Hot 100”.

La letra de la canción habla sobre una persona que se descubre a si misma cuando conoce a una mujer. Cuando esta mujer llego a su vida, el lado oscuro de este personaje se alumbro, y el amor que ella le daba se convirtió en una droga. El personaje compara a la mujer con una rosa floreciendo, y se compara a si mismo como una torre oscura. Es debido a la comparación entre la mujer y la rosa, que este tema lleva este titulo. Básicamente es una canción de amor, prácticamente como las gracias que le da una persona a la otra por haber aparecido en su vida.

Lo primero que escuchamos en la canción es al intérprete tarareando la melodía principal del tema, a lo que luego se añade un instrumento de viento, un piano y una guitarra. Justo antes del coro se nota el golpe de la batería y es el momento en que la canción cambia de velocidad. Sin embargo la voz del cantante no explota sino hasta más adelante cuando llega a unas notas bastantes altas para su tono de voz y cuando se llega al momento álgido de la canción.

Seal es un excelente artista, que transformó una vida que pudo haber sido catalogada de trágica en una gran carrera musical. Entre sus 12 álbumes se encuentra “SealII” que nos trae el tema “Kiss From A Rose”. Este último es uno de los temas más reconocidos de este cantante y uno de los más premiados y galardonados. Puesto número uno en los Estados Unidos, número dos en el Reino Unido, Número uno en Australia, gano dos “Grammy” en 1996 por “Mejor Single” y “Canción del año”.

Los galardones lo dicen todo: “Kiss From A Rose” vale la pena escucharla, y luego de escucharla, su estilo suave y melodioso, característico del “Soul”, la convierte en un tema relajante y escuchable en muchas ocasiones.

Tema: Kiss From A Rose
Artista: Seal
Album: Seal (Seal II)
Género: Rythm & Blues
Año: 1994

Dreadlock Holiday

2009-07-12T18:52:00.000-07:00

Una de las bandas de “Rock” consideradas “clásicas” menos renombradas, es la agrupación inglesa que lleva por nombre “10cc”. Desde sus inicios a principios de los años 70, hasta su último trabajo de estudio en el año 1995, grabaron 12 trabajos de estudio, además de todos los “singles”. Su música se puede considerar variada, se pasea por varios géneros entre los que encontramos el “Rock” más clásico y un “Pop” bastante pegajoso.

En el año 1978 con su séptimo álbum de estudio titulado “Bloody Tourists”, “10cc” da a conocer uno de sus temas más conocidos: “Dreadlock Holiday”.

Esta canción es del género “Reggae”, y a pesar de que “10cc” se haya caracterizado por canciones del género “Rock”, el tema “Dreadlock Holiday” es sin duda uno de los mejores de esta banda. Al pertenecer a este género, tiene unas ciertas características básicas que, obviamente, podemos encontrar en esta canción.

Lo primero que se escucha en la canción es una guitarra y un teclado marcando la introducción musical de la canción, sobre unos timbales. Estos timbales, a pesar de ser instrumentos de percusión añaden un extra de melodía a este segmento. Podemos escuchar durante toda la canción una guitarra que se encarga de marcar acordes con un ritmo que se podría describir con la palabra: interrumpido o entrecortado (característico del “Reggae”). Además escuchamos un bajo que simplemente acompaña la melodía y una batería que marca el tempo y también se encarga de acompañar. Todo esto crea un sonido tropical o isleño, típico del "Reggae".

Al ser la guitarra el instrumento que manda, la canción es altamente melodiosa, y como en todo “Reggae” la voz principal juega un papel importante. La melodía vocal, debido a la suavidad de los instrumentos, es la melodía principal de la canción, a diferencia de muchas otras canciones que tienen a los instrumentos como melodía principal.

Al ser la voz el instrumento más relevante en la canción, la letra del tema se convierte en uno de los aspectos más relevantes de la misma. “Dreadlock Holiday” esta basada en una historia real, unas vacaciones que tomo Justin Hayward, vocalista de “Moody Blues” en Barbados. En la canción, un blanco se encuentra de vacaciones en Jamaica, y después de tener un encuentro con unos matones, regresa al hotel. Mientras se encuentra tomando una piña-colada, una voz le ofrece “algo más fuerte”, el personaje principal de la canción lo toma y se sumerge en unas “Dreadlock Holiday”.

Durante el tema el cantante asegura que ama ciertas actividades y aspectos de Jamaica, esto para agradarle a los asaltantes con los que se encuentra. Luego, cuando le dan “algo más fuerte” (podemos asumir que es una droga… probablemente marihuana) asegura que ama a Jamaica.

El tema lleva por nombre “Dreadlock Holiday” por la analogía que presenta la palabra “dreadlock” y Jamaica. Los “dreadlocks” o “dreads” es el nombre que lleva el peinado que utilizan los miembros del rastafarismo. Vuelto famoso por Bob Marley, este peinado caracteriza a la isla, y es prácticamente un sinónimo de la misma.

Este tema fue utilizado en la serie inglesa “The Mighty Boosh”, fue utilizada por la cadena inglesa de deportes “Sky Sports” para la cobertura de un torneo de cricket (el cricket es un deporte jugado en Jamaica, y forma una parte importante del tema), fue parte del soundtrack de la película “Snatch”, fue victima de covers por bandas como “Belle And Sebastian” y “The Hard Way” y llego al número 44 en el “Bilboard Hot 100”.

Como la mayoría de los temas de “Reggae” es bastante agradable escucharla, además de que la letra es realmente original. “Dreadlock Holiday” es realmente una excelente canción, sin duda uno de los mejores temas de “10cc”.

Tema: Dreadlock Holiday
Artista: 10cc
Album: Bloody Tourists
Género: Reggae
Año: 1978

(Este tema aparece en el top15"Soundtracks" en http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/06/top-15-soundtracks.html)

Baila Morena

2009-07-05T19:38:00.000-07:00

Uno de los compositores italianos de música moderna más célebres, tiene como nombre Adelmo Fornaciari. Cuenta con 23 álbumes de estudio y varios “singles”, y ha tenido el honor de trabajar con artistas de la talla de “Sting”, “Macy Gray”, “Sheryl Crow”, “B.B. King”, “Tom Jones” y muchos, muchos más. Uno de los temas más conocidos de este artista cuenta con la participación del grupo mexicano “Maná”, y lleva por título “Baila Morena”.

A continuación uno de los éxitos más grandes de Adelmo “Zucchero”.

El tema “Baila Morena” fue mostrado al público en el año 2001. Este tema formaba parte de un “single” que lleva como titulo “Baila Sexy Thing”. El tema original cuenta únicamente con el cantante italiano y es cantada en este idioma, fue en el año 2006, con la salida al mercado del álbum “ZU & CO”, que se dio a conocer el tema en español con la participación de “Maná”.

El tema que se analizará a continuación será el que cuenta con la participación del grupo mexicano. Esto debido a que es esta versión de la canción “Baila Morena”, más conocida que la original en italiano y que la versión en ingles utilizada para la película “Les Bronzés 3”.

La letra de “Baila Morena” vendría a ser una de las categorías de letras más clásicas que existen. Esta canción es una completa dedicación a una mujer, una morena para ser exactos. “Zucchero” la ve por primera vez en una noche de baile, y alcohol, lo que nos lleva a pensar que la ve en un bar. Desde que la ve, no puede dejar de verla, y en lo único que insiste es en hacerla bailar.

Musicalmente es una canción del género “Rock”. Cuenta con una participación importante de la guitarra y gran protagonismo por parte del teclado, esto genera en la canción un sonido con más alto que bajo. Una de las características de esta canción es (al igual que el resto de las canciones de “Zucchero”) es la ronca voz del cantante, y hay que reconocer que su unión con la voz, igualmente ronca, de Fher, añade un aire de intensidad a la canción. El coro de “Baila Morena” es altamente melodioso, durante el tiempo que este dura, ocurre una explosión de instrumentos, y logra que esta sección de la canción, sea la que realmente queda grabada en nuestra memoria.

Este tema, ya que ha sido cantado en varios idiomas, ha sido incluido en los conteos de varios países como Belgica, Francia, Inglaterra, Italia, Alemania, etc.

“Baila Morena” es un tema que probablemente muchos han escuchado, sin embargo puede que no la recuerden. Sin embargo este tema es realmente bueno, cuenta con una melodía excelente y pegajosa, y una letra que, aunque simple, es entretenida y original.

Tema: Baila Morena
Artista: Zucchero (con colaboración de Maná)
Album: ZU & CO
Género: Rock
Año: 2001/2006

Jerusalem

2009-06-29T19:14:00.000-07:00

Salmo 137, 5-7: “¡Si me olvido de ti, Jerusalén, que mi derecha se olvide de mí! Que mi lengua se me pegue al paladar si de ti no me acuerdo, si no considero a Jerusalén como mi máxima alegría.”

Sabemos que existen muchas fuentes de inspiración para escribir canciones. Sin embargo, una de las menos utilizadas (por lo menos en los grupos de música comerciales) es la Biblia. El “Baal Teshuva” (Judío Ortodoxo) “Matisyahu” es uno de estos artistas que encuentra su máxima inspiración en los libros sagrados.

“Matisyahu” es el nombre hebreo de Matthew Paul Miller, quien en el año 2006, libera al público su segundo álbum de estudio titulado “Youth”. El segundo “single” de este álbum lleva como nombre “Jerusalem”.

A los 16 años “Matisyahu” realizó un cambio radical en su vida. Paso de ser un seguidor de bandas de “Rock” pesado, a convertirse en un judío ortodoxo quien, por medio de la música, difunde la palabra de Dios y reparte mensajes de paz y amor. La canción “Jerusalem” no es la excepción. Esta basada en el “Salmo 137, 5-7”. Este salmo habla sobre como no se olvidara la ciudad de Jerusalén. La canción en sí, recuerda este pasaje de las sagradas escrituras en cada coro, mientras que en las estrofas nos habla sobre la manera en que se debe sobrevivir, la manera en que se debe llevar una vida: rechazando lo malo, tomando buenas decisiones y amando. De la misma manera, esta lírica debe tener un significado aun más profundo para el cantante, quien se recuerda a si mismo sus raíces culturales en esta canción.

Para hacer el caso de “Matisyahu” más llamativo, este “Baal Teshuva” adoptó como género musical el “Reggae”. Este género le da a sus canciones un tono de alegría. Por más fuerte, pesado y profundo que sea el mensaje, la canción siempre transmitirá un sentimiento de alegría y tranquilidad. Se podría decir que el género “Reggae” comparte bastantes aspectos con el genero “Rap” (en lo que se refiere a la música en comparación con el género “Rock”). Los dos géneros constan de una lírica rápida y con más peso que los instrumentos. Igualmente ambos géneros muestran una preferencia por el bajo sobre el alto. Es decir, instrumentos como el bajo y los golpes del bombo superan a instrumentos como la guitarra y golpes de platillo.

En “Jerusalem” el instrumento que más se destaca es el bajo, mientras que la guitarra funciona como instrumento secundario con acordes y punteos suaves.

La canción “Jerusalem” toma prestado versos de la canción “Break My Stride” de Matthew Wilder y los utiliza como puente. Igualmente una versión en vivo de esta canción, figurada en el álbum “Live At Stubb’s” es más conocida que su versión original.
"Jerusalem" es una canción singular, es el tipo de canción que no escuchamos todos los días. Es el tipo de canción que nos muestra que la música puede abarcar más de lo que usualmente abarca. "Jerusalem" es un buen tema, realmente uno que vale la pena escuchar.

Tema: Jerusalem
Artista: Matisyahu
Album: Youth
Género: Reggae
Año: 2006

PD: la canción "Jerusalem" que figura en el "playlist" del blog es la versión en vivo. Consejo: Comparenla con la versión original que sale en el video.

Michael Jackson

2009-06-25T19:24:00.000-07:00

El 25 de junio del año 2009 será recordado por mucho tiempo como uno de los días oscuros en la historia de la música. Este día fallece a los 50 años de edad Michael Jackson: “El Rey del Pop”.

La historia de la vida de Michael Jackson es tan completa y el legado que dejo al mundo de la música tan extenso, que me cuesta decidir por donde comenzar esta especie de tributo. Michael Jackson fue una persona que será recordada por mucho más que por un paso de baile, o por una canción. Fue una persona que a pesar de sus controversias personales aporto en exceso tanto al mundo de la música como al mundo en general. Y es que, ¿Qué persona con más de 10 años no se sabe por lo menos una canción del “Rey Del Pop”?

Muchos sabemos que Jackson vivió toda su vida en el mundo de la música. Desde el año 1966, con tan solo ocho años, Michael forma, por iniciativa de su padre, una agrupación con sus cuatro hermanos mayores llamada “Jackson Five”. En este grupo Michael ejerció el papel de vocalista principal. Muchas personas notaban que el más pequeño de los Jacksons era el que más prometía en el mundo de la fama; esto también fue visto por el padre de los hermanos, quien se dice explotaba al joven Michael haciéndole ensayar sin descanso por varias horas.

Desde el año 1972 Michael Jackson comenzó a lanzar al mercado “singles”, en los cuales incluía canciones de su autoría que no ejecutaba con sus hermanos.
Además de estos “singles”, Jackson también lanzó varios álbumes de estudio, y su primer “gran álbum” fue “Thriller”. Ya para este momento la fama de Michael era bastante grande, sin embargo, luego de este álbum, fue realmente indiscutible. La canción “Thriller” fue una de las primeras canciones de la historia de la música que utilizo video musical, y hasta el día de hoy es uno de los videos más conocidos del artista. Con 109 millones de copias vendidas en todo el mundo, “Thriller” se encuentra en el puesto del álbum con mayor cantidad de copias vendidas de la historia.

Luego de “Thriller” el “Rey Del Pop” cuenta con cuatro álbumes más de estudio, “Bad”, “Dangerous”, “HIStory” y “Invincible”. Este último, siendo su último trabajo de estudio en el año 2001.

La vida personal del Michael Jackson fue una de las más controversiales de la historia de la música. Para el año 1986 Jackson acumulaba un total de cuatro cirugías en la nariz, una en la barbilla y este mismo año fue diagnosticado con vitíligo y lupus, ambas enfermedades afectan la tonalidad de la piel. Además de esto Michael tuvo varios problemas de alimentación y llegó a tener “anorexia nervosa” debido a esto creo una adicción a las drogas. Para el año 1990 Jackson tenía 10 cirugías en la cara, había superado su adicción a las drogas y paso a ser caucásico.

Además de esto tenemos una especie de obsesión por parte de Michael al personaje de Disney “Peter Pan”. A partir del año 1988 se mudó a su rancho llamado “Neverland Ranch” el cual ocupo hasta el 2005. En este rancho, Jackson tenía su propio zoológico y parque de diversiones. En el año 1993 un joven de 13 años llamado Jordan Chandler acuso a Michael Jackson de abuso sexual. Esta acusación lo llevo a su primera disputa legal por este tema. En el año 2003 el joven Gavin Arvizo acusa de nuevo a Jackson por abuso sexual creando el famoso caso que seguramente todos recordamos.

Sin embargo Jackson, a pesar de todos estos problemas personales, fue un gran ser humano. Es una de las celebridades con más donaciones a caridades con más de 100 millones de dólares a diferentes organizaciones alrededor del mundo. En el año 1989 fue galardonado con su primer premio por labores humanitarias del “National urban Coalition”. En el año 1990 fue reconocido por la asociación de “Boy Scouts de America” y por el “Capitol Children’s Museum”, también por sus labores humanitarias. En 1994 fue reconocida su labor humanitaria por “The Crenshaw Comunity Youths And Arts Foundation” y luego en el año 1995 sus labores fueron reconocidas por “Harry Chapin Memorial”.
En el año 2002 fue homenajeado por el “Celebrate Magic Foundation”. Su último reconocimiento fue en el año 2004 con el “Elefante De Oro” por sus labores humanitarias en el África.

Todo esto sin contar sus 197 reconocimientos por la música; entre los que cuenta con 22 “Grammy” varios premios dados por el gobierno y el presidente de los Estados Unidos, 13 record “Guinness”, 13 premios “MTV”, 1 “Golden Globe”, 40 “American Music Awards”, 12 “World Music Awards” y muchos, muchos más. Todo esto lo hace ser conocido no solo como el "Rey Del Pop" sino como el "Rey del Entretenimiento".

Es difícil separar la vida privada del cantante con su vida musical. Sin embargo debemos recordar que, independientemente de que estos rumores sean reales o no, Michael Jackson también fue una gran persona. Su aporte al mundo de la música difícilmente será olvidado, y en estos momentos envidio a cualquiera que haya tenido la oportunidad de verlo en vivo. Sus canciones marcaron un hito en la historia, gran cantidad de ellas han sido victimas de covers que, al igual que las originales, han alcanzado el éxito. Sus pasos de baile, el “Moonwalk” el “No Gravity” y su famoso grito, se han intentado imitar desde los 80, pero hay que reconocer que solo Michael los hacia ver bien.

Michael Jackson fue más que una canción, más que un paso de baile, más que un personaje controversial… Sin duda alguna Michael Jackson fue el “Rey Del Pop”.

REST IN PEACE, KING OF POP...

Y aquí, el video más conocido de Michael jackson y 10 canciones que nos pasean por su historia musical. (Incluyendo "We Are The World")

Top 15 "Soundtracks"

2009-06-21T21:20:00.000-07:00

Todos sabemos, o deberíamos saber, que la música es un mundo. Ya sea por todas las diferentes movidas que ocurren en el, o por que al escucharla nos sintamos alejados de la realidad. Otro mundo, que funciona de manera similar a la música, es el cine. Por muchos años nos hemos entretenido con miles de películas, algunas memorables algunas no tanto. Sin embargo, memorable o no, una película no es nada sin música, y es por esta razón por la que el tercer “Top15” de “Dont Stop The Music” va dedicado a los Soudtracks.

Muchas veces cuando nos mencionan una canción, inmediatamente la vinculamos a una película, igualmente, algunas veces cuando nos mencionan una película la vinculamos a la canción (caso que es mejor para la canción, ya que significa que la película pasa a segundo plano). Las siguientes 15 canciones mencionadas a continuación, puede que les recuerden a una película, o bien puede que no la reconozcan hasta que vean a que película pertenece. O que simplemente no reconozcan ni canción ni película. En fin, solo hay una manera de saberlo. Sin más preámbulos, el tercer conteo de “Dont Stop The Music”.

Top 15 “Soundtracks”

#15- What we’re all about.
En el año 2000 junto con la película “Spiderman”, nos llega uno de los temas incluidos en su banda sonora titulado “What we’re all about”. De la autoría de “Sum 41”, esta canción presenta las características principales de esta banda, un “Rock” semipesado y líricas al estilo “Rap”

#14- Die Another Day.
En el año 2002 se estreno en el cine la película “Die Another Day”, film número 20 de la saga de James Bond. Es una característica de las películas del espía ingles tener una canción que utilice el título del film. En esta ocasión la canción homologa fue obra de “Maddona”.

#13- Build Me Up Buttercup.
La agrupación “The Foundations” en el año 1968, dio a conocer su primer “Hit” llamado “Build Me Up Buttercup”. 30 años después esta canción pasa a formar parte de la banda sonora de la película “There’s Something About Mary”. Esta canción aparece pocas veces en la película, de hecho por lo que recuerdo el único momento en el que sale es en los “bloopers”. Sin embargo es la canción icono de esta película.

#12- Sleeping Awake.
Una canción de película que no muchos conocen es la llamada “Sleeping Awake”. Esta fue incluida en el año 2003 en el film “The Matrix Reloaded”. Esta canción del grupo “P.O.D” es bastante violenta, y se adapta perfectamente, tanto en música como en letra, a la película en cuestión.

#11- Cells.
En el año 2005 muchas personas se deleitaron con la película “Sin City”. Igualmente se pudieron deleitar con la canción clave de su “Soundtrack” llamada “Cells”. Con esta canción un grupo no muy conocido llamado “The Servant” realmente se luce y crea una tema realmente excelente.

#10- I Don’t Wanna Miss A Thing.
La película del año 1998 llamada “Armageddon” tiene como tema principal la canción del grupo “Aerosmith” que lleva por nombre “I Don’t Wanna Miss A Thing”. Esta no es la primera vez que esta canción aparece en nuestro blog. Aparece también en el primer conteo “Top15sexy”. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html

#9- Head Over Heels.
La película oscura y poco conocida “Donnie Darko” tiene como tema principal la canción “Head Over Heels” de la agrupación “Tears For Fears”. Esta película del año 2001 busco esta canción escrita 20 antes que su estreno para formar parte de su banda sonora. “Head Over Heels” también ha aparecido anteriormente en nuestro blog. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/05/head-over-heels.html

#8- Dreadlock Holiday.
En el año 1978 el grupo “10cc” escribió esta canción de “Reaggae” y 22 años después fue empleada para la banda sonora de la película “Snatch”.

#7- Jai Ho.
La película del año 2008 “Slumdog Millionaire” nos brinda una de las mejores bandas sonoras de los últimos tiempos. Originaria de Sukhwinder Singh, pero la versión del grupo “The Pussycat Dolls” es la que forma parte de este film. Es una canción realmente completa con influencias hindúes y del “Pop” moderno, creando una buena e interesante mezcla.

#6- Unchained Melody.
En el año 1990 se estrena la película romántica “Ghost”. Este film tiene como escena memorable la que presenta a los personajes en una escena romántica sobre un torno de alfarero. Es justo en esa escena que suena la canción “Unchained melody”, esta canción ligada a esta escena, la convierten en una de las más conocidas y una de las más sexys. (Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html)

#5- Lady Marmalade.
En el año 2001 “Pink”, “Lil’ Kim”, “Maya” y “Christina Aguilera” se unen para crear la canción “Lady Marmalade”. Esta canción es el tema principal de la banda sonora del musical “Moulin Rouge”. Esta combinación de artistas crea una de las canciones más conocidas de los últimos tiempos.

#4- I Will Always Love You.
Whitney Houston canta una de las canciones más memorables en el mundo del cine, cuando en el año 1992 incluye “I Will Always Love You” en la película “The Bodyguard”. Esta canción es original de Dolly Parton, sin embargo es Houston la que la vuelve famosa. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/04/top-15-covers.html

#3- Take a Look Around.
Una de las canciones más conocidas en el mundo del cine, puede ser por el excelente trabajo de la banda o por la calidad de la película, es la canción “Take A Look Around” por la banda “Limp-Bizkit”. Esta canción pertenece a la banda sonora de “Mission Imposible”.

#2- Gangsta’s Paradise.
La canción “Gangsta’s Paradise” de “Coolio” forma parte de la banda sonora de “Dangerous Minds”. Esta canción va totalmente de acuerdo con el tema de esta película, hablando de violencia, drogas y vida en las calles.

#1- My Heart Will Go On.
No podemos dudar que uno de los “Soundtrack” más conocidos es la canción “My Heart Will Go On” de Celine Dion. Este tema forma parte de una de las películas más exitosas de todos los tiempos: “Titanic”. Es un tema suave, que recuerda el ambiente romántico y soñador de la película. Aunque sea una canción que muchos puedan catalogar de aburrida, lenta o “Girly” no puede caber duda que esta canción merece tener el puesto #1 de el “Top15Soundtracks”.

Tonight, Tonight

2009-06-09T19:20:00.000-07:00

Una de las bandas de “Rock” mas conocidas y aclamadas de los años noventa es la llamada “The Smashing Pumkins”, y uno de sus temas más celebres y exitosos, por su música, por su lírica, por su concepto y por su video, es la canción “Tonight, Tonight”.

En el año 1995 el grupo americano “The Smashing Pumkins” saca al mercado su tercer álbum, titulado “Mellon Collie And The Infinite Sadness”. Hay que tener en cuenta que el trabajo de estudio de “The Smashing Pumkins” llamado “Siamese Dream” (dos años antes de “Mellon Collie And The Infinite Sadness”) fue criticado y calificado de “Sabor de una dimensión”. Esto quiere decir que todas las canciones del álbum eran muy parecidas y, sin llegar a ser malo, “Siamese Dream” no presentaba originalidad ni variación en sus canciones.

Por esta razón, Billie Corgan (cantante de la agrupación) se aseguró de que el siguiente trabajo de estudio que grabase, sí presentaría al público una propuesta original e interesante. “Mellon Collie And The Infinite Sadness” es un álbum conceptual. Este tipo de discografía presenta una conexión entre todas sus canciones ya sea por medio de la música, la letra o el concepto. En el caso del tercer disco de “The Smashing Pumkins”, la conexión ocurre por el concepto. Todas las canciones de este álbum giran en torno al tema del ciclo de vida y muerte.

Entonces, debemos tener en cuenta que el sentido principal de la letra de la canción es la vida y la muerte. “Tonight, Tonight” habla sobre un viaje, el viaje de la vida. Habla sobre como vamos haciendo el viaje del tiempo y que sufrimos cambios irreversibles. Nunca seremos los mismos y dejaremos como pago nuestra juventud. Además de esto, también habla sobre la confianza. Billie Corgan nos dice que confiemos en él, y repetitivamente nos habla sobre “Esta noche”.

Alrededor de esta palabra (Tonight en ingles, esta noche en español) gira todo el tema. Quizá lo que quiere decir Corgan con esta palabra, en relación con el viaje de la vida y en relación con el resto de la letra, es que esta noche la persona a la que Corgan se dirige, morirá. Esta persona debe confiar en el cantante que luego de la muerte las cosas serán mejores. En fin, esa es mi interpretación.

Como dije anteriormente, la propuesta de este álbum, era la originalidad y la variabilidad entre canciones (esto desde el punto de vista musical, ya que sabemos que todas se conectan entre si conceptualmente). Musicalmente se pueden destacar unas características del álbum. Todas las canciones están grabadas en una tonalidad diferente, es decir, a la manera natural que suena la guitarra se le baja medio tono, logrando un sonido más bajo. Además el grupo intento que todas las canciones tuviesen una característica que las separase del resto. En el caso de “Tonight, Tonight” son los instrumentos de cuerda.

“Tonight, Tonight” se grabó con la cooperación de “The Chicago Symphony Orchestra”. La añadidura de todos estos instrumentos, le da una fuerza adicional a la canción. Esto se acentúa con el acompañamiento de la ronca y “rasgada” voz de Billie Corgan y los redobles de la batería de Jimmy Chamberlin.

El video de esta canción tuvo una gran aceptación por parte de los críticos y del público. Fue inspirado por el video sin sonido de Georges Mèliés titulado “Viaje a la luna”.

Algunos premios recibidos por esta canción son: fue aclamada como la mejor canción de “The Smashing Pumkins” por la revista Rolling Stone, llego al número cuatro en Billboard "Mainstream Rock Tracks", llegó al puesto número dos en Nueva Zelanda, número siete en el Reino Unido, y apareció en el conteo de Australia, Holanda y Bélgica.

Además de esto, el álbum “Mellon Collie And The Infinite Sadness” fue nominado para siete categorías en los Grammy del año 1997. Las nominaciones fueron: Álbum del año, Grabación del año, Mejor canción alternativa, Mejor performance por un grupo de Rock, Mejor canción de Rock, Mejor instrumental de Pop, y Mejor video musical.

El video de la canción ganó seis premios en los “MTV video music awards” del año 1996. Estos fueron: Mejor video, Mejor dirección, Mejor efectos especiales, Mejor dirección de arte, Mejor cinematografía, y “Breakthrough video”.

Como conclusión: “Tonight, Tonight” es una obra de arte musical completa, contando con excelente música, excelente letra excelente concepto y excelente video musical.

Tema: Tonight, Tonight
Artista: The Smashing Pumkins
Album: Mellon Collie And The Infinite Sadness
Género: Rock alternativo
Año: 1995

Golden Brown

2009-06-04T19:04:00.000-07:00

La década de los 80 fue una década dorada para la música. Se experimento con variados ritmos, instrumentos, nueva tecnología, estilos y de más está decir, variadas sustancias psicotrópicas. Muchos grupos florecieron y se lanzaron al estrellato, y algunos de esos grupos son aun famosos o altamente conocidos.

Uno de estos grupos tiene como nombre “The Stranglers”. Esta agrupación británica fue artífice de 16 álbumes de estudio en sus 29 años de historia. De todas las canciones que componen estos 16 álbumes, podemos extraer como uno de sus temas más conocidos, el hit “Golden Brown”.

Fue en el año 1981 cuando salio al mercado “La Folie”, el álbum que contiene esta canción.

El tema “Golden Brown” al escucharlo la primera vez nos podría sonar extraño por dos razones: la primera es que es un tema interpretado con un clavecín, un instrumento de cuerdas parecido a un piano que, en vez de golpear las cuerdas las hala como un harpa; y la segunda es que este tema, a diferencia de la mayoría de los temas que es escuchan normalmente, es un “Waltz”. Que sea un “Waltz” o un “Vals” implica que el tiempo varía entre 3/4 y 4/4, creando un sonido difícil de acostumbrarse.

El clavecín crea un efecto de antigüedad (de hecho, el clavecín fue creado en el periodo barroco) que da a la pieza un sonido extraordinario al mezclarse con instrumentos mas modernos como la guitarra eléctrica y el redoblante de la batería.

Aunque parezca imposible, es la letra de la canción lo que más debería llamarnos la atención. Digo imposible porque la construcción de este tema en “Waltz” y con un instrumento tan poco usado en el “Rock” como el clavecín, podrían dar a pensar que la música es lo más interesante. Sin embargo la lírica de esta canción ha estado creando discusión y controversia desde el día en que se dio a conocer.

¿Qué quiere decir el grupo con “Golden Brown”? ¿Por qué hay gente que dice que hay más de una letra para la misma canción? Bueno, hay muchas frases en la canción que pueden ser victimas de un efecto conocido como “Mondegreens”, el cual implica que una frase en un poema o en una canción pueda ser percibida de maneras diferentes, prácticamente como homófonas. Por esta razón hay teorías que dicen que hay diferentes letras. La banda misma describe a la canción como un “Test de Rorschach”, donde todos escuchan lo que quieren escuchar.

Por otro lado, ¿Qué quiere decir “Golden brown”?
Golden brown es un área de color dentro de las diferentes tonalidades del color oro, sin embargo, esto no tiene nada que ver con la canción. En un principio la banda alegó que la letra trataba sobre marmita, un condimento utilizado en lugares como Inglaterra, Australia y Sudáfrica. Luego, años después, el cantante Hugh Cornwell en su libro “The Stranglers Song by Song” declara lo siguiente:

"'Golden Brown' works on two levels. It's about heroin and also about a girl… both provided me with pleasurable times.”
“Golden Brown funciona en dos niveles, es sobre la heroina y sobre una mujer… ambas me dieron momentos de placer.”

Como se puede ver la letra de “Golden Brown” es más de lo que parece, y mezclada con la maravillosa música crea un tema digno de escuchar.

Este tema ha aparecido en las películas “He died with a felafel in his hand” y “Snatch”, además de aparecer en el videojuego “NARC” y en “Newsnight”, un programa ingles que utilizó la canción para burlarse de Gordon Brown.

Victima de varios “covers”, utilizada en películas y juegos e incluso parodias… De hecho, fue tan aclamado que apareció en su siguiente álbum "Feline" como un "Bonus Tracks" y quedo como número dos en las listas britanicas del año 1982.
“Golden Brown” vale la pena escucharlo una y otra vez…

Tema: Golden Brown
Artista: The Stranglers
Album: La Folie
Género: Rock
Año: 1981

Tony Melendez

2009-05-30T20:14:00.000-07:00

Este post va dedicado a un artista llamado Tony Meléndez. Sin embargo, no va dedicado a él por su alguna de sus canciones, ni tampoco por la música que él crea. Este post va dedicado a la manera y el motivo por el que Tony Meléndez crea su música; por lo que esta significa para su persona y para lo que podría significar para todos nosotros.

José Antonio Meléndez Rodrigues, mejor conocido como Tony Meléndez nace en Rivas, Nicaragua en el año 1962. Desde pequeño después de descubrir una guitarra española que pertenecía a su padre, Tony se ha dedicado a la música. Ha compuesto varías canciones y tiene siete trabajos de estudio, todo esto a pesar de un impedimento físico con el que ha vivido desde su nacimiento.

Durante los primeros meses de su embarazo, la madre de Tony tomaba un medicamento de nombre “Talidomida”, una medicina que servía como sedante y calmante para las nauseas del embarazo. Este medicamento ocasionó, al igual que en muchos otros embarazos, que el feto desarrollara una enfermedad que afecta las extremidades llamada focomelia. Tony Meléndez nació sin brazos.

Por este motivo el padre de Tony decidió mudarse a los Estados Unidos, donde su hijo podría tener mejores cuidados médicos y mejores oportunidades de vida.

Incluso en su nuevo hogar Tony no dejo de practicar con su guitarra, consiguió una nueva manera de afinarla y practicaba entre seis y siete horas diarias, todo esto para convertirse en un verdadero as de la guitarra, usando únicamente sus pies.

La música fue algo a lo que Tony se aferró para seguir adelante. Por muchos años tocó su instrumento, componiendo el mismo sus propias canciones, en 1990 graba su primer disco, a los que le siguieron seis más en los siguientes nueve años.

Al igual que la música le sirvió como instrumento de vida, Tony se valió de la religión y de su ciega fe en Dios para salir adelante. En el año 1985 durante su visita a Los Ángeles, el Papa Juan Pablo II bajó de su tarima para besar a Tony Meléndez luego de una espectacular y motivacional ejecución de la guitarra frente 6.000 personas en el Universal Anphitheater.

Es realmente hermoso ver a todas esas personas aplaudiendo para el y escuchar las palabras que le dedica el Papa: “Tony, eres verdaderamente un joven muy valiente. Estás dando esperanza a todos nosotros. Mi deseo para ti, es que continúes dando esperanza a toda la gente”.

Es realmente inspirador observar lo que esta persona hizo y todavía hace con su vida padeciendo una enfermedad que podría quitarle el ánimo a cualquier persona. Hoy Día, Tony está casado, tiene dos hijos, varios álbumes y dos libros. Además de esto viaja por los Estados Unidos dando charlas motivacionales principalmente a jóvenes.

Da mucho que pensar al ver a una persona como Tony, que incluso con una horrible discapacidad es capaz de vivir de una manera feliz, y prácticamente normal. Vive bajo su filosofía de no decir “No puedo” y enfrentando la vida tal como le enseño su padre: diciendo “Yo quiero, yo puedo, yo voy”.

A continuación un video/documental de la vida de este personaje. Dura seis minutos, lo sé, pero realmente les recomiendo verlo. Con esos seis minutos van pensar de una manera diferente, quizá vean las cosas de una manera distinta. Seguramente este video les dejará pensando en muchas cosas, es muy emocional y deja una gran lección de vida.

Entiendo que los primeros minutos del video no podamos evitar sentir lástima por esta persona, sin embargo, mientras el video avanza, está lastima se disipará y dará paso a la admiración.

Head Over Heels

2009-05-24T19:43:00.000-07:00

En el año 1981, dos adolescentes llamados Roland Orzabal y Curt Smith se reúnen en su ciudad natal de Bath, en Inglaterra, para formar una de las bandas de “Pop Rock” más conocidas y más afamadas del mundo, “Tears For Fears”.

Cuatro años después de su creación, la agrupación inglesa crea su segundo álbum de estudio titulado “Songs From The Big Chair”. En este álbum se encuentran varios de los éxitos más conocidos de la banda, como lo son “Shout”, “Mother’s Talk” y el protagonista de este post: “Head Over Heels”

Una introducción ejecutada por un piano, a la que se une una guitarra, y luego de que la batería marque el tempo, el resto de los instrumentos y la característica voz de Roland Orzabal. De esta manera comienza el tema “Head Over Heels”. Durante el transcurso de éste notamos que tanto el piano y la guitarra son los instrumentos principales en toda la canción. Estos dos son los que denotan la melodía principal del tema.

Durante toda la canción podemos notar una cierta presencia, que podríamos llamar “electronica”. Con esto quiero decir que la melodía de la canción esta influenciada por el género “New Wave” que causo furor a final de la década de los 70 y principio de los 80, en el cual los sintetizadores son característicos y crean un efecto más electrónico que el que se obtiene únicamente con los instrumentos. Sin embargo, la presencia perpetua del piano contrarresta el sonido eléctrico y crea una excelente mezcla de sonidos.

La letra de esta canción se podría dividir en dos partes. En la primera parte, antes del primer coro, Orzabal nos habla de una situación en la cual él quería estar a solas con una mujer, sin embargo esta mujer no estaba interesada en el y lo rechaza, a lo que Orzabal replica que le está haciendo perder el tiempo.

Luego tenemos la parte que viene después del coro en el que el cantante comienza a hablar de manera despectiva contra alguien, presuntamente refiriéndose a la misma mujer que lo rechaza al inicio de la canción.

Roland Orzabal declara lo siguiente sobre la canción:
“It is basically a love song and one of the most simple tracks that Tears for Fears have ever recorded. It is a love song that goes a bit perverse at the end.”
“Es básicamente una canción de amor y una de las canciones mas simples que “Tears For Fears” ha grabado. Es una canción de amor que se pervierte un poco al final.”

Esta canción fue victima de versiones por bandas conocidas como “New Found Glory” y recientemente por Katy Perry, además de aparecer como canción principal en la película del año 2001 “Donnie Darko”.

Tema: Head Over Heels
Artista: Tears For fears
Album: Songs From The Big Chair
Género: Pop Rock
Año: 1985

Black And White Town

2009-05-18T19:59:00.000-07:00

Inglaterra siempre ha sido cuna de grandes agrupaciones musicales, especialmente agrupaciones de “Rock & Roll”.
En el año 1985 en Inglaterra, específicamente el pueblo de Wilmslow, nace la banda de “Indie Rock” “The Doves”.

25 años después en el año 2005 “The Doves” saca al mercado su tercer álbum de estudio titulado “Some cities”. En este álbum se encuentra una de las canciones más conocidas de la agrupación inglesa. Esta lleva por título “Black And White Town”

Se dice que la canción va dedicada al pueblo de Wilmslow. Este pueblo está ubicado en las cercanías de la ciudad de Manchester. Es de pequeño tamaño, tiene pocas atracciones turísticas, y como la gran parte de Inglaterra, un clima lluvioso la mayor parte del año. Estas razones explicarían el motivo por el que se le da el nombre de “Black And White Town”.

Esta canción me parece interesante por los instrumentos que juegan el papel principal. Lo más común en una canción de “Rock” es escuchar una melodía liderizada por la guitarra. “Black And White Town” posee una guitarra durante toda su duración, sin embargo es únicamente en el solo de dicho instrumento que esta se luce realmente.
Durante el resto de la canción, mejor dicho, durante la mayor parte de la canción los instrumentos que mandan son la batería de Andy Williams y el teclado de Martin Rebelski.

El tema comienza con unos golpes fuertes de batería que se mantienen marcando el tempo durante toda la canción, y luego se añaden el resto de los instrumentos, entre los cuales destaca el teclado marcando también un ritmo y tiempo fuerte.

En la canción, Jez Williams, cantante y guitarrista principal, nos habla sobre una ciudad de la cual debe escapar. Nos dice que por fin llegó la acción, por fin tiene una oportunidad. Alrededor de la mitad de la canción Jez dice que buscando los caminos de esta vida uno tiene que tener cuidado con no tropezar y romperse la cabeza con el suelo de concreto, hay que tener cuidado, “este es un lugar peligroso, aquí no hay nada”.

Al prestar atención a esta lírica, podríamos pensar que, al decir todas estas cosas, el titulo de la canción “Black And White Town” no necesariamente, o únicamente, se refiere al pueblo de Wilmslow, sino a algun sentimiento o estado de animo del cual hay que escapar como sea.

Esta canción fue utilizada por la BBC en el año 2005 durante un torneo llamado “2005 Six Nations Rugby Tournament” y para el juego de video “FIFA 2006”

Con un tempo fuertemente marcado y una melodía que se podría catalogar de agresiva, la canción “Black And White Town” es ejemplo de la buena música creada por las bandas inglesas.

Tema: Black And White Town
Artista: The Doves
Album: Some Cities
Género: British Indie Rock
Año: 2005

Fire Coming Out Of The Monkey´s Head

2009-05-13T19:17:00.000-07:00

La agrupación virtual “Gorillaz” se ha establecido como una de las bandas experimentales más afamadas de los últimos años. Esta banda se ha caracterizado por crear canciones poco ortodoxas, en las que juegan con ritmos variados, temas controversiales, dobles sentidos y mensajes encriptados.

Un buen ejemplo, para explicar la clase de juegos y experimentos que maneja esta banda, es la canción “Fire Coming Out Of The Monkey’s Head”.

En el año 2005 “Gorillaz” publica su segundo álbum de estudio titulado “Demon Days”.
Éste es un trabajo más oscuro y más maduro que su primer álbum (Gorillaz 2001) en el cual se tratan temas como la guerra y la religión.

Sobre la canción “Fire Coming Out Of The Monkey’s Head” hay mucho que hablar, comenzaremos por su extensa y densa lírica.

Para empezar, hay que destacar que la voz de esta canción está desprovista de melodía. Está efectuada en la forma de arte literario conocida como “Palabra Dicha” o “Spoken Word”, en la cual la letra de la canción se ejecuta hablando y no cantando. Ésto logra, durante todo el single, un efecto de seriedad y oscuridad que van acorde con el tema de la canción.

La canción narra la historia de un pueblo al pie de una gran montaña llamada “Monkey”. Este pueblo estaba habitado por unas personas pacíficas conocidas como “Happy Folk” quienes no estaban al tanto de la violencia y crueldad del mundo real.
Un día al pueblo llegaron unos personajes misteriosos llamados “Strange Folk”, quienes escalaron la montaña, comenzaron a minarla y ésta explotó y eliminó la existencia de los “Happy Folk”

La letra de esta canción tiene innumerables interpretaciones. Desde simples explicaciones que dicen que la montaña era un volcán que hizo erupción (hay incluso comparaciones con el Krakatoa), o que simplemente exploto por dinamita usada por los mineros. Hasta algunas explicaciones más profundas como una comparación con la invasión de los Estados Unidos a Irak (siendo los americanos los llamados “Strange Folk”), la historia de la sociedad (Fuertes civilizaciones eliminan a las más débiles explotando sus recursos), o incluso un análisis comparativo de un pasaje de la Biblia (Micah 4. habla sobre una invasión a una montaña. También el hecho que en la montaña ficticia “Monkey” descansen el alma de los hacedores de bien pueda tener que ver con la religión).

En el intermedio cantado por 2d se habla sobre referencias a la guerra, pero también se mencionan referencias a la crueldad del ser humano. Esto le podría dar a la canción un aire social.

En mi opinión la banda quería crear este caos. Sus miembros (Ni los ficticios ni los reales) han dado una explicación exacta de este tema, así que queda a opinión de cada uno de los escuchas. Lo que si se ha aclarado es que esta canción forma parte de una historia compuesta por tres canciones del álbum: “Fire Coming Out Of The Monkey’s Head” la primera, “Dont Get Lost In Heaven” la segunda y “Demon Days” la tercera. Estas tres canciones, se dice, hablan sobre el fin de los tiempos.

Con respecto a la musicalidad, encontramos una mezcla típica de “Gorillaz”, que consiste en instrumentos electrónicos junto a instrumentos clásicos, en este caso el piano. Los electrónicos suenan junto a la profunda voz de Dennis Hopper, (Spoken Word”) conocido actor y director de cine y el piano suena junto a la voz del cantante
2d, el cual si canta en una especie coro que hace intermedio a la narración de Hopper.

La melodía de las estrofas cuenta con un golpe de bajo y varios de guitarra, los cuales crean una melodía alegre, sin embargo las voces de fondo que murmuran, la voz hablada de Hopper y el piano crean una mezcla algo tétrica y oscura que va bien con el oscuro tema de la canción.

Concluyendo, esta canción es una bastante diferente, especialmente en melodía y musicalidad. Vale la pena escucharla solo por la infeliz historia de los “Happy Folk” y para que ustedes mismos puedan elaborar una conclusión.

Tema: Fire Coming Out Of The Monkey's Head
Artista: Gorillaz
Album: Demon Days
Género: Rock Experimental
Año:2005

Reptilia

2009-05-07T19:11:00.000-07:00

En el año 2003, la banda neoyorkina “The Strokes” dio a conocer su segundo trabajo de estudio titulado “Room On Fire”. Como segundo single de este álbum tenemos una de las canciones más conocidas de este grupo, ésta tiene por nombre: “Reptilia”.

El nombre “Reptilia” no viene de la clasificación científica de los animales que conocemos comúnmente como reptiles, sino que tiene un significado un poco más rebuscado. “The Strokes” tituló esta canción con este nombre, refiriéndose al “reptilean complex” conocido en nuestro idioma como el “cerebro reptiliano”. Este cerebro, que no es en realidad sino una parte del cerebro humano, comprende el tallo cerebral y regula los elementos básicos de sobrevivencia; es compulsivo y estereotipado, y a su vez controla las emociones básicas como el amor o el odio.

Esto se explica una vez que se escucha la canción. Cuenta la historia de dos personas que se encuentran y comienzan una relación. Técnicamente se podría decir que es cariño o incluso amor. Sin embargo, este “amor” esta llevado de manera violenta y ruda.
Esto se podría entender como un “one night stand” o una noche única de sexo entre los protagonistas de la canción.

Musicalmente, es mi canción favorita de este grupo y una de mis favoritas en general.
Comienza con un buen beat de batería (Fabrizio Moretti) y una línea de bajo (Nikolai Fraiture), a la que se añaden ambas guitarras, tanto la rítmica (Albert Hammond) como la “primera guitarra” (Nick Valensi). Lo último en añadirse a los instrumentos es la voz del cantante Julian Casablancas.

La canción comienza con bastante energía la que disminuye en el momento de las estrofas, en la que solo queda la batería marcando el tiempo y la guitarra en un punteo. Luego, en el pre-coro toma fuerza de nuevo. Pero es en el “riff” después del pre-coro, y en el coro, que esta canción muestra la razón por la que la considero una de las mejores.

El “riff” de guitarra antes del coro consiste en un simple chasqueo de cuatro acordes que es en realidad lo que llama la atención de la canción la primera vez que se escucha. Luego tenemos el coro, en el cual lo que mas llama la atención es el punteo de guitarra. Este punteo es bastante rápido, pero a la vez es bastante melodioso y suena liso y llevadero. La guitarra en el coro complementa el sentido de la canción de odio y amor. La rapidez y su unión con el resto de los instrumentos hace que se escuche acelerado y descontrolado, pero una vez que se escucha detenidamente se puede notar lo melodioso y “tranquilo” que realmente es.

Esta canción aparece en los conocidos juegos de “Rock Band” y “Guitar Hero III: Legends Of Rock”.

A pesar de que suene ruda y tosca la primera vez, vale la pena escucharla por lo menos dos veces.

Tema: Reptilia
Artista: The Strokes
Album: Room On Fire
Género: Punk/Garage Rock
Año: 2003

Top 15 "Covers"

2009-04-22T20:01:00.000-07:00

En el mundo existen millones de canciones, y como suele ocurrir cuando hay muchos ejemplares de la misma cosa, hay algunas canciones que son mejores que otras.

Por esta razón, algunas bandas crean los “covers”. Estos “covers” consisten en una versión de una canción ya existente. A esta nueva versión quizá se le añadan características típicas de su nuevo intérprete, o quizá se intente tocar lo más parecida a la original. Incluso hay canciones que son más conocidas por su "cover" que por su versión original.

Lo que si es cierto es que al igual que cualquier otra canción, hay “covers” que son mejores que muchos otros. Es por esta razón que “Don’t Stop The Music” les trae a continuación su segundo conteo:

Top 15 "Covers"

#15- Lovesong.
En el año 1989 el grupo británico de “Rock”, “The Cure” da a conocer el tema “Lovesong”. Este tema es uno de los más conocidos de este grupo, y el más famoso (según las listas de éxito) en los Estados Unidos. Esta canción ha sido versionada por varios grupos, entre ellos “Good Charlotte” y el que destacamos en nuestro conteo: “Anberlin”. En el año 2003 “Anberlin” da a conocer su “cover” del tema “Lovesong”. Este a pesar de llevar más influencias del “Punk Rock” y ser más pesado, conserva el mismo tono triste de la original, manteniendo la esencia de la canción de “The Cure”.

#14- Knocking on Heaven’s Door.
Originalmente escrita e interpretada por Bob Dylan para la película “Pat Garrett & Billy the Kid”, esta canción acústica de “Folk” es más conocida por sus versiones del británico Eric Clapton y la banda de “Rock” americana “Guns N’ Roses”. La versión de “Guns N’ Roses” fue grabada en estudio en el año 1990. En esta versión notamos el cambio de “Folk” a “Rock” especialmente por la guitarra de “Slash”.

#13- I’m a Believer.
Es difícil creer que la versión alegre y eléctrica de “Smash Mouth” sea una derivación de una original, más pausada y menos alegre de Neil Diamond. “Smash Mouth” tomó una canción que se merecía ser más alegre y le añadió todas las características principales de la banda para crear una versión más alegre y movida de esta canción. Esta nueva versión de “Smash Mouth” es la que generalmente la gente conoce y la que realmente le dio fama a este tema original de Neil Diamond.

#12- Something Stupid.
En el año 1963 C. Carson Parks y su esposa Gaile Foote, compusieron y grabaron esta canción. Sin embargo esta canción fue hecha famosa en dos ocasiones diferentes por dos intérpretes diferentes. Primero en el año 1967 por Frank Sinatra y su hija Nancy Sinatra y luego en el año 2001 por Robbie Williams y Nicole Kidman. Las tres versiones son prácticamente iguales, mantienen la misma melodía, tempo y esencia. Las únicas diferencias las encontramos en las voces de los distintos intérpretes.
PD: En los playlist, las versiones que se comparan son las de Sinatra e hija y Williams y Kidman.

#11- Love Rollercoaster.
“The Ohio Players” fueron los compositores originales de esta canción en el año 1975.
21 años después el grupo “Red Hot Chili Peppers” versiona este éxito y le añade todas sus influencias del “Funk” además de añadir versos en forma de “Rap” y cambiar los instrumentos de viento de la canción por una harmónica. La versión de los “Chili Peppers” resulta más alegre y más jocosa que la original. Ésta formó parte de la banda sonora de la película “Beavis & Butt-head do America”.

#10- Tainted Love.
En 1891 Ed Cobb del grupo “The Four Preps” escribio el tema “Tainted Love” para la cantante Gloria Jones. Esta canción originalmente es un tema suave y relajado que cambiara drásticamente con el “Cover” hecho por Marilyn Manson. Manson tomo este tema y lo transformó en una canción pesada y violenta, dos caracteristicas principales de este cantautor.

#9- Nothing Compares 2 U.
La canción original de “Prince” del año 1981 fue escrita para ser interpretada tanto por el como por el grupo de “Funk” “The family”. Esta canción realmente conoció la fama cuando la cantante Sinead O’Connor dio a conocer su versión en el año 1990. O’Connor convirtió esta canción en un éxito número uno en varios países, y su versión figura en el número 77 en la lista de las 100 mejores canciones del mundo de “Billboard” y de número 162 en la lista de las 500 mejores canciones del mundo de la revista “Rollin’ Stone”.

#8- Shout.
La banda británica “Tears For Fears” lanzó este éxito a la fama en el año 1985. En el año 2000, la voz característica de Roland Orzabal fue sustituida por la fuerte voz del cantante americano David Draiman, vocalista principal de la banda “Disturbed” en el tema “Shout 2000”. La versión del grupo de “Hard metal” cumple con la misma melodía de la original, solo que la altera con unos instrumentos más pesados y unos gritos que le dan justicia al titulo de la canción.

#7-American Pie.
En el año 2000 la cantante de “Pop” Madonna transformo una canción del género “Folk-Rock” al grandísimo éxito que hoy conocemos como “American Pie”.
Don Mc’Lean es el autor original de esta canción, quien la compuso como un recordatorio al “Día que la música murió” refiriéndose al accidente de avión que cegó la vida de tres estrellas del “Rock”, entre ellas “Buddy Holly”.
Madonna acorta el tiempo de esta canción, la cambia del género “Rock” a “Pop” y la convierte en uno de sus temas más conocidos.

#6- Last Kiss.
Esta canción originaria de Wayne Cochran ha sido versionada gran cantidad de veces. Frank Wilson, “The Cavaliers” y “Los Impalas” han sido algunos de estos grupos, sin embargo, el “Cover” que figura en nuestra lista es el de “Pearl Jam”.
“Pearl Jam” es quien realmente da a conocer este tema en el año 1999. Ésta canción se ha convertido en una de las más famosas de la banda, y es sin duda la versión más conocida de esta canción.

#5- I Will Always Love You.
Pocas personas saben que el éxito hecho famoso por Whitney Houston en la película “The Bodyguard” en el año 1992, “I Will Always Love You”, es original de Dolly Parton, y es, en realidad del año 1973.
Whitney Houston le dio una potencia extraordinaria a este tema, el cual deja al original de Dolly Parton en el olvido.

#4- Can’t Help Falling In Love.
Desde que Elvis Presley interpretó este tema, ha sido victima de innumerables versiones de artistas altamente conocidos como los son: Perry Como, Bob Dylan, Bruce Springsteen, U2, “The Eels”, Clay Aiken, Julio Iglesias, Andrea Boccelli, Mago de Oz, “Dave Mathwees band” y, quizá el más conocido, el grupo britanico UB40.
UB40 añade todos los elementos del “Reggae” y modifica esta pieza para convertirla en uno de sus temas más conocidos.

#3- Baby I Love Your Way.
De nuevo UB40 en nuestro conteo, esta vez con el tema original de Peter Frampton, al igual que con el tema #4 de nuestro conteo, el grupo toma un clásico de la música del “Rock” y lo modifica totalmente al género “Reggae”, brindándonos de nuevo, una pieza más conocida que la original.

#2- Smooth Criminal.
En el año 1988 Michael Jackson lanza al mercado su álbum “Bad”. En este álbum esta la canción “Smooth Criminal”. Esta excelente canción tiene un ritmo rápido y un tempo fuertemente marcado que da un aire de misterio a la canción. Esta marcación de tempo es mantenida en la versión del grupo de “Rock” “Alien Ant Farm”. Sin embargo la velocidad cambia y la canción se torna más rápida. La añadidura de una guitarra eléctrica durante toda la canción hace que el tema de Michael Jackson se haya convertido en uno de los mejores temas de “Rock” de la última década y haya desempolvado un tema tan excelente como lo es “Smooth Criminal”.

#1- Whiskey In The Jar.
La idea de hacer un “Cover” es tomar un tema ya excelente, mezclarlo con un nuevo estilo o ideal musical y mostrarlo al mundo de nuevo. Todos los “covers” figurados en esta lista, por más parecidos que sean a su versión original, la modifican de alguna manera. Sin embargo nadie hace esto como lo hace el #1 de este conteo.
La canción “Whiskey in The Jar” es, originalmente, una canción folklórica irlandesa cantada en bares (irish drinking song). Al ser una canción coloquial es bastante difícil encontrar su autor original, sin embargo el grupo “The Dubliners” se encargo de dar a conocer al mundo esta canción en el año 1970.
La canción cuenta con las características de una canción típica de Irlanda, esta interpretada con violines y un ritmo alegre, apto para beber y cantar.
En el año 1998 el grupo americano “Metallica” se encarga de versionar esta canción y el resultado es realmente magistral.
Me explico, que una de las canciones más conocidas de un grupo de “Heavy Metal” tan famoso como “Metallica” sea una versión de una canción folklórica irlandesa, quiere decir que el trabajo hecho por dicha agrupación es verdaderamente fantástico. Es por esto que “Whiskey in The Jar” es nuestro “cover” número 1.

PD: El primer "Playlist" muestra las versiones originales de las canciones del conteo, el segundo, muestra los "covers" de dichas canciones.

Rock Lobster

2009-04-18T20:53:00.000-07:00

Langosta espinosa: “Crustáceo de la familia de las “palinuridae”, que alcanza hasta cincuenta decímetros de longitud, con todas sus patas terminadas en pinzas pequeñas, cuatro antenas, dos centrales cortas y dos laterales muy largas y fuertes, ojos prominentes, cuerpo casi cilíndrico, y cola larga y gruesa. Es de color fusco que se vuelve rojo por la cocción. Vive en alta mar, y su carne se tiene por manjar delicado.”

Esto es lo que entiende la “Real Academia Española” por Langosta Espinosa, sin embargo en “Don’t Stop The Music” nos referiremos a la langosta espinosa como “Rock Lobster” y la definiremos como:

Rock Lobster: Primer single de la agrupación americana “The B-52’s”, parte del álbum homónimo de la banda lanzado al mercado en el año de 1978”

En el año 1978 “The B-52’s” se lanza al estrellato con la canción “Rock Lobster”, un tema que fusiona elementos del “Rock” de la década de los 70 y 80 creando una combinación de “clásico” y “locura” denominada “New Wave” (la reinvención del “Rock & Roll”.

Musicalmente este tema logra que el escucha quede con la melodía sonando en su cabeza. Comienza con un simple punteo de guitarra al que se añade el bajo y el teclado y por último la batería y una campana de percusión operada por Fred Schneider, vocalista principal de la banda. Se podría decir que la canción mantiene durante toda su duración un ritmo y un tempo fuertemente marcado principalmente por la voz del cantante, tanto en la estrofa como en el coro. Esta marcación se rompe en el momento en que comienza el solo, en el cual se retoman elementos de un “Rock & Roll” más clásico con punteos relevantes de guitarra.

Dos elemento que resaltan en el transcurso de toda la canción son las voces de kate Pierson y Cindy Wilson, quienes acompañan al vocalista con intervenciones principalmente cortas y proveen “efectos especiales” al final de la canción, y el teclado que brinda la línea principal de melodía en la mayor parte de la canción. Este teclado, opino, es lo que le da a la canción (además de la letra) un tono jocoso, ya que se escucha como un juego de video o una comiquita.

Con respecto a la letra de la canción, realmente no hay mucho que decir. El cantante habla sobre varios eventos sociales, como una fiesta o una visita a la playa, en la que repentinamente aparece el famoso crustáceo, protagonista de la canción.
En los momentos finales de la canción, después del solo, el cantante excitadamente grita nombres de animales marinos. Estos gritos son respondidos por los “efectos especiales” de las coristas.

Este tema ha figurado en programas de televisión como “Family Guy” y “Saturday Night Live”. Además figura de número 146 en la “List Of Great Songs” de la revista “Rolling Stone” y figura en “The Rock & Roll Hall of Fame’s 500 Songs that Shaped Rock & Roll”, una lista elaborada por el salon de la fama del “Rock & Roll” en el cual figuran las canciones que (según ellos) han formado de alguna manera la historia del R&R.

Tema: Rock Lobster
Artista: The B-52's
Album: The B-52's
Género: New Wave (Rock)
Año:1978

Playing For Change

2009-04-11T22:41:00.000-07:00

No es una canción, tampoco es un grupo musical. “Playing For Change” es una organización que prueba que hay varias maneras de unir naciones y aportar a las comunidades más necesitadas.

La PFCF (Playing for change foundation) se dedica a conectar el mundo a través del maravilloso instrumento de la música. Sus miembros viajan alrededor del mundo visitando todo tipo de lugares, desde los más privilegiados a los más necesitados. En estos lugares no solo hacen grabaciones con todo tipo de personas y todo tipo de instrumentos sino que hacen donaciones a las comunidades más necesitadas.

Algunas de las donaciones más significativas son el “Ntonga Music School” una escuela musical en la ciudad sur-africana de Gugulethu, un refugio para los refugiados tibetanos y el “Mehlo Arts Center” una escuela de arte ubicada en el centro de Johannesburgo.

En estos centros, además de proveer instrumentos y educación musical y/o artistica, buscan una manera de hacer que los jóvenes de dichas comunidades se eduquen y encuentren una manera de salir adelante.

En mi opinión me parece una idea excelente, en los videos se puede ver que con una simple canción, que con el lenguaje de la música, todo el mundo se puede conectar. Algo tan simple y cotidiano como es la música nos hace ver lo iguales que somos todos. Credo, raza, estatus social, educación o modo de vida, todas estas barreras son rotas con una simple canción.

Es simplemente erizante. Los pelos se ponen de punta al ver a tantas personas diferentes unidas bajo la misma melodía.

La PFCF nos muestra una manera original y diferente de contribuir con nuestro mundo. Y que mejor manera de hacerlo que con la música.

Las canciones que aparecen en los videos son:
-“Stand By Me” de Ben E. King
-“Don’t Worry” de Playing For A Change
-“One Love” de Bob Marley

Son cosas como esta las que me motivaron a abrir este blog, que la gente se de cuenta que la música es más de lo que aparenta, y que puede ayudar y estimular a alguien a salir adelante…

PD: En el playlist de la página se ha añadido el tema "Stand By Me" en la versión de "Playing For Change".

Soldier Side

2009-04-06T19:33:00.000-07:00

En sus principios, muchos grupos de “Rock” nacieron como un medio de protesta contra los gobiernos y las situaciones que vivía la gente en ese momento. De más está destacar todos los movimientos “Hippies” que utilizaban la música como arma de paz y protesta.

Por mucho tiempo, se podría decir, que muchos grupos de “Rock” perdieron o se alejaron de ese concepto, y simplemente creaban su música, pero la protesta no era su principal interés.

Sin embargo, como todo en este mundo, este caso tiene sus excepciones.

El grupo de “Rock pesado” “System Of A Down” se caracteriza porque muchas de sus canciones funcionan como quejas, más que todo a la sociedad del mundo moderno, pero también a la política y los políticos.

La canción “Soldier Side” de su álbum “Hypnotize” (último álbum de la banda antes de tomar un descanso que todavía continúa) habla de la guerra, de los soldados, de la vida que llevan y el sufrimiento que cargan.

Una de las características de de este grupo musical, es la profundidad y la poesía (por así decirlo) contenidas en las letras de sus canciones, “Soldier Side” no es la excepción.
Tanto Serj Tankian (cantante) como Daron Malakian (guitarrista) escriben canciones con mucha carga emocional y sobre temas pesados. Muchas de sus letras, muchas frases en especifico, dan mucho que pensar. “Soldier Side” habla sobre madres que lloran a sus hijos, jóvenes que van a la guerra, jóvenes en su lecho de muerte que esperan alguna especie de salvación.

“Soldier Side” habla sobre una tragedia tan grande (guerra) que deja tantas bajas, que incluso Dios se viste de luto.

Letras fuertes y pesadas para un tema fuerte y pesado.

Musicalmente esta canción cuenta con muchas características elementales del grupo. Estas son: una guitarra pesada con punteos rápidos, (considero a Malakian como uno de los mejores guitarristas del “Rock”) la voz inconfundible de Serj Tankian (acompañado en este tema por Daron Malakian), la batería con muchos platos de John Dolmayan y el bajo que acompaña de Shavo Odadjian.

A pesar de todo lo anteriormente descrito, esta canción es mucho más lenta y mucho más suave que la mayoría de las canciones de esta agrupación.

El video de la canción, por tratarse ésta de un tema de guerra, muestra imágenes reales de diferentes conflictos de alrededor del mundo.

“Soldier Side” es una canción melancólica pesada que trata sobre un tema bastante duro para muchas personas. Al ser escuchada puede llegar a ponerlo a uno a pensar en todo lo que está ocurriendo en este mundo, y en todo el dolor que existe en muchos países por culpa de la guerra.

Tema: Soldier Side
Artista: System Of A Down
Album: Hypnotize
Género: Hard Rock
Año: 2005

Hide And Seek

2009-04-02T19:31:00.000-07:00

La mayor parte de la música que escuchamos día a día, sea cual sea su género, consta de, además de la voz del cantante, alguno que otro instrumento musical que ayude a mantener el ritmo, el tempo y la melodía. Luego, tenemos esas canciones que no cuentan con vocalización alguna: música clásica, “jammings” de “Jazz” o cualquier instrumental de cualquier grupo de “Pop” o “Rock”.

Sin embargo estamos menos acostumbrados a escuchar una canción cuyo único instrumento musical sea la voz del cantante. A este tipo de música la conocemos como “A-Capella”.

En el 2005 la cantautora Imogen Heap saca al mercado su álbum “Speak For Yourself” en el cual figura una de sus canciones más conocidas “Hide And Seek”.

El tema “Hide And Seek” consta únicamente de la voz de la cantautora y de un “harmonizador”. El “harmonizador” (nombre que le da la cantante a un sintetizador) es un aparato eléctrico encargado de “filtrar” la voz reproduciéndola de manera diferente a lo que sonaría originalmente, es decir, la voz entra al aparato de una manera, y sale de este, a oídos del publico, de una manera diferente.

En esta canción no considero a este aparato como un instrumento musical debido a que no acompaña a la cantante. Éste altera su voz para transformarla y crear un efecto alterado como si hubiese varias voces a la vez. Es decir, aunque exista la presencia de este “harmonizador” el único emisor de sonido original en la canción es la cantante.

Ahora entremos en la canción. Líricamente tenemos una canción triste. Cuenta la historia de una mujer que es dejada por su pareja, todo en su vida ha cambiado, todo en su entorno ha cambiado. La Cantante habla con una persona, presuntamente su pareja, y rechaza sus excusas, le dice que no le cree, le dice que no es importante para él.

Sin embargo esta canción es realmente interesante, vista desde el ángulo musical. La melodía y el tempo son totalmente apropiados para el tema que trata. Y más que todo, la ayuda del “harmonizador” le brinda a la canción un aire de extrema tristeza y melancolía. En mi opinión la cantante maneja de manera extraordinaria los cambios de volumen en su voz y sus tonos vocales. Estos cambios junto con el “harmonizador” crean efectos de sonido que dan la impresión de que la cantante estuviese llorando.

Además de esto, hay un cambio de tempo casi al final de la canción que denota una especie de revelación en la canción. La cantante pasa los primeros minutos de la misma en una especie de lamento, y luego de este cambio de velocidad refuta las excusas de su expareja.

Debido a su tono de melancolía y tristeza, este tema ha sido utilizado para varias series de televisión y películas, entre ellas tenemos: Las series “The O.C”, “So You Think You Can Dance”, “Smith”, “The L Word”, “The Real World: Sidney”, “CSI: Miami”, “Lost”, “Heroes”, la versión noruega de “Survivor” y la película “The Last Kiss”.

Es una canción realmente interesante, es de esas que no son comunes y que verdaderamente vale la pena escuchar.

Tema: Hide And Seek
Artista: Imogen Heap
Album: Speak For Yourself
Género: Pop electrónico alternativo
Año: 2005

PD: En el video la cantante toca con un piano. Sin embargo en la versión original del CD no cuenta con ningun instrumento.

Mein Teil

2009-03-29T21:17:00.000-07:00

Fuera del mundo musical, ese mundo perfecto donde todo puede ser realidad, tenemos nuestro mundo, el mundo real, el mundo en el que vivimos. En este mundo suceden todo tipo de cosas extremadamente alejadas de la perfección. Muchos de estos acontecimientos catalogados como controversiales, son tomados por los músicos para componer sus temas.

“El caso es tan depravado que resulta fascinante y simplemente tenía que haber una canción sobre ello". Esto es lo que declara Till Lindemann, vocalista de la agrupación “Rammstein”, sobre el tema de su canción “Mein Teil”.

Para entender la canción, un poco de historia…

En marzo del año 2001, Bernd Jürgen Brandes respondió un anuncio publicado en una página por Internet que buscaba un “hombre musculoso entre 18 y 30 años para ser sacrificado y luego consumido”. Este anuncio fue publicado por Armin Meiwes mejor conocido como “El Caníbal de Rotemburgo”.

Brandes asistió al encuentro con Meiwes voluntariamente. En esta reunión Meiwes corto el pene de Brandes y, juntos, intentaron comerlo. Luego, Meiwes dejó que su victima voluntaria muriese de desangramiento, colgó su cuerpo en un gancho para carne y se alimento de este por diez meses.

Meiwes confesó este acto en corte y además, la policía encontró en su apartamento un video de dos horas de duración en el cual aparece toda la escena anteriormente descrita.

En el año 2004 el grupo alemán “Rammstein” saca al mercado su álbum de estudio titulado “Reise reise”. En este álbum se encuentra el tema “Mein Teil” cuya traducción al español es “Mi Parte”, refiriéndose al pene de Bernd Jürgen Brandes y, más concretamente, al caso de Armin Meiwes.

“Mein Teil” cuenta la manera en que ocurrió el suceso del “Caníbal de Rotemburgo” según se lo imaginaron los miembros de la banda.

La letra es la historia de lo que ocurrió, y cabe destacar dos partes en específico.La primera es el inicio de la canción. En esta parte se escuchan unos cuchillos afilandose yuna especie de transmisión de radio que dice: “Suche gut gebauten Achtzehn bis Dreißigjährigen zum Schlachten - Der Metzgermeister” o “Se buscan personas en buena forma entre 18 y 30 anos para asesinato - el carnicero maestro” (nada de esto se escucha en la versión del LP "Reise reise", sin embargo aparece en la version del single "Mein Teil"). Este fue el mensaje que dejo Meiwes en la página de Internet. La segunda es el pre-coro y el coro de la canción. En el pre-coro escuchamos: “Denn du bist, was du isst, und ihr wisst, was es ist” o “por que tu eres lo que comes y ustedes saben, que es lo que es”. Y en el coro: “Es ist mein Teil –nein Mein Teil – nein, Denn das ist mein Teil – nein, Mein Teil – nein” o “es mi parte – no, mi parte – no, ahi esa es mi parte – no, mi parte – no”.

Con respecto a la música, “Rammstein” forma parte del género conocido como “Metal Industrial” esto quiere decir que mezcla la instrumentación pesada del “Heavy Metal” y los elementos electrónicos de la “Música Industrial”. Esto crea el sonido pesado y fuerte de “Rammstein”, que podemos notar justamente en las “explosiones vocales” de Lindemann en el momento antes del coro. Esta canción, no solo es violenta líricamente, en su música también lo es, la Guitarra pesada de Richard Kruspe, el sintetizador de “Flake” y la voz de Lindemann crean un mezcla tenebrosa y compacta que hacen que, al escuchar la canción, probablemente uno se ponga de mal humor debido al contagio de la oscuridad que esta transmite.

Esta canción por tratar de un tema tan controversial como lo fue el caso de Armin Meiwes se podría catalogar a su vez como una canción controversial u oscura. Sin embargo este tema recibió una nominación para los “Grammy” como “Mejor actuación de música Metal”.

El video, como cabe esperar, es uno de los más crudos que se han publicado en este blog. En este se muestran a los miembros de la banda actuando de peculiares maneras. Este video fue censurado por la rama alemana de “MTV” quien prohibió su divulgación antes de las once de la noche.

Tema: Mein Teil
Artista: Rammstein
Album: Reise Reise
Género: Metal Industrial
Año: 2004

PD: para todos aquellos lectores que no dominen el alemán, aquí está la lírica de "Mein Teil" en español:

[Se buscan personas en buena forma
entre 18 y 30 anos para asesinato
- el carnicero maestro]
Hoy me encontre con un hombre
que puede devormarme con gusto
partes blandas pero tambien duras
estan en la carta /menu
por que tu eres lo que comes
y ustedes saben, que es lo que es
es mi parte - no
mi parte - no
ahi esa es mi parte - no
mi parte - no
el cuchillo sin filo bueno y derecho
yo sangro demasiado y me siento mal
debo yo tambien luchar contra el desmayo
sigo comiendo bajo calambres
está bien condimentado y flameado tan bien
y tan bien servido en porcelana
con esto un buen vino y suave luz de vela
Sí, me tomo tiempo, algo de cultura debe haber
por que tu eres lo que comes
y ustedes saben, que es lo que es
es mi parte - no
mi parte - no
ahi esa es mi parte - no
sí es mi parte - no
un grito volara al cielo
atraviesa por una bandada de ángeles
del techo de las nubes cae carne de plumas
sobre mi infancia con sufrimiento
es mi parte - no
mi parte - no
ahi esa es mi parte - no
sí es mi parte - no

Top 15 "Sexy"

2009-03-25T22:19:00.001-07:00

La industria musical ha crecido sin detenerse con el pasar de los años. Se dejó de tratar únicamente de la música y de los artistas para que comenzaran a salir canales de televisión, revistas, libros, enciclopedias, etc. Todo esto, obviamente, no detuvo la salida de nuevos artista, y mucho menos nuevas canciones.

Con una industria tan grande y un objeto de consumo tan masivo como es la música, se idearon maneras de promocionar tanto las canciones como los nuevos medios de difusión de la música. De esta manera se crearon los conocidos “Countdowns” o “Tops”.

Con estos nuevos instrumentos se median mano a mano las canciones luchando por conseguir el lugar más alto de estas listas: el puesto número 1.

Varios de estos “countdowns” han obtenido prestigio y figurar en estos es un honor para cualquier banda musical. Algunos ejemplos son el “Billboard” y los “countdowns” o “tops” de “MTV” o “Rolling Stone Magazine”.

Siendo un blog musical, basado específicamente en canciones, me pareció oportuno crear mi propio “top” en el cual organizare las canciones dependiendo de un tópico que yo mismo asignare. Las canciones serán escogidas y el orden será dado primordialmente según mi propia opinión.

Sin más preámbulo, el primer “Top” de “Dont Stop The Music”.

En este mundo hay todo tipo de música. Estamos acostumbrados a escuchar diferentes tipos de música en diferentes lugares. Música disco o bailable en una fiesta o discoteca, música suave y melodiosa como fondo en un centro comercial o ascensor, etc. De la misma manera estamos acostumbrados a escuchar diferentes tipos de música según nuestros estados de ánimo. Música fuerte en momentos de rabia, música romántica en un momento de despecho, etc.

Sin embargo hay momentos, lugares y estados de ánimo que requieren un tipo específico de música. A continuación: “Top 15 Sexy”.

#15- Your Body Is A Wonderland- John Mayer.
Parte del CD de John Mayer titulado “Room for squares” esta canción es prácticamente el autor acompañado de su guitarra. “Your Body Is A Wonderland” ha sido catalogada como una de las peores canciones del mundo, y personalmente no soy del total agrado a John Mayer; sin embargo hay que admitir que es una canción sexy.
Se encuentra en este puesto porque es sexy básicamente por su letra, no obstante el ritmo es alegre y bastante movido, no lo suficientemente pausado para ser 100% sexy.

#14- Again- Lenny Kravitz.
Lenny Kravitz es considerado como uno de los artistas más sexys de los últimos tiempos, y además de esto es un músico muy talentoso. Esa energía sexy del artista fue traspasada a una de sus canciones: “Again”.
La canción “Again” es de un tempo más lento que la anterior y se comienzan a notar instrumentos de cuerda aparte de la guitarra, sin embargo sigue teniendo muchos elementos de la música “Rock” y es por eso que se encuentra en este puesto en el conteo.

#13- I Dont Wanna Miss A Thing- Aerosmith.
Parte del “Soundtrack” de la película “Armageddon”. Esta es una canción fuerte, sin embargo no deja de ser sexy. Supongo que es la mezcla de instrumentos clásicos con los instrumentos del “Rock” lo que le dan ese aire “dramático-medieval” que mezclado con la maravillosa voz de Steven Tyler (ronca y sexy) crean un aire “Sexy-fuerte”.
“I Dont Wanna Miss A Thing” se encuentra en este puesto porque aun tiene varios elementos del “Rock” que frenan levemente el ambiente “sexy”

#12- Insatiable- Darren Hayes.
Esta canción de Darren Hayes es la primera del conteo del género “Pop”, esto la hace diferente por el hecho de que se quedan afuera varios elementos del “Rock” clásico, como lo es la utilización de instrumentos eléctricos pesados.
Un tempo lento a la que se añade una buena voz con la buena utilización de falsetes crean el ambiente sexy de este tema. La tenemos a esta altura del conteo porque, a pesar de que el tempo disminuye con respecto a los temas anteriores, todavía hay partes muy “violentas” para llegar a ser completamente sexy.

#11- 2 Become 1- The Spice Girls
La primera canción del conteo que habla específicamente del acto físico de sexo.
Ya esta canción cuenta con el tempo perfecto para una canción sexy y el hecho de que sea el primer tema del conteo ejecutado por mujeres añade un extra que ninguna de las anteriores canciones posee.
“2 become 1” se encuentra en esta posición debido a su simplicidad, en mi opinión tanto la melodía como la letra podrían ser más profundas. (a esto me refiero según el conteo, ya que la canción de por si tiene una melodía y letra caracteristica de su género)

Entramos en las primeras 10 de nuestro conteo y cada vez se hace más difícil justificar los puestos. Todos comienzan a tener, prácticamente las mismas características.

#10- Practice What You Preach- Barry White.
Al pensar en música sexy, uno de los primeros artistas que nos viene a la mente es el famoso barítono Barry White. Lo primero que se escucha en el tema es el bajo, y luego la voz del cantante que está prácticamente en la misma nota del instrumento. Quien diga que una voz baja no es sexy, este tema debería empezar a darle algo en que pensar.

#9- Touch My Body- Mariah Carey.
Otra canción interpretada por una mujer. Este tema es totalmente sexual y agresivo en lo que concierne a la lírica, sin embargo, compensa con un tempo y un ritmo lento y melodioso. Esto último, en sumatoria con la dulce voz de Mariah Carey nos brinda un tema realmente sexy.

#8- You Can Leave Your Hat On- Joe Cocker.
Generalmente, al escuchar esta canción, pensamos en un striptease. Esto es porque esta canción, originaria de Randy Newman se hizo famosa por su versión de Joe Cocker en la película “Nine and a half weeks” en la cual suena de fondo en una escena de striptease. Además la canción está cantada a una mujer diciéndole que se quite la ropa. Esta canción es “sexy-violenta”, y una de las primeras que se nos viene a la mente al pensar en canciones sexy.

#7- Crash Into Me- Dave Matthews Band.
Dave Matthews nos brinda esta canción lenta e inundada de unos maravillosos acordes de guitarra. Lo que la hace sexy, además de la letra, y el acoplamiento de los instrumentos, es la voz del cantante y la manera en que lo canta. Un tono melancólico que acerca a la canción a la tristeza.

#6- Ill Make Love To You- Boyz II Men
Esta extraordinaria balada de este grupo “R&B” nos canta con una excelente melodía y un buen tempo una “carta de amor” de un hombre a una mujer.
Lo primordial de esta canción es la letra y las voces de los miembros del grupo, es esta mezcla la que ponen a este tema en este conteo y en esta posición.

#5- Unchained Melody- Righteous Brothers.
Hecha famosa por la película “Ghost”, “Unchained melody” es casi la perfección en la música sexy. Es una de las canciones más románticas del conteo, se podría decir que trata más sobre amor que sobre sexo. La voz del cantante, quien mantiene un tono alto durante toda la canción, es el elemento que hace que “Unchained Melody” sea sexy.

#4- Lets Get It On- Marvin Gaye.
Prácticamente en cualquier película o cualquier serie de televisión, si en algún momento quieren representar un momento sexy, esta es la canción que van a colocar. Con toda seguridad puedo decir que la mayoría de las personas han escuchado por lo menos los primeros minutos de esta canción. Esta es una de las canciones sexy por excelencia.

#3- Come On- Barry White.
Aquí tenemos otro éxito de Barry White. Al igual que la anterior, su voz conforma el intro de la canción. Conforme esta va avanzando el tempo sube y el ritmo se acelera creando el tema que recibe la medalla de bronce de nuestro conteo.

#2- Morena Mía- Miguel Bosé.
La primera y única canción en español del conteo. Hay algo en el idioma español que hace que sea más sexy que el ingles. Además de eso la utilización e influencia de instrumentos como la guitarra española, le añaden a este éxito las características necesarias para recibir la medalla de plata.

#1- Sexual Healing- Marvin Gaye.
La medalla de oro de nuestro conteo la recibe el segundo éxito de Marvin Gaye.
“Sexual Healing” lo tiene todo, el tempo perfecto, la melodía ideal, una letra excelente y la voz e interpretación de Marvin Gaye.
Es por esto que esta canción recibe el máximo honor en nuestra modesta lista, contiene una mezcla perfecta entre lírica, música e interpretación.
“Sexual Healing” es la perfección en música sexy.

Under Pressure

2009-03-20T20:57:00.000-07:00

Para la canción número 20 del blog, decidí analizar una de las joyas de un grupo tan legendario como Queen.

En muchas oportunidades dos artistas elaboran una canción en conjunto como colaboración entre ellos, pero muy pocas veces se unen dos monstruos de la música como lo son Queen y David Bowie para crear un tema. Esto sucedió en el año 1981, y el resultado fue una canción bestial titulada: “Under Pressure”.

David Bowie asistió a una grabación de estudio en Montreux, Suecia, para grabar voces de fondo de una canción del grupo Queen que llevaría por titulo “Cool Cat”. Sin embargo en una sesión de improvisación con los miembros de la banda, llegaron como resultado final a “Under Pressure”.

Una característica de las canciones de Queen, son sus líneas de bajo. Muchas de sus canciones comienzan simplemente con este instrumentos, en los primeros segundos de la canción podemos escuchar a John Deacon, bajista de la banda en la “Mejor línea de bajo de la historia de la música popular” según la revista de música “Stylus”. A esta línea musical se le añaden lentamente la guitarra de Brian May y el sintetizador del mismo Bowie, finalmente, como una especie de explosión, la batería de Roger Taylor y la mezcla erizante de las voces de Mercury y Bowie, reúnen a todos los elementos melódicos de la canción.

Durante el transcurso de la misma los instrumentos mantienen prácticamente la misma línea melódica de la introducción de la canción excepto en los coros, donde la tensión musical aumenta (acorde a la letra) para luego relajarse de nuevo.

Líricamente la canción habla sobre la presión que ejerce la sociedad actual en la vida de las personas. Esta presión ocasiona resultados como “dividir a familias en dos”, “Destruir edificaciones” o “poner a la gente en la calle”.
Sin embargo, la “explosión” lírica de la canción es en los últimos minutos de la misma.
La llamo explosión no solo por el tempo y ritmo que adopta, sino por lo que dice. Es en este momento álgido del tema en el cual los artistas nos deciden dar el verdadero mensaje de la canción.

"Insanity laughs under pressure we're cracking Can't we give ourselves one more chance Why can't we give love that one more chance Why can't we give love give love give love give love give love give love give love give love give love 'Cause love's such an old fashioned word And love dares you to care for The people on the edge of the night And loves dares you to change our way of Caring about ourselves This is our last dance"

Básicamente nos dice que la presión nos está aplastando que debemos darle una nueva oportunidad al amor, que el amor esta en peligro de desaparecer. “El amor nos reta a preocuparnos de las personas al borde de la noche, el amor nos reta a cambiar nuestra manera de querernos… este es nuestro ultimo baile”

La canción nos quiere poner a pensar que, a pesar de lo malo que se puedan poner las cosas, a pesar de lo podrida que este la sociedad, el amor debe prevalecer, debe sobrevivir. Sin embargo, debemos actuar rápido… “este es nuestro ultimo baile”… nuestra última oportunidad.

Esta canción llego a estar de número uno en el “UK Singles Chart” y fue catalogada por VH1 como la canción número 31 en “100 greatest songs of the 80’s”.

En mi opinión sí es en realidad una de las mejores canciones de los 80, y ¿por qué no? Una de las mejores canciones de la banda.

Tema: Under Pressure
Artista: Queen & David Bowie
Album: Under Pressure (single)/ Hot Space (Queen)
Género: Pop Rock
Año: 1981

PD: La primera foto muestra al gurpo Queen, la segunda, al cantante David Bowie, y la última, un encuentro entre Bowie y Freddy Mercury.

Seattle

2009-03-14T21:43:00.000-07:00

Uno de los nuevos representantes de la movida del “Rock” conocida como “Indie Rock” o “Alternative Rock”, es el grupo originario de Seattle, llamado “The Classic Crime”.

En su segundo “EP” (extended play: trabajo de estudio con más temas que un “Single”, pero menos que un “LP” o “Long Play”) y tercer trabajo de estudio titulado “Seattle Sessions”, “The Classic Crime” nos brinda una de sus más conocidas canciones titulada “Seattle”.

La canción “Seattle” es, en sumatoria, un tema triste y melancólico. La letra, es la que se encarga, particularmente, de delegarle esta denominación a la canción.

Ayuda a entender la letra de la canción que hablemos un poco sobre la ciudad de Seattle. Ésta ciudad es una de las más importantes de los Estados Unidos, está ubicada en el estado de Washington, en la costa del Océano Pacífico. Al estar localizada al norte del país (El estado de Washington limita con Canadá) es una ciudad fría prácticamente todo el año, y además de esto, Seattle está caracterizada por su altísima intensidad de precipitación. Todas estas características hacen que esta ciudad mantenga durante la mayor parte del año un ambiente triste y melancólico.

La lírica de “Seattle” nos canta sobre una persona que quiere alejarse de la ciudad, quiere irse a un lugar mejor. Incluso se llega a nombrar el estado de California (antónimo de Seattle). En el transcurso de la canción se nos nombra varias veces al agua, y el coro de la misma habla sobre como llueve sobre las esperanzas, sobre las almas y sobre un sueño que, “ridículamente” se persigue sin sentido.

La voz del cantante de la banda, Matt McDonald, añade el tono melancólico perfecto que la canción reclama; esto debido a los falsetes que ejecuta durante la misma.

Instrumentalmente, al ser una canción triste, la guitarra está cargada de acordes menores, el bajo provee una línea principal fuerte, notable especialmente al principio de la canción, y la batería se destaca principalmente por sus golpes de platillo. A pesar de que la canción es primordialmente lenta, y, se podría decir suave, conserva las características del “Rock”: una guitarra líder y una batería y bajo de soporte (esto se nota más que todo en el coro).

A medida que la canción avanza tanto la letra como la melodía se van alegrando, el cantante se va dando cuenta que Seattle es su hogar y el volumen y nivel de los instrumentos incrementa, especialmente por la repetición del coro.

En conclusión, “Seattle” es un buen tema para escuchar, mejor aun cuando se está en ánimos de algo triste o lento pero aun así, de algo que conserve la esencia del “Rock”.

Tema: Seattle
Artista: The Classic Crime
Album: Seattle Sessions
Género: Alternative Rock
Año: 2007

Ya no sé qué hacer conmigo

2009-03-09T19:40:00.000-07:00

Luego de 11 álbumes y 22 años juntos, la agrupación uruguaya “El Cuarteto de Nos” integrado por: Riki, Alvin, Rover y Santi, se dio a conocer en grande con su doceavo trabajo de estudio titulado “Raro”.

Uno de los temas más conocidos de este álbum, es el titulado “Ya no sé qué hacer conmigo”.

Esta agrupación se caracteriza por crear canciones diferentes, estas no destacan tanto por su melodía como lo hacen por su letra. La lírica de las canciones de “El Cuarteto de Nos” es rica y completa, es decir, la agrupación no se queda sin nada que decir y además lo dice de una manera jocosa, hecho que hace que sus canciones sean disfrutables. Se podría decir que en las canciones de esta agrupación hay más cantidad de lírica que en cualquier otra canción de la misma duración de cualquier otra banda musical.

Las estrofas de la canción “Ya no sé qué hacer conmigo” habla sobre todo lo que Rover (cantante principal) ha hecho en su vida, desde cosas como cambiar la cama de lugar hasta jugar a la ruleta rusa. Estas estrofas son largas en comparación con la duración de los coros, y siendo todas estas diferentes entre si, nos dan una variedad de acciones ejecutadas por el cantante cada una más excéntrica que la siguiente. Los coros dan nombre a la canción, en estos Rover explica que hay una voz que le dice que siempre está cambiando, y el, en respuesta se queja diciendo que cada vez está más igual y que no sabe que hacer con si mismo.

Toda la canción mantiene un ritmo latinoamericano, bastante notable específicamente en dos partes, la introducción de la canción y en el momento del solo de guitarra.

Como dije anteriormente, esta canción destaca más por su lírica que por su melodía, sin embargo podemos notar, además de los tres instrumentos principales (guitarra, bajo y batería) algunas añadiduras como otros elementos de percusión como la charrasca y una especie de maraca, y algunos sonidos electrónicos ejecutados por un sintetizador.

El video de esta canción es uno de mis favoritos. Simplemente muestra a los miembros de la banda tocando la canción, mientras en el fondo, o como único plano, aparece la letra de la canción con imágenes que hacen alusión a esta.

Tanto a la canción como el video vale la pena escucharlo y verlo, respectivamente, y de ser posible prestarle la mayor atención posible a la letra para así poder disfrutar de la canción.

Tema: Ya No Sé Qué Hacer Conmigo
Artista: El Cuarteto de Nos
Album: Raro
Género: Rock
Año: 2006

Can´t stop

2009-03-04T18:56:00.000-08:00

Por años, la agrupación californiana “Red Hot Chili Peppers” nos ha brindado grandes éxitos, algunos de estos un tanto peculiares. “Can’t Stop” es una de sus canciones más populares (raramente dejan de tocarla en sus conciertos) y, a la vez, uno de sus éxitos más representativos.

Cuando digo representativo lo digo por la siguiente razón: El tema “Can’t Stop” es uno de los que figuran en “By The Way”, octavo y penúltimo álbum de estudio de la agrupación. Este álbum es del año 2002, es decir, es relativamente nuevo, sin embargo el single “Can’t Stop” retoma una de las características que definían a la banda en sus primeros años: frases cortas y con ninguna relación aparente entre ellas. Entonces, al decir representativo me refiero a una especie de unión entre las características iniciales de la banda con la experiencia añadida después de 19 años de trayectoria.

“Red Hot Chili Peppers” se ha caracterizado por se una banda divertida, juguetona, esto lo reflejan en sus canciones, tanto en su lírica como en su música.

La lírica de “Can’t Stop” es una lírica comica. Sus frases no tienen conexión aparente, son un gran número de frases incoherentes unidas. Sin embargo, en mi opinión, después de revisar la letra de la canción varias veces, me atrevería a decir que la canción es una invitación a vivir la vida. No obstante el coro habla sobre amor, todo lo que Anthony Kiedis (cantante de la agrupación) ha hecho por una persona.

Musicalmente esta canción es, de nuevo en mi opinión, una de las mejores de la banda.

Al igual que todas sus canciones, esta es una variación del género “Funk”.
La guitarra de Frusciante es básicamente un punteo continuo durante toda la canción, excepto en la parte del coro, el puente y el solo de guitarra. El hecho de que la mayor parte de la guitarra sea un punteo no le quita merito al instrumento ni a su ejecutador. La guitarra de la agrupación esta reconocida por el “feeling” que le imprime Frusciante.

Al ser una derivación del género “Funk”, el bajo juega un papel primordial; y el bajista de la banda, Flea, es uno de los más reconocidos en el mundo del “Rock”.
A diferencia de la mayoría de sus canciones, que utilizan la técnica de bajo “Slap” (en la cual se golpean las cuerdas con la palma de la mano), “Can’t Stop” tiene un bajo que utiliza más que todo punteos con los dedos o con una púa.

Con respecto a la batería, esta cumple la función básica de mantener el tempo de la canción (obviamente con gran maestría por parte de Chad Smith), y a pesar que en muchas de sus canciones esta tiene unos segundos de “solo”, este tema no es uno de ellos.

El video musical esta realmente destinado para pertenecer a este tema. Siendo “RHCP” un grupo divertido y relajado, se elaboró un video en el cual los integrantes de la banda ejecutan acciones que son incoherentes entre sí y por si solas. Este video estuvo inspirado por las “One minute sculptures” del austriaco Erwin Wurm.

Esta canción fue el septimo éxtito de la agrupación en llegar al puesto número uno en el “Billboard Modern Rock Hit” llego al puesto número 57 en el “Billboard 100” y figuró en el juego “Guitar Hero on Tour, Decades”

Tema: Can't Stop
Artista: Red Hot Chili Peppers
Album: By The Way
Género: Rock Funk
Año: 2002

These days

2009-03-02T19:01:00.000-08:00

“These Days” es el primer single que hace promoción a “Truant”, segundo álbum de estudio de la banda americana “Alien Ant Farm”.

Esta banda californiana, conocida también por su acrónimo “AAF", pertenece al género de “Rock Alternativo”, más específicamente “Post Grunge” o “Metal Alternativo”. Esto quiere decir que las canciones de “Alien Ant Farm” presentan las características de la música “Metal” junto con las características del “Rock Alternativo”; creando una mezcla singular que, en mi opinión, da forma a una de las mejores bandas de rock de la primera década del milenio.

La canción “These Days” nos explica, musicalmente, de que se trata esta mezcla de estilos musicales.

Al escucharla, lo primero que notamos es que es una canción que presenta las características principales del “Rock” inclusive del “Metal”: una guitarra con acordes pesados y distorsionados y un sonido general pesado y lleno.
Sin embargo también se nota que no es completamente “Metal”. Hay algo en su composición que hace que sea diferente, más liviana podríamos decir. Esto es lo que vendría a ser el “Rock Alternativo.

Este estilo nos trae como principal característica para separarla del “Metal”, a pesar de que la guitarra juega un papel principal con sus acordes pesados, la no total dependencia de la guitarra. Una característica de las canciones de esta agrupación es el peculiar papel que juega el bajo, este no se encarga simplemente de poner un fondo a la melodía, este añade “adornos” que llenan la canción, y muchas veces provee la melodía principal.

“These Days” nos habla sobre una relación que terminó. Dryden Mitchell (voz principal) nos habla sobre los días que transcurren después de esta ruptura.
Nos dice que estos días son geniales, que hay cosas que hacer, que la relación estuvo destinada al fracaso, sin embargo, extraña a su amada y afirma que el hecho de que estos días sean geniales, es algo positivo y negativo a la vez.

El video de esta canción vale la pena nombrarlo y explicarlo. En la entrega del año 2003 de los premios “BET” (Black Enterteinment Televisión), el grupo “AAF” deleito a los famosos mientras caminaban por la alfombra roja con un concierto ilegal, desde el techo de un edificio frente al famoso “Kodak Theater”.
Este hecho es verídico, las expresiones en las caras de artistas como “Nelly”, “Lil´ Kim” o “Snoop Dogg” son reales, como también lo es que se hayan llevado presos a los miembros de la banda.

Esta canción llegó al puesto número 43 del “US Billboard 200” y figuró en el juego de computadora “Madden NFL 2004”.

Tema: These Days
Artista: Alien Ant Farm
Album: Truant
Género: Metal Alternativo
Año: 2003

Overkill

2009-03-01T18:57:00.000-08:00

En el año 1983, el grupo melburniano “Men At Work” saco al mercado su tercer álbum de estudio titulado “Cargo”. En este figura uno de los mayores éxitos del grupo llamado “Overkill”.

A pesar de que no es tan famosa como otros éxitos de “Men At Work” como lo son “Who Can It Be Now?”, “Down Under” o “Its a Mistake”, la cación “Overkill” es una de las canciones más conocidas del grupo australiano.

“Overkill” es un single con las características clásicas de una canción de los 80: una base musical relativamente simple, en la que interactúan una batería que se encarga de cumplir la función de llevar el tempo, un bajo, una guitarra con sus respectivos punteos y algunos otros instrumentos utilizados por varios grupos de esta década como lo son instrumentos de viento, en este caso, el clarinete.

La voz de Colin Hay, una de las más características de los 80, le pone el último toque necesario a esta canción. Ligeramente ronca y triste, crea la combinación perfecta con la letra de la canción para transmitir un aire de melancolía.

“Overkill” nos habla sobre una persona que esta preocupada por un tema que, en realidad, nunca se nos delimita. Esta persona no puede dormir, sus preocupaciones se les aparecen como fantasmas en la noche y a pesar de que intenta ver lo bueno, no lo logra.

El álbum “Cargo”, donde figura este single, llegó a la primera posición de ventas en Australia, tercera en los Estados Unidos y octava en el Reino Unido. Además de esto el single “Overkill” estuvo de número tres en el “US Hot 100”, de número tres en el “US Mainstream Rock”, en el quinto puesto en las listas de Australia y en el puesto 23 en las listas del Reino Unido.

Además, esta canción ha aparecido en programas de televisión como lo es la serie "Scrubs".

Tema: Overkill
Artista: Men At Work
Album: Cargo
Género: Rock
Año: 1983

M+M´s

2009-01-27T18:16:00.000-08:00

En 1994 el grupo de “Punk Rock” californiano “Blink 182” lanza al mercado su tercer álbum con el titulo de “Cheshire Cat”. De este se extrae el éxito que prácticamente lanza a “Blink 182” al estrellato: “M+M’s”

La canción “M+M’s” demuestra todas las características típicas de una banda adolescente (teniendo en cuenta que para ese momento el miembro de la banda con más edad era Mark Hoppus con 22) de los años noventa.

La canción trata de amor. La lírica es simple y para nada profunda, y como característica de la mayoría de las canciones del grupo, por lo menos en sus primeros años, tiene varios elementos humorísticos.

Principalmente es una declaración de amor, todo lo que el cantante dice es que haría cualquier cosa por la persona a la que le canta.

Musicalmente también me atrevería a decir que se nota que es una banda adolescente. Se nota más la influencia del “Punk” y los acordes y melodía no son tan claros y limpios como los de los últimos años de la banda. La guitarra como instrumento principal es el que más presencia tiene en toda la canción mientras el bajo se limita a cumplir su función principal, nada de protagonismo (esta será una característica del bajo de “Blink 182” durante toda su carrera.)

Para este momento el baterista de la banda era Scott Raynor, fundador de la agrupación y el miembro más joven con tan solo 16 años de edad. Scott Raynor empleaba un papel aceptable en la banda, esto lo digo no por que sea un mal baterista ni mucho menos, sino porqué su sucesor Travis Barker en realidad es un excelente músico que prácticamente hizo que la mayoría del publico se olvidara del baterista fundador.

El video de esta canción fue literalmente prohibido de algunas televisoras en su época por su contenido catalogado de “inmaduro” y la escena en la cual ocurre el tiroteo fue prohibida y por ende se tuvo que hacer una segunda versión del video.

En conclusión, “M+M’s” nos muestra como eran los orígenes del grupo, y a pesar de que digan que es una canción inmadura y poco trabajada, en mi opinión es una de las mejores canciones del grupo, no solo por su excelente melodía y ritmo, sino por todo lo que esta significa: Inicios de la banda, ideales originales, miembros originales, primer gran éxito.

Tema: M+M's
Artista: Blink 182
Album: Cheshire cat
Género: Punk Rock
Año: 1994

(PD: En la primera foto aparecen los integrantes originales de la banda: Mark Hoppus, Tom DeLonge y Scott Raynor. En la sengunda foto el baterista Travis Barker sustituye a Scott Raynor.)

Hold the line

2009-01-25T17:17:00.000-08:00

También conocida como “Love Isn’t Always on time” la canción “Hold The Line” es el primer y más grande éxito del grupo norteamericano “Toto” y una de las canciones más reconocidas de la década de los 70.

A finales del año 1978, “Toto” nos deleita con su primer “Single” perteneciente al primer álbum de la agrupación, éste se convertirá, posteriormente en una de las canciones más reconocidas del “Rock”.

“Hold The Line” es una canción de amor. Se le canta al amor que existe por una mujer. Se intenta describir, pero al no poder hacerlo se nos dice todo lo que no es el amor, dando una lista de acciones y sentimientos que son realmente románticos y dignos de una pareja enamorada, sin embargo, mucho menor que el verdadero y real sentimiento.
Interrumpiendo los versos tenemos uno de los coros más conocidos en la música: “Hold the line… Love isn’t always on time”.

Nadie puede pedir más de una canción en lo que respecta al área musical.
Es la mezcla perfecta entre un teclado suave y una guitarra pesada. Es realmente notable cómo, después de una introducción en la que participan el teclado y la batería, entra una guitarra con acordes y sonido pesado y a pesar de eso la canción sigue manteniendo una melodía que se podría catalogar con suave y liviana.

Luego, cuando es el momento del solo de la guitarra, la canción alcanza un nivel no más bajo que la perfección.

La canción llego a estar de número cinco en la lista de Hits de los Estados Unidos en el invierno entre los años 1978 y 1979.
La canción a aparecido en películas, como por ejemplo “Click”, en series como “That 70’s show” y hasta en juegos de video como “Grand Theft Auto: San Andreas”.

El video que decidí agregar para esta canción, no es el video original, sin embargo es una versión realmente extraordinaria.
Es un concierto del año 2003 llamado “Night Of The Proms” este es hecho todos los años y cuentan con la participación de músicos principalmente de la década de los 70 y 80. En este “Toto”, toca su más famosa canción “Hold The Line” respaldado por una orquesta, dándole más fuerza a la canción. El resultado de esta unión es realmente espectacular.

Tema: Hold The Line (Love Isn't Always On Time)
Artista: Toto
Album: Toto
Género: Rock
Año: 1978

Here we kum

2009-01-20T19:10:00.000-08:00

Las canciones no necesariamente tienen que tratar sobre un tema serio o profundo, muchas canciones que se han hecho populares en la historia de la música cuentan con un tema que no es nada serio, más bien, todo lo contrario.

Un grupo que se ha encargado de crear canciones de este estilo, es el grupo mexicano “Molotov”.

Cuando se habla de este grupo, en mi opinión, es pertinente dividir su música en dos etapas. La primera de estas es menos comercial que va desde sus inicios hasta el año 99 con su álbum “Apocalypshit”, y la segunda es una etapa con música más comercial que comienza con su álbum “Dance And Dense Denso”.

La canción “Here we kum” pertenece a la segunda etapa de esta banda, y como se menciono anteriormente es una canción para nada seria y para nada profunda.

Cuando nos proponemos a describir el tema de la canción podríamos decir que se trata de una descripción del grupo como tal, todo en tono de burla. Se describen a si mismos como los flojos, los que no hacen nada, los que hacen un álbum para aprovechar el dinero de las personas “fresas”, y más que todo, se describen a si mismo como personas a las que solo les interesa obtener dinero.

Musicalmente la canción cumple con las características principales del grupo “Molotov”: una fusión entre “Rock” y “Rap” que le da un tempo acelerado, una melodía jocosa y pegadiza, y en este caso la fusión de los instrumentos clásicos del “Rock” con algunos sintetizadores electrónicos. (Que le dan el sonido “tecnológico” a la guitarra del intro)

“Her ewe kum” es uno de los hits promocionales del álbum “Dance And Dense Denso” del año 2003, es una canción interesante que se debería escuchar, quizá no perdure en la memoria por mucho tiempo, pero sirve para pasar un rato jocoso.

El video sigue la misma línea de la canción, 100% jocoso y vale la pena verlo así sea para pasar un buen rato.

Tema: Here We Kum
Artista: Molotov
Album: Dance And Dense Denso
Género: Rock/Hip-Hop
Año: 2003

Alive

2008-12-27T18:31:00.000-08:00

En el mundo existen muchos grupos de “Rock”, y estos componen infinidad de canciones. Sin embargo es difícil encontrar alguna canción de “Rock” que hable de la vida de una manera tan positiva.

El single “Alive”, del grupo californiano "Payable On Death" mejor conocido como “P.O.D”, es realmente una canción dedicada a la vida. El álbum “Satellite” debutó como número 6 en el “Billboard Top 200” y el single “Alive” fue el responsable de que esto ocurriera.

“Cada día es un nuevo día, y estoy agradecido de cada respiro que tomo…” de esta manera comienza una “oda a la vida” llamada “Alive”. Esta es una canción 100% positiva, no habla sino de agradecer por la vida que tenemos, agradecer por cada respiro que tomamos, no arrepentirnos de nada y expresarle felicidad al mundo.
La canción se trata de sentirse vivo, y aprovechar la vida.

Esta es una canción perteneciente al género “Rock” (específicamente una rama del “Rock” que mezcla elementos del “Reggae” y “Rap”), es decir, una canción musicalmente ruda. Una guitarra fuerte, de acordes pesados y punteos pentatónicos (ejecutada por el guitarrista original de la banda: Marcos Curiel) , acompañado de una batería que más que acompañar, provee golpes fuertes de bombo y platillo, un bajo acompañante y una voz melodiosa que no se frena en sus gritos oportunos. Algunos de estos elementos pueden chocar con el mensaje que deja la letra, sin embargo, se unen a la perfección y generan un gran resultado.

Este single ha aparecido en películas como “Wasted” y “How to make a monster”, además de en eventos deportivos organizados por “ESPN” o la “WWE”.
Fue ganadora del premio “San Diego Music Awards” en el año 2001 y estuvo nominado para “Best Hard Rock Performance” en el 2002 para los premios “Grammy”.

Por otro lado tenemos el video de la canción. Este va de acuerdo con el video y nos hace ver una situación en la cual una persona puede apreciar la vida más de lo normal.
Este video estuvo nominado a “Video of the year”, “Best Group Video”, “Best Director In a Video – Francis Lawrence”, “Best Special Effects In a Video – Pixel Envy” y “Viewers Choice”; todos estos para los “MTV Music Video Awards” en el año 2002.
Además de esto, fueron ganadores de “Rock Video Of The Year” de los “MVPA Awards” en el 2002.

Tema: Alive
Artista: P.O.D
Album: Satellite
Género: Nu Rock/Rock Alternativo
Año:2001

Love will come through

2008-12-22T20:13:00.000-08:00

Al igual que la música en general, el “Rock” tiene varias propuestas. Una de estas propuestas es la conocida como “Rock alternativo” o “Indie Rock”.
Este tipo de música es interpretado por bandas como “Snow Patrol”, “Keane” y “Coldplay”.
Una de las primeras agrupaciones que explotó este género fue la banda escocesa “Travis”. De su cuarto trabajo de estudio titulado “12 Memories” extraemos el tema llamado “Love Will Come Through”.

En un álbum repleto de canciones que tratan sobre temas controversiales (guerra, violencia domestica, desempleo, etc) “Love Will Come Through” es un respiro que muestra un “Travis” muy cercano a sus propios origenes.
La canción habla de amor, nos llena de esperanza, nos dice que hay amor para todos, simplemente tenemos que encontrarlo. El amor nos esta esperando.

El cantante de la banda, Francis Healy describe la canción como: "a song about love, not in the classic context of that sort of hollywood love, you know the one that you see in the pictures "I love you/I love you too" and it's not like that. It's love that you have with your mum and your dad and your friends and stuff, love that equals hope in the face of everything, the love that conquers all, and its dedicated to that love." (Una canción de amor, no en el sentido clásico del amor de Hollywood, ya saben, ese que uno ve en las películas “Te amo/Yo también”, no es así. Es el amor que le tienes a tu madre y tu padre, el amor de amigos y esas cosas, amor que equivale esperanza frente a cualquier cosa, el amor que lo conquista todo, está dedicada (la canción) a este amor)
Que mejor manera de explicar la canción que con las propias palabras de su cantante.

Musicalmente es bastante simple: una base en guitarra sobre la cual suena un punteo en el banjo, y un bajo y una batería que realmente lo que hacen es acompañar.
Rítmicamente es una canción melancólica y triste, lo que crea contraste con el mensaje que quiere dejar.

Esta canción fue escrita originalmente para la banda sonora de “Moonlight Mile”. A su vez, apareció en el trailer de la película “Garden State” y en un episodio de la serie “Grey’s Anatomy”. El video de la canción fue filmado en Varsovia, Polonia.
Como la mayoría de las canciones de esta agrupación, “Love Will Come Through” es una canción suave y ligera. Ideal para relajarse

Tema: Love Will Come Through
Artista: Travis
Album: 12 Memories
Género: Indie Rock
Año: 2003

Prayer

2008-12-19T20:57:00.000-08:00

En el año 2002 el grupo norteamericano de “Metal”, “Disturbed”, lanza su segundo álbum, “Believe”, al mercado. Entre las canciones que integran este trabajo de estudio se encuentra el hit “Prayer”

La canción “Prayer” resume en su contenido todas las características principales de la agrupación. Es común en todos los singles de “Disturbed”, una lírica que le da sentido al nombre del grupo (que se traduce al español como “perturbado”). En la canción “Prayer” los versos hablan sobre como se le quita la felicidad a una persona, como se le añade miseria a su ya triste vida. Es curioso como una de las características del grupo es poner sus canciones en primera persona, entonces, en el caso de “Prayer” es el cantante (David Draiman) quien le quita amor y vida a la persona a la que se le canta.
El coro de la canción es un rezo (por esa razón su nombre), en el cual Draiman pide a Dios que le quite todo lo que tiene, ya que su vida es demasiado fácil.

En su música, se nota que el grupo está fuertemente influenciado por el “Metal” de los años 90, el “Hard Rock” original. Una presencia casi única de la guitarra, ejecutada por Dan Donegan, con acordes pesados y fuertes. Poca presencia del bajo, el cual uno realmente debe esforzarse por escuchar, y una batería con repetidos golpes al bombo y a los platillos.
Además de eso tenemos la voz de Draiman, ideal para un grupo de “Rock” pesado: Prácticamente gritada (podemos escuchar los característicos gritos del cantante justo después del coro) pero realmente afinada y bien cuidada melodiosamente.

“Prayer” fue una de las razones que hizo que el álbum “Believe” estuviese ubicado como número uno en el “Billboard 200” y que “Disturbed” pudiese participar por segunda vez en el “Ozzfest” en el año 2003.

Como toque final está el video del single. Este añade aun más perturbación al tema, mostrando situaciones horribles y extraños accidentes. Como dato curioso este video fue retirado de la mayoría de las estaciones de televisión de los estados unidos por los supuestos pareceres que tenía con los ataques a las torres gemelas en el 2001.

“Prayer” es una de las primeras canciones de “Disturbed” que escuché, y sin embargo sigue siendo uno de mis temas favoritos de la banda. En mi opinión, es el tema ideal para escuchar en algún momento de mal humor, o cuando uno busca un poco de energía.

Tema: Prayer
Artista: Disturbed
Album: Believe
Género: Nu Metal
Año: 2002

Do you feel like we do

2008-12-12T18:49:00.000-08:00

Oriundo de Kent, Inglaterra, Peter Frampton fue de tanta importancia para el mundo musical en la década de los setenta, que incluso con 58 años de edad (2008) sigue dando conciertos alrededor del mundo.

Uno de los éxitos más grandes de este cantautor, es el conocido como “Do You Feel Like We Do”. Este single debutó en el segundo álbum de Frampton, titulado “Frampton’s Camel” en el año 72. Sin embargo es más conocida su versión en vivo del año 75, esta versión aparece en uno de sus albumes más famosos llamado “Frampton comes alive” de 1976.

Con su estilo de los setenta Frampton se monta en tarima y nos trae una canción que habla principalmente sobre alcohol. En sus líricas, un tanto jocosas, Frampton habla sobre una situación extraña, que el mismo no cree, que le sucedió debido al alcohol. Al vino, para ser más especifico. Por eso el titulo “Do You Feel Like We Do”, que se traduce, literalmente a “¿Te sientes como nosotros?”. Refiriéndose a los que se sienten diferente por estar bajo la influencia del alcohol. Curiosamente, en ningun momento de la canción se escucha la frase “Do you feel like we do”, en vez de eso se escucha “Do you feel like I do” (el titulo de la canción solo se escucha en el solo de la versión en vivo)

Musicalmente la canción presenta características típicas de los temas musicales de la música “Rock” de la década: una superioridad del brillo sobre el bajo. Esto se puede notar en la presencia de, además de la guitarra, un teclado líder, y también por los varios solos de guitarra de Frampton.

Esta canción, en su versión en vivo del año 75, presenta lo que es (en mi opinión) uno de los momentos más grandiosos de la música.
Para explicar este momento expliquemos primero lo que es un “Talk Box”.
Un “Talk Box” cumple la función de un amplificador, solo que, en vez de emitir el sonido por una corneta, lo emite por una manguera. Esta manguera es colocada dentro de la boca del cantante, entonces, al sonar la guitarra, el sonido sale por la manguera y la boca del cantante actúa como caja de resonancia, haciendo posible, literalmente, que la guitarra hable. Este aparato ha sido utilizado por varios artistas, sin embargo fue Peter Frampton quien lo dio a conocer con su canción “Do You Feel Like We Do” en un extraordinario solo de guitarra/voz ejecutado en San Francisco en el año 1975.

Lamentablemente no pude encontrar el video completo de la versión en vivo del año 75 que figura en el álbum “Frampton comes alive”. Sin embargo, conseguí una versión del mismo año, tomada de un programa llamado “Midnight Special” en la que se puede ver a Frampton con su pinta de los años setenta tocando la canción original, pero sin su famoso “Talk Box”. Sin embargo sentí que era necesario mostrar este momento grandioso del mundo musical, entonces incluí un segundo video en el que aparece Frampton en una gira de este año (2008) en la que interpreta su famoso solo con el “Talk Box”.

Tema: Do You Feel Like We Do
Artista: Peter Frampton
Album: Frampton's Camel
Género: Rock
Año: 1972

(PD: para mejores impresiones de la canción se recomienda buscar la versión en vivo de 1975, realmente vale la pena... convenientemente esta versión se encuentra en el "Playlist" en la columna derecha de este blog.)

The sinister minister

2008-12-08T20:07:00.000-08:00

El siguiente es un post, llamémoslo diferente.
Una de mis opiniones con respecto a la música es que: a pesar de que una buena letra y una buena melodía vocal puedan ejercer gran peso en una canción, incluso ser la razón de que una canción sea catalogada como buena, el hecho de obviar el instrumento vocal no quiere decir que una pieza musical no pueda ser excelente.

Desde 1990 el conjunto conocido como “Béla Fleck & the Flecktones” ha dado mucho de que hablar al mundo musical con sus canciones instrumentales.
Una de sus mejores piezas, sacada del álbum “Béla Fleck and The Flecktones” es la titulada “The Sinister Minister”

Sin necesidad de contener lírica, “The Sinister Minister” nos dice todo lo que debemos saber al escucharla. La mayor parte de la canción está constituida por acordes menores, lo que le da un aire de tristeza y misterio, o como el título nos dice: un aire siniestro.
La melodía principal cae en manos del banjo y de la harmónica, y, ya que son instrumentos asociados con el “Blues” y el “Jazz” añaden ese toque que se suma al misterio de la canción.

Sobresale sobre los otros instrumentos el bajo de Victor Wooten (el maestro Victor Wooten) caracterizado en todas las canciones del grupo por su único y extraordinario método que el músico emplea para tocarlo. En el momento del solo se puede escuchar el dominio, la velocidad y el control total que Wooten tiene sobre su instrumento, virtudes que demuestra a lo largo de toda la canción.

El single “Sinister Minister” forma parte también del primer álbum en vivo de la banda que contiene un recopilatorio de canciones de la banda ejecutadas en vivo entre los años 1992 y 1996. Por esta versión en vivo “Béla Fleck & the Flecktones” recibe, en el año 97 un premio “Grammy” por “Best Pop Instrumental Performance”.

El video de esta canción juega muy bien con el blanco y negro y el color, dándole el misterio visual a la ya siniestra melodía. Se pueden ver los conocidos instrumentos: contra-bajo, bajo eléctrico, batería, banjo; y unos menos usuales como el banjo eléctrico (banjo en cuerpo de guitarra) y un “Drumitar”. El “Drumitar” es un instrumento inventado por el músico Roy “Future man” Wooten (hermano de Victor Wooten y también miembro del grupo), este es, básicamente, un instrumento de percusión montado en el cuerpo de una guitarra. Un invento bastante extraño y diferente que les ha acompañado desde sus inicios.

Tema: The Sinister Minister
Artista: Béla Fleck & the Flecktones
Album: Béla Fleck and The Flecktones
Género: Jazz
Año: 1990

Eat you alive

2008-12-03T19:36:00.000-08:00

¿Qué ocurre cuando chocan el rock y la violencia con el amor y la balada? El resultado será, o estará muy cerca de, la canción “Eat you alive” de Limp Bizkit. Al escuchar la letra de la canción, encontramos un interesante contraste de temas, por un lado tenemos frases y estrofas hermosas que tratan sobre amor y una imposibilidad de vivir sin la persona a la que se le dedica la canción. Por el otro está la característica rudeza de las líricas de Limp Bizkit, cargadas de sexo y violencia. El mismo título de la canción “Eat you alive” es violento y cargado de un significado sexual.

Líricamente la canción funciona como un péndulo, viajando de la violencia a la tranquilidad. Igualmente, en su melodía y ritmo funciona de manera parecida. A pesar de que la mayor parte de la canción transcurre en un ambiente fuerte, hay momentos de calma que contrastan de manera violenta con el resto de la canción. Este es uno de los atributos del tema que le da un aire interesante a la canción.

A las alturas del año 2003, año del debut de la canción, el excéntrico guitarrista Wes Borland, famoso por la manera en que se vestía y maquillaba, ya no formaba parte del grupo, y fue relevado por el joven Mike Smith. La guitarra de Borland en los tres primeros trabajos discográficos de la banda es impecable; la de Mike Smith en “Results May Vary” es igualmente, impecable. Al ser un músico que viene de otras bandas de “Nu Metal”, Smith tiene experiencia suficiente para dominar los ritmos fuertes y pesados (un ejemplo es el intro musical del tema “Eat you alive”) que caracterizaban al Limp Bizkit de Wes Borland.

El video musical de esta canción demuestra el contraste ya mencionado en la canción, Fred Durst grita por un alta-voz, pero de pronto se interrumpe para prender unas luces y dar un ambiente romántico a la situación. Como curiosidad, el video cuenta con la actuación de dos conocidos actores: la actriz Thora Birch (American beauty), y del más conocido actor Bill Paxton.
Curiosamente los videos de esta canción que se encuentran en Internet son de la versión censurada, sin embargo son solo pequeñas diferencias.

Tema: Eat you alive
Artista: Limp Bizkit
Album: Results May Vary
Género: Nu Rock
Año: 2003

Matador

2008-11-30T19:33:00.000-08:00

Aquí está el primer post de una canción en español, es además, probablemente, el primer post que habla sobre una canción que es conocida por la mayoría de las personas.

En el año 1993 Los fabulosos Cadillacs sacan su octavo trabajo de estudio titulado "Vasos Vacíos" y en este CD se encuentra una de sus canciones más exitosas titulado “Matador”.
El single "Matador" es una de las canciones en español más conocidas del mundo, el ritmo marcado por los tambores al principio de la misma es característico y es excesivamente difícil encontrar una persona que no reconozca la canción escuchando los primeros segundos.

La canción “Matador” cuenta con todos los elementos clásicos de la música Ska, es decir, además de los instrumentos de cuerda y variados instrumentos de percusión, cuenta con una variedad de instrumentos de viento, claramente identificables en la canción, efectuando una melodía bastante conocida.

La letra de la canción habla sobre un personaje que se encuentra escondido. A este personaje la policía lo busca por oponerse al régimen de gobierno. En el transcurso de la canción, se nos da a entender que el personaje conocido como “matador” no es realmente un asesino, en realidad, es un idealista que “por el simple hecho de pensar distinto” lo están buscando para matarlo.

Es una canción realmente buena, de hecho, la canción fue elegida como una de las mejores del siglo pasado, y su video quedo como segundo en la lista de los cien mejores videos del siglo de MTV detrás del famoso "Thriller" de Michael Jackson.

Un dato curioso de la canción es que, en la primera estrofa se menciona a un tal “León Santillán”. Este personaje cuenta con su propia canción de la autoría del mismo grupo, publicada antes que “Matador” (de hecho “Matador” al hacer mención del León, dice que ya cayó).
Sobre este personaje existe una gran discusión, ya que muchas personas aseguran que es un personaje ficticio creado por la banda, mientras que otros alegan que fue un real peleador argentino, un oposicionista que murió a manos del gobierno.

En mi opinión, no importa si este personaje existió o no existió, esto le brinda un aire de misterio a la canción que la vuelve más interesante.
“Matador” se merece estar en el tope de las canciones en español, cuenta con un ritmo inconfundible y pegajoso y una letra profunda que habla sobre idealismo y libertad de expresión.

Tema: Matador
Artista: Los fabulosos Cadillacs
Album: Vasos vacios
Género: Ska/Reggae
Año: 1993

Praise the lord and pass the ammunition

2008-11-23T06:30:00.001-08:00

Serj Tankian es conocido como el cantante del grupo “System of a down”, sin embargo, en el año 2007 su primer disco solista fue lanzado al mercado con el nombre de “Elect the dead”

Tankian siempre se ha caracterizado por líricas que tratan sobre temas controversiales, en especial la política y la religión. Estos dos temas se unen en la canción “Praise the lord and pass the ammunition”
Este nombre, un tanto extraño, fue inspirado, al igual que la canción, por una canción patriótica norteamericana escrita por Frank Loesser en el año 1942, a raíz del ataque a Pearl Harbour.

Este tema es un (opinión propia) “desorden musical meticulosamente organizado”. La primera vez que se escucha pareciera que cada instrumento musical estuviese tocando una canción diferente. La melodía vocal pareciera fuera de tiempo y simplemente desubicada. Incluso la letra pareciera no tener sentido alguno.
Sin embargo, prestando mayor atención, la canción está perfectamente cuadrada, a pesar de que los instrumentos parecen autónomos, forman todos parte de la misma estructura. Esto es increíblemente difícil, ya que con una canción perfectamente acoplada, Tankian logro su objetivo de crear un “caos musical”.
La letra de esta canción, aunque parezca incoherente, es bastante profunda. El mismo título demuestra una profundidad y una contradicción de ideas bastante fuerte.
Como es común en sus letras Tankian nos habla sobre temas religiosos, haciendo alusión al budismo, hinduismo y a la religión musulmana. Además se queja de la situación en la que se encuentra la sociedad, diciendo que el “armagedón” ha llegado por culpa del ser humano.

Las canciones interpretadas por este artista, tanto las de System of a down como las de su propia autoría, cuentan con varias características en común: Los temas líricos controversiales, la potente voz del cantante y, en varios de sus temas, la jocosidad presente en sus coros, ya sea musical o líricamente.
En “Praise the lord and pass the ammunition” el coro presenta una letra bastante incoherente en un ritmo musical bastante “entretenido”.

En mi opinión esta es una gran canción que, a pesar de que pueda obstinar, merece ser escuchada completa, así sea una sola vez.

Tema: Praise the lord and pass the ammunition
Artista: Serj Tankian
Album: Elect the dead
Género: Rock
Año: 2007

Stay or leave

2008-11-21T19:44:00.000-08:00

Es increíble lo que se puede hacer con tan solo una guitarra.
Desde que Dave Matthews comenzó su carrera musical ha demostrado ser un excelente músico, y en específico un excelente guitarrista.

Stay or leave es una de las mejores canciones de este artista. Es simplemente Dave cantando acompañado de su guitarra, y en realidad no necesita de más nada, la mezcla de la voz del cantante más los acordes melancólicos de su instrumento crean la mezcla perfecta.
En esta canción su instrumento cumple la función de dos guitarras, a veces incluso de tres, y sin embargo, se ve tan simple en el video (que es en vivo, esa es una de las características de Dave Matthews, sus conciertos suenan igual que sus grabaciones de estudio).
Ppodemos decir que es una canción de despecho: la guitarra ejecuta puros acordes tristes, la voz baja de Dave Matthews provee el resto.

Stay or leave habla sobre una relación que fue y más nunca será, sobre la pareja que era perfecta. La manera en que todo era excelente, en que todas las otras personas querían ser esta pareja. Lamentablemente el tiempo hizo que esta pareja no pudiera seguir adelante.
Es realmente una canción triste cargada de emociones, que quizá ningún otro autor la hubiese podido ejecutar de la manera en que lo hace Dave Matthews. Es el tipo de canción en la que el llamado “feeling” del cantante cumple una función importantísima, ya que si el artista no esta sintonizado con este “feeling”, la canción no será la misma.

El álbum “Some Devil”, en el que se encuentra esta canción, debutó en el año 2003. Es el primer álbum del cantante como solista.
La canción al no ser del grupo de Dave Matthews, el conocido “Dave Matthews Band”, no es ejecutada muy a menudo en sus conciertos. Solo fue presentada en vivo en los conciertos que brindaba el cantante, conocidos como “Dave Matthews and friends”, el último de éstos, el “Farm aid” en el año 2006.

Tema: Stay or leave
Artista: Dave Matthews
Album: Some devil
Género: Rock
Año: 2003

Typical

2008-11-19T18:26:00.000-08:00

Uno de los nuevos movimientos musicales del momento conocidos en el mundo es el llamado Rock alternativo. Estos grupos comenzaron a tener popularidad a principios de esta década y en estos momentos se encuentran en plena madurez.

Como miembros de la movida musical moderna tenemos a un grupo de New Orleans llamado Mutemath, cuyos integrantes nos brindan una propuesta interesante de lo conocido como rock alternativo.

Typical es el segundo single de su disco homólogo. Siendo miembros del rock alternativo (al igual que el rock en general) el brillo de las canciones domina al bajo. Además de la guitarra el grupo cuenta con un teclado que apoya el trabajo de la este instrumento. Se juega mucho con el contratiempo, elemento usado en la mayoría de sus canciones, marcado claramente por la batería. Esto le brinda ese elemento a la canción que la hace tan llamativa.

Líricamente la canción es más profunda que muchas otras de su género. Nos habla sobre alejarnos de la rutina, alejarnos de lo típico de nuestras vidas, y soñar, vivir y buscar cosas mejores, niveles más altos.

Esta canción estuvo nominada a los Grammy en el año 2007. Llegó a debutar de número 39 en los “Billboard’s US modern rock chart” y terminó de puesto número 33.
El video de esta canción estuvo de número 7 en el “Billboard's Hot Video Clip Tracks chart” y, al igual que la canción, estuvo nominado para los Grammy del 2007 como mejor video.

Tema: Typical
Artista: Mutemath
Album: Mutemath
Género: Rock alternativo
Año: 2007